viernes, 24 de octubre de 2014

Black Label Society "Sonic Brew" (1998) Back On Black



Es el primer disco de la banda de Southern Rock y Groove Metal originaria de Los Angeles, California en los Estados Unidos llamada Black Label Society surgida en el año 1998, aunque en un principio se hacían llamar Hellkitchen creemos que al líder de la banda angelina no le gustó mucho el nombre para la banda y decidió cambiarla por la que lo conocemos actualmente. Sin duda que Zakk Wylde ex guitarrista de Ozzy Osbourne en los discos de "No Rest For The Wicked"(1988), "No More Tears"(1991)  y el "Ozzmosis"(1995) andaba inquieto en demostrar sus habilidades como guitarrista ante el mundo del metal y del rock.

Resulta curiosa la anécdota donde se relacionan Ozzy Osbourne y Zakk Wylde, ni más ni menos que Wylde le envió un demo de sus habilidades como guitarrista al "Príncipe de las tinieblas" en aquellos momentos cuando andaban buscando un sustituto para el insustituible Randy Rhoads(R.I..P 1988), resulta que Ozzy al escuchar las pistas de guitarra de Wylde comentó: "Otro clon de Randy Rhoads!!" Vaya que debieron ser momentos bastantes incómodos para quien apenas iniciaba su carrera en esta dura profesión de ser guitarrista de una leyenda del Heavy Metal. Pues bien al final Ozzy no se decidía por ningún guitarrista para sustituir a Randy Rhoads, por lo que su baterista Randy Castillo seguramente se habrá fijado del talento de Wylde le recordó el nombre a Ozzy, éste recordó el demo que había escuchado y el resto es el ingreso a las filas de la banda del emblemático vocalista para el año de 1988. 

Este trabajo de Wylde se veía venir ante el nivel alcanzado en los 3 primeros discos grabados con Ozzy(grabó 2 discos más luego de la publicación del primer álbum de Black Label Society). La edición salió en formato CD primero en Japón el día 25 de octubre de 1998 a través de la Spitfire Records conteniendo un total de 13 canciones. Pero para la edición del resto del mundo hubo retrasos en la edición ya que se decidieron hacer algunos arreglos a las pistas y finalmente vio la luz el 4 de mayo del año 1999 con una pista como bonus track en el disco. Cabe mencionar que en este trabajo Zakk Wylde se hizo cargo de las voces, las guitarras, el bajo y del piano. Mientras que en la batería se hizo acompañar del poco reconocido pero muy efectivo Phil Ondich. Una curiosidad es que el bajo en la pieza 15 estuvo a cargo de Mike Inez (Alice In Chains, Ozzy Osbourne, Slash & Snakepit). Fue producido por Ron y Howard Albert en conjunto con Wylde para darle el toque personal que el guitarrista quería que tuviera el sonido del disco.



Yo conseguí la primera edición del vinilo editado por la label Back On Black(Rock Classics) por las referencias ya mencionadas del nivel alcanzado por el guitarrista en los discos de Ozzy. Así esta pieza entró a mi colección como una curiosidad por saber que caminos rockeros había decidido utilizar un ya reconocido Wylde. Este trabajo ésta repleto de reminiscencias del Stonner Rock de Black Sabbath y otras grandes bandas del estilo, así como del rock sureño(Southern Rock) de los años 70´s y de ciertos rifs de las guitarras del grupo Pantera(Groove Metal) de los EE.UU.  Es un vinilo con doble LP donde vienen 15 piezas ya que se incluyó una pista más en las reediciones del álbum, así tenemos que en el lado A se encuentran los títulos de "Bored to Tears", "The Rose Petalled Garden", "Hey You (Batch of Lies)" y "Born to Lose".



 En tanto que el lado B lo componen "Peddlers of Death", "Mother Mary", "Beneath the Tree" y "Low Down en el primer disco. En el segundo disco en el lado C vienen las piezas "T.A.Z.(poderosa instrumental)", "Lost My Better Half", "Black Pearl"  y "World of Trouble. Finalmente en el lado D cierran las piezas "Spoke in the Wheel","The Beginning... at Last" y la última "No More Tears"(cover de Ozzy Osbourne). Puras piezas donde se respira buen Southern Rock y lo que se llama Groove Metal se ve que Zakk anduvo escuchando muchas horas de ésta música durante las giras con Ozzy, sin duda te recordará el tratamiento de las guitarras a bandas como Black Sabbath o ,Pentagram por ejemplo, aunque las letras hablan de problemas personales, alcohol, drogas y de la guerra. Así que ya te imaginarás por donde tira el primer trabajo de este grupo denominado Black Label Society. Personalmente creo que fue un escaparate para Wylde de sacar a flote muchas cosas que estaba viviendo por aquellos años.

Zakk Wylde

Para que te animes más a conseguirlo te dejo 3 piezas que en lo personal disfruto mucho escucharlas ya que poseen mucho "feeling" en las guitarras. La primera es la titulada "The Rose Petalled Garden" un titulo rayando en lo cursi para un banda como la descrita aquí, pero es una de las que hace referencias a la lucha con los "demonios internos" que en esos momentos invadían a Wylde, tremendas estrofas de esta composición que te dan una idea de lo que ocurría, éstas letras estaban aderezadas con el Southern Rock y con Groove Metal que la hacen verdaderamente adictiva al escucharla.
  

Black Label Society "The Rose Petalled Garden" en vivo.

La siguiente canción es la titulada "Born To Lose" que al mejor estilo de los Motörhead en cuanto a las letras, se burla de los cánones conservadores de aquellos años en la sociedad estadounidense sobre todo por sus referencias religiosas que seguramente habrán ocasionado atragantaran algunos ministros de las iglesias, por letras como " Jesus, Hell Yeah, What do we do? Jesus, Can you hear us screaming up above?". En fin que el aderezo de éstas letras que parecían consumir al emblemático Wylde con las guitarras teniendo mucho enganche en el sonido desde el principio te llevan a disfrutar de la canción una y otra vez. Aquí lucen las guitarras de Wylde al 100%.


Black Label Society "Born To Lose" del DVD Boozed, Broozed and Broken Bones del 2003

Una última pieza para que te animes a incluirlos en tu discografía de vinilos es la titulada "No More Tears" con ese estupendo gancho en los rifs iniciales donde se marcan un estupendo cover de la canción de Ozzy Osbourne aunque con el estilo de la banda bastante alejado de lo que conocemos en el tratamiento de las guitarras de las canciones del "príncipe de las tinieblas". Un verdadero disfrute pincha en el vídeo y disfrútalo. Esta pieza viene en el disco que no viene en las primeras ediciones en CD del álbum. Así que ahí tienes otra ganancia amigo(a).


Black Label Society "No More Tears" (cover Ozzy Osbourne)

De lujo esta edición en vinilo blanco con doble Lp de 12" para que lo poseas como una de tus piezas predilectas, una gran edición de la label Back On Black. Este disco es de los más venerados por los fans de la agrupación que cada día parecen ser más. Sin duda que el trabajo de Wylde es apreciado aún hoy en día ante las nuevas generaciones porque éste primer trabajo sigue siendo de los más buscados en cualquiera de sus formatos que se tienen editado.

Todas las piezas del disco tiene un tratamiento propio que las hacen ser únicas y no con un sonido repetido en los rifs de cada una de ellas, por lo tanto aquí la que lleva el mando es sin duda la guitarra de Wylde. Aunque de buena manera ya que en verdad se esmeró mucho en componer y producir las líneas del instrumento para cada pieza. En lo personal vale mucho la pena esta edición que salió en formato vinilo por ser la edición mejorada de la reedición, es decir se puede escuchar que la producción e inclusión de nuevas piezas vino a mejorar una obra la cual de por sí era excelente en su primera edición, así que sin más preámbulos espero que te animes a tenerlo entre tus discos coleccionados ya que el estilo de la banda se disfruta mucho más que en el formato CD. Aquí tendrás un buen rato de lo mejor del Southern Rock que no había escuchado, ya que como muchos me mantuve escéptico de la obra de Wylde pero que con la escucha y la promoción de algunos conocedores de buen rock y metal decidí incluirlo en mi colección y lo cual no me arrepiento de hacerlo por ser creativo en el sonido de las guitarras.













Espero que le des una oportunidad a Black Label Society la mejor opinión la tienes tu amigo(a) del blog. Hasta la próxima reseña estimados(as).

ANTON

Stone fury – Let them talk (1986)


Amigos de los viernes, si no hace mucho os hablaba de la reedición en vinilo púrpura del primer álbum de Kingdom Come que acababa de adquirir, hoy regreso a la figura de su líder Lenny Wolf para presentaros este Let them talk. Porque, al igual que el danés Mike Tramp de White Lion tenía un pasado en Mabel, el alemán Lenny inició su carrera en Los Angeles con un proyecto a priori interesante llamado Stone Fury junto al guitarrista Bruce Gowdy. Y digo a priori porque su primer elepé con producción de Andy Johns es muy compacto y hard rockero, bastante cercano a lo que Lenny haría años después imitando a Plant. En cambio, su segundo álbum giró inexplicablemente hacia un AOR edulcorado a más no poder que –como no podía ser de otra manera- fue un completo fracaso comercial. Pero es este el que tengo yo, qué le vamos a hacer. Pese a todo y no siendo el estilo que más me emocione, no tengo ningún problema en afirmar que la calidad de la banda era indudablemente superior a la de los autores de We are the 80’s. Así pues, algo de reconocimiento merecen. Vamos a ello. 

Y es que –si nos olvidamos de su opera prima o no la hemos oído nunca-, este Let them talk es un buen exponente del AOR de los 80 más blando y popero que os podáis encontrar, con algunos ramalazos de hard rock pero más orientado a las radiofórmulas que a captar seguidores entre la parroquia metalhead. Corría 1986, el año del Slippery when wet, Night songs, The final countdown, Inside the electric circus, Trilogy, Master of puppets, True as steel, Turbo, To hell with the devil, Peace sells... o Somewhere in time entre muchos otros –eran los ochenta, amigos, y el hard’n’heavy reinaba sobre la Tierra- así que no fue extraño que a nadie le importase una mierda que Wolf y Gowdy editasen su segundo disco. De hecho, por entonces ni yo mismo me enteré. 


Así que con la dirección musical indiscutible de Lenny Wolf a las voces y guitarra y Bruce Gowdy a las guitarras y teclados –eran los autores de todos los temas-, las aportaciones de músicos de sesión como Vinnie Colaiuta a la batería y Dean Cortez al bajo y colaboraciones de Alan Pasqua y Jim Lang a los teclados y sintetizadores, Mike Fisher a la percusión y Reed Nielsen programando la batería electrónica, Let them talk se puso en las tiendas. 

Producido por Richard Landis y Ed Thacker en The grey room y los Ocean way recording studios para MCA, la portada era de Ron Slenzak con diseño de Ilene Weingard. ¿Y los temas cómo sonaban? Pues Too late es AOR melódico y melífluo, así como suena. Lies on the run es una especie de hard-rock melódico con teclados y batería electrónica. Let them talk es otro pedazo de AOR un poco poppy, pero de lo mejorcito del álbum, lleno de coros y sintetizadores con guitarrazos acompañando esa bonita voz de Wolf. Babe es una balada con más sintetizadores y la voz de Lenny arropada por una elegante guitarra. 


Eye of the storm sigue la tónica que predomina en el disco, la del AOR poppy, con sintetizadores, batería electrónica y esa producción ochentera de guitarras que tanto servían para Power Station como para Robert Palmer, una canción que no me llama demasiado la atención, la verdad. Y Doin’ what I feel tampoco destaca demasiado en mi opinión. Let the time take care es mucho mejor que las dos anteriores, con un sonido de guitarra que recuerda a los trabajos posteriores con Kingdom Come. Pero la alegría dura poco y I should have told you es más de lo mismo, AOR con sintetizadores. Stay es la última canción, con un inicio que Lenny recuperó para la melodía del tema Pushing hard de Kingdom Come y que supone con un tono mucho menos AOR que el que impera en todo el álbum –aunque no tenga nada de hard rock- y un punto final más que digno al álbum y a la carrera de esta banda poco conocida fuera de los Estados Unidos. Después de esto, la banda se disolvió. 

En fin, amigos, que como imagino que muchos de vosotros no habíais oído hablar de ellos, aquí tenéis una breve selección de los temas de este álbum. Eso sí, si tenéis que escoger entre este y su primer trabajo, pillaos el primer Burns like a star sin dudarlo. 





Bonus: y ya que os he hablado de ellos, aquí tenéis una muestra de lo que el señor Tramp cantaba antes de Lady of the valley, Wait o Lonely nights


¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

Hooker & Head

Pues mi primer aporte a este block va dedicado a este gran álbum que fue realizado por Jhon Lee Hooker y los Canned Head en los Liberti Studios de Los Angeles, California en mayo del año 70 y publicado a principios el 71.

El fruto de esta acertada unión fue un fantástico doble LP que es un disfrute de principio a fin. Dejar caer la aguja y disfrutar de un excelente blues rock de principio a fin.




Kim Wilson no vio nunca publicado el álbum a causa de muerte por sobredosis de heroina, en la foto de portada del disco aparece en la foto colgada en la pared en homenaje póstumo. Tampoco aparece en la foto el guitarrista Henrry Bestine, estando en su lugar, de pie en la ventana, el mánager de la banda Skyp Taylor.

Jhon Lee Hooker se encrga de la guitarra i voces
Kim Wilson, Harmónica, guitarra y piano
Henry Vestine guitarra rítmica
Fito de la Parra, batería
Tony de la Barreda, bajo




El disco tiene dos partes diferenciadas, la cara A y B con Hooker en solitario desgranando con sus punteos y voz grave y profunda blues descarnados que tanto le caracterizan.

Las caras C y D, ya entra la banda al completo y el disco da un sorprendente giro a blues rock, con Hooker a la cabeza y la banda dando todo su apoyo.
El buen feeling entre Hooker y Wilson hace el resto.


Aquí tenéis el disco enterito.
http://open.spotify.com/album/0D0s7xWS9xH5x2PXO4fVw3

A disfrutarlo

Kortatu, Cicatriz, Jotakie y Kontuz Hi! (1985 – Soñua)


Ayer en una conversación de amigos sobre vinilos volví a escuchar el término split, hoy en plena era digital totalmente en desuso. Como de sobra sabéis, denomina a los discos (single, maxi o LP) compartidos por dos o más bandas que tienen algo en común discográfica, género musical, miembros, ámbito territorial, etc., y que les permitía, sobre todo, darse a conocer y ahorrar gastos.

Como el primero que siempre me viene a la mente ya pasó por el blog, me refiero al Heavy Rock al Rojo! firmado a pachas por Zero y Tigres, rápidamente pensé en otro, y hoy os traigo el denominado “disco de los cuatro” que recogió la primeras grabaciones de Kortatu, Cicatriz, Jotakie Kontuz Hi!.


Cuatro bandas importantes e influyentes en el rock vasco, sobre todo Kortatu y Cicatriz que también lo fueron/son en todo el país, pero de estilos muy diferentes, yendo del ska de Kortatu, al punk de Cicatriz, pasando por un potente pop-rock intimista cantado en euskera de la mano de Jotakie que en muchos lances me recuerdan a los Ilegales o los aires rockabilly de Kontuz Hi! 

El trabajo, que para muchos fue el punto de partida de lo que vino a denominarse el rock radikal vasco, aunque para esta ocasión la letras están cargada más con mensajes revolucionarios y antisistema que los propios de la ideología abertzale, fue producido por el sello Soñua fundado en el 1982. 

 

Durante cinco años Soñua dio salida a la mayoría de las bandas de Navarra y Euskadi como Motos, Barricada, La Polla, Obras Públikas, The Indestructible Beat of Soweto, Malos Tratos, Hertzainal, Belladona, Potato, Kojón Prieto los Huajolotes o Tijuana in Blue, a parte de los ya nombrados. En 1987 el catálogo de Soñua pasa también de la mano de Mariano Goñi a la recién creada Oihuka, que sigue produciendo nuevos discos de éstos y nuevos grupos, así como reeditando muchos de los que procedían de Soñua como es el caso de este de “los cuatro”.

De entre todos los temas destacar los tres de Kortatu, en especial “Nicaragua Sandinista” convertido en todo un himno y la adaptación del "Drinking and driving" de The Business titulado por los de Irún como “Mierda de ciudad”, los tres temas de Cicatriz entre ellos el canto punk  "Cuidado burócratas",  "Kataklismoa" de Jotakie un tema antinuclear tan de moda en los años ochenta y el notable “Dejen paso libre” de Kontuz Hi!, que a la postre fue la banda de menor recorrido. 

Salud y R&R amig@s.  


 













Tesla "The great Radio Controversy" (1989)



Tres años después del Mechanical Resonance (1986) Tesla editaban su segundo trabajo. Si en el primer disco ya apuntaban buenas maneras es en este The Great Radio Controversy donde acaban de confirmar, y con creces, que eran una banda muy sólida y que podían mirar de tú a tú a los grandes grupos de Hard Rock del momento. No en vano Jeff Keith, el frontman de Tesla, siempre ha dejado bien claro que este segundo disco es su preferido.

Quique Gonzalez - "Delantera Mítica" (2013)


Como muchos sabréis Quique Gonzalez se ha embarcado en una gira a dúo con otro de los grandes del rock español, hablo nada mas y nada menos que del poeta eléctrico Don José Ignacio Lapido. Con motivo de esta gira que próximamente pasará por Bilbao y que no dejaré pasar, las entradas ya están a buen recaudo, se me ha ocurrido rescatar este post que a propósito de la publicación del último vinilo de Quique apareció en mi blog, he cambiado las fotos por unas caseras del vinilo de mi colección tanto aquí como en la entrada original, entrada que el que lo deseé puede visitar pinchando aquí.
Es genial poder compartir este evento y este disco con todos los camaradas de La Comunidad del FFVinilo. 
¡Buen fin de semana a todos!!!

El otro día comentaba este disco con mi gran amigo Rafa y ambos coincidíamos en una palabra que nos parecía clave para encuadrar el último trabajo del madrileño Quique Gonzalez: "equilibrio", equilibrio estilístico y sónico principálmente.
Culpaba yo hace unas semanas a su predecesor "Daiquiri Blues" de una cierta falta de este equilibrio, y ese es en mi opinión el mayor inconveniente de aquel disco.
Pues bien, Quique Gonzalez con este "Delantera Mítica" repite planning de trabajo y repite productor, Brad Jones vuelve a dirigir la mesa de control para este Lp, misma ciudad, Nashville e incluso mismos estudios, los propios de Jones, instalados en su residencia en la mencionada capital mundial de las canciones Nashville.


Con una producción mas guitarrera pero con menos detalles propios del tan de moda "southern rock" como steels guitars o sonidos de viento propios del gospel de New Orleans que aportaban un cierto aire americana que no lograba impregnar el trabajo de auténtico sabor y que en ocasiones se comía un poco la personalidad propia de Quique... y este dato es el que considero que dejaba paso a ese des-equilibrio que comentaba anteriormente.
Este punto es el que se trabaja mas y mejor en este "Delantera Mítica", y creo que se consigue, no escuchamos esa profusión de elementos "americana", y si en cambio guitarras eléctricas mas aceradas, mas rabiosas y entregadas a unas melodías mas rockeras, mas liberadas de ciertos envaramientos sónicos exigidos por una producción excesívamente predispuesta como ocurría en el disco de 2009.


Y debo decir que en esto precisamente es en lo que mi querido Rafa y yo coincidimos, pero visto desde una orilla diferente, opuesta, la contraria vaya, pues lo por mi aportado en estas lineas es antagónico a lo que Rafa piensa, pero ese es el debate que hace interesante la charla y coloquio sobre esto que nos gusta tanto que es el rock.
Por lo demás, lo clásico en Quique , una colección de buenos temas, de emocional linea melódica y vocación entre épica y lírica en las letras, poéticas como siempre y, en ocasiones un tanto densas en su interpretación, un poco "poco claras", pero siempre hermosas, pobladas de frases impactantes y plásticas.
Una docena de temas compuestos por Quique, la mayoría junto a Cesar Pop y al inefable Leyva que abren un abanico completo de la variedad compositiva del madrileño, son todos ellos temas muy Quique, menos raciales y mas personales en el aspecto sonoro, bien cantados, en cada disco Quique canta mejor, con mas gusto y personalidad (esta siempre le ha sobrado), sin demasiadas novedades en cuanto a la temática de sus piezas pero con una evidente madurez en el pulso musical, melódico y de construcción de sus melodías. El sonido se arrima al típico sonido de Nashville, rozándole, que no golpeándole como anteriormente, el country y el folk. Con mucha menor influencia de sonidos afro americanos como soul o blues, y una mayor presencia, mas evidente de "Quique" que en el anterior, todo esto provoca el "equilibrio" del que hablaba antes y el punto de diferencias entre Rafa y yo, es en este aspecto donde creo que alcanza su mayor evidencia, esto hace que el disco mejore exponencialmente, pues tu cerebro absorbe los temas con mayor naturalidad, reconociendo de inmediato al autor, dando la bienvenida a sus canciones, a las inflexiones de su voz y aceptando de forma natural la influencia americana del sonido que aquí no resulta nada forzada, sino nacida así, guitarras, acústicas y eléctricas que encajan, ritmos internacionales dominados por el bajo del productor que ejerce también de bajista, coros, los justos, que aportan emotividad y belleza, un sonido mas contundente y rockero y sobre todo mucho mas equilibrado (lo siento Rafa), que crean un disco superior a su antecesor a pesar de no contar con mejores composiciones, aquí sería justo hablar de empate.
Doce temas sin demasiados altibajos, medios ritmos sobre todo que es donde manda Quique, algún acercamiento al rock acerado de 091 y baladas de tristes nubarrones sonoros, doce temas fantásticos que redondean un álbum realmente notable, sincero y directo.
Por destacar algún tema citare la genial "Tenia que Decirtelo" que abre el disco, dotada de un efervescente estribillo y un ritmo country comedido pero evidente. La bellísima "Dallas-Menphis", que no deja de ser una ranchera con acordeón y todo y que además de una letra romántica y dolorida consta de una melodía digerible y de dulce sabor. La acerada y afilada "Donde esta el Dinero", guitarras feroces pero sin estridencias y ritmo machacón sobre una melodía incisiva y una letra aguda y penetrante, un gran tema. Una balada acústica y plañidera muy al estilo Quique nos relaja y serena en el corte "Las Chicas son Magníficas", Mas guitarras, ritmo e incisiva actitud rock en la extraordinaria "Viejos Capos", con un gran estribillo, tenso y tirante. "No encuentro a Samuel", (que ya escuchamos con otra letra en el DVD que aportaba "Avería y Redención") y "Delantera Mítica" son dos hermosos y geniales cantos a la amistad, vista en cada tema con un disfraz diferente. Y el disco se cierra con la versión del clásico de Bob Dylan "Is Your Love in Vain?", y que Quique versiona fantásticamente como ya comente hace unas semanas en esta reseña.
Fantástica y mejorada entrega de Quique Gonzalez que es en mi sincera opinión su mas madura aportación hasta la fecha, quizás no la mas bella o amena pero si sabrosa, saciante y equilibrada selección de temas de este gran artista que es Quique Gonzalez, resumiendo, recomendable totalmente, brillante y con claroscuros sonoros muy favorecedores, ¿Tal vez su mejor disco?... Tal vez...









viernes, 17 de octubre de 2014

Motörhead "Iron Fist" (1982)



Este vinilo es de aquellos que cuando los vislumbras en el aparador de la tienda de discos los demás vinilos desaparecen como por arte de magia y sólo tienes ojos para aquel vinilo que te ha enganchado porque sabes que es de los emblemáticos de la historia, sean del género musical que sean. Aunque aquí vamos tiene mucho que ver los gustos musicales, pero hablando en lo particular si me hablas de Heavy Metal pongo igual de atención que ante una explicación de cálculo integral en la escuela. Así que para todo hay tiempo amigos y es el momento de presumirles este trabajo de la memorable y emblemática banda británica Motörhead y su quinto disco llamado "Iron Fist" que salió a la venta un 17 de abril de 1982. 

La edición que conseguí fue la que publicó la label Bronze Records quienes fueron los encargados de editarla para su distribución mundial, porque para los Estados Unidos la label que la distribuyó fue la Mercury Records, pero bueno es una excelente edición que pude conseguir lo cual agradezco bastante. El trabajo viene con 12 piezas de lo mejor del Heavy Metal británico de aquellos tiempos, cuando de igual manera ese mismo año serían presentados sendos trabajos por las leyendas Judas Priest y Iron Maiden, hablamos de 1982 amigos. Sin duda que este trabajo es de lo mejor de aquel año y de la historia del metal contemporáneo. Así pues el vinilo se divide con los lados A donde se encuentran buenas canciones de la banda y muy memorables como por ejemplo la inicial titulada como el nombre del álbum "Iron Fist" un verdadero puño de hierro azotando tu rostro cunado escuchas esta pieza, una vez más vuelvo a recalcar el sonido que te atrapa gracias al formato análogo del trabajo, en verdad la grabación en vinilo capta la esencia de la banda desde el inicio, esta canción fue publicada como un adelanto mediante un single publicado el 3 de abril de 1982, llegando a ocupar el puesto 29 de la lista de sencillos del país británico. Creo que mucho más que en formato CD. Pero bueno es un punto de vista. El resto de ese lado lo componen las piezas "Heart Of Stone", "I´am The Doctor", "Go To Hell", "Loser" y "Sex & Outrage" haciendo un total de 6 canciones de pura furia en sonido de puro "Rock N Roll" como le gusta llamar a Lemmy Kilmister a su estilo. 

Edición de la Bronze Records.
El lado B se compone de las canciones  "America", "Shut & Down", "Speedfreak", "(Don't Let 'Em) Grind Ya Down", "(Don't Need) Religion" y "Bang to Rights"; en éstas 12 canciones como podrás notar por los títulos es bastante variada las temáticas que manejó la agrupación británica. Lemmy y sus muchachos le tiran crítica a todo y contra todos. Están presentes las letras que tanto critican los sectores conservadores de la sociedad como lo son las políticas de los gobiernos poderosos("America"), las creencias religiosas("Don´t Need, Religion"), las referencias a las sustancias consideradas ilegales, las anécdotas y situaciones personales de algunos miembros de la banda("Loser"), así como las proclamaciones por la lucha de los derechos y garantías individuales("Bang To Rights") y la crítica de la banda a la sociedad conservadora y que tanto criticaba a las agrupaciones como los Motörhead ("Go To Hell"). Así de creativos se pusieron esto muchachos con sus composiciones en este trabajo, el cual según los informes de la época llegó al puesto No. 6 de las listas británicas.



Éste trabajo fue el último trabajo donde participaron como trío "Fast" Eddie Clarke en las guitarras, Phil "Philty Animal" Taylor en la batería y por supuesto Ian "Lemmy" Kilmister en el bajo y en las voces; como productor fungió Evil Red Neck (Will Reid) junto a Clarke como co-productor, como ingeniero contaron con Charles Harrowell quien se encargo de reflejar lo que el nombre del álbum indicaba con el potente sonido ecualizado para todos los instrumentos de la banda. Lemmy y sus muchachos nos regalaron uno de los mejores trabajos del Heavy Metal británico de la historia en mi opinión, sin duda que los Motörhead venían con todas las ganas de comerse al mundo con su quinta publicación. Y vaya que lo hicieron!!!!!.

Phil "Animal" Taylor, Eddie Clarke y Lemmy Kilmister, el line up de 1982 que grabó "Iron Fist"


Los poco más de 36 minutos de duración de este trabajo nos demuestra que mientras exista calidad y talento en una agrupación podrán ser más o menos de una hora de grabación pero con composiciones excelsas en el trabajo harán de ella una "masterpiece", como es el caso de éste álbum. Como siempre en cada grabación los Motörhead dejan himnos que siempre recuerda uno y en este caso les presento 3 canciones de los cuales aún son verdaderos referentes de la banda y de la historia del Heavy Metal.

Contraportada del disco "Iron Fist" edición de la Bronze Records.


En primer lugar tenemos como ya habíamos mencionado líneas arriba la que da título al disco "Iron Fist" con esa intro de rasgueos de la poderosa Rickenbaker de Lemmy para dar paso a la velocidad con las guitarras de Clarke así los golpes secos y contundentes de Taylor, esto es 100% Motörhead en toda la extensión de la palabra con el estilo veloz del bajo y los "punteos" de guitarras acompañados de la batería. Un absoluto disfrute.



Motörhead "Iron Fist"

La siguiente canción es la titulada "Go To Hell" donde plasman ese feeling en las guitarras y bajo para dar paso a una pieza muy disfrutable de lo que llamamos Heavy Metal con todo el insano estilo de Lemmy y sus muchachos, le cantan a la sociedad que los tacha de innumerables calificativos los cuales el grupo se los toma en tono de sarcasmo y de esa manera compusieron ésta canción que no deja indiferente a nadie, que hasta ganas de volverla a "pinchar" le dan a uno.


Motörhead "Go To Hell"

Una última recomendación es la titulada "Shut It Down" con ese ritmo fiestero de la guitarra de auténtica evocación al glorioso Rock N Roll; una pieza con buen feeling desde el principio tanto que es de las canciones que no quieres que acaben por el absoluto disfrute al cual te lleva, me fascina el estilo de la guitarra de Clarke con el cual notarás que has adquirido una verdadera joya del heavy metal británico y del mundo. Te invito a que le des una escucha para que sepas de lo que hablamos en estas líneas.


Motörhead "Shut It Down"

Espero que ésta reseña te anime a buscar y conseguir este trabajo de la emblemática banda británica en formato vinilo para una experiencia auditiva irrepetible, que el heavy metal te brinde un buen fin de semana amigo(a). Que más quieres si de diversión se trata Lemmy Kilmister y sus muchachos saben como animarte. 

Hasta la próxima semana.
ANTON





















KISS - Hot in the shade (PolyGram, 1989)


Sinceramente, hoy tenía preparado otro vinilo que nada tiene que ver con el universo KISS, pero al leer que hoy se cumplía el 25 aniversario de la publicación de Hot in the shade... no he podido resistirlo. 

Muchos de los álbumes de KISS de la década de los ochenta han pasado por aquí, con sus cosas buenas y sus cosas malas. Lo único incontestable fueron las ventas y la popularidad de la banda, que mantenía largas giras por Estados Unidos con llenos en pabellones y despachaban el millón largo de copias de lo que editaran. Al final de los ochenta renovaron su contrato discográfico con PolyGram y era imprescindible sacar un disco sí o sí, por lo que en el verano de 1989 Gene Simmons (voz y bajo) y Paul Stanley (voz y guitarra) se metieron en los estudios The Fortress (California, Estados Unidos) a grabar canciones. El estudio no era más que un espacio donde Gene solía grabar maquetas con los grupos de su filial (Simmons Records), y así se lo tomó el gupo.

Enlataron en un 24 pistas todo lo que tenían.

El presupuesto era reducido, no sabían a quién llamar como productor y las canciones no funcionaban bien. Gene y Paul trabajaban por separado llamando a Eric Carr (batería y voz) y a Bruce Kulick (guitarra) cuando los necesitaban. Por los estudios se pasaron también músicos amigos como Tommy Thayer (hoy guitarrista de Kiss) o Kevin Valentine (batería, con el que contarían en discos posteriores), siguiendo con la tradición en el grupo de meter músicos a sueldo sin acreditarlos.

Llamaron a Vini Poncia (responsable de los álbumes Dynasty y Unmasked) para que les ayudara. Al final el bueno de Vini no fue acreditado como tal, pero le reservaron una"special thanks". Colaboró en la composición (rehízo, básicamente) cinco canciones, por las que sí recibió crédito. 

Además de Poncia, echaron una mano en la composición varios "amigos" de la banda. El más sonado, Michael Bolton, quien con Paul pergeñó el segundo single del álbum, la balada Forever. Tommy Thayer ayudó a Gene a terminar dos temas (Betrayed y The street giveth and the street taketh away). El habitual Desmond Child deja su impronta en Hide your heart y  You love me to hate you y el por entonces de moda Bob Halligan Jr. les regaló Rise to it y Read my body. Bruce Kulick pincha en dos y Eric Carr se lanza con su primera y única canción como solista, compuesta a pachas con Gene y Adam Mitchell.

Al final del verano se encontraron con un montón de maquetas, sin presupuesto y sin productor, por lo que decidieron encargar una mezcla de las quince demos terminadas a Dave Whitman. El resultado satisfizo a la banda y acabó siendo Hot in the shade. El sonido final no agradó a la compañía que se preocupó de remezclar los singles, en especial Forever, que encargó a Steve Thomson y Michael Barbiero.

Como resultado de todo esto, y la dudosa portada (idea de Eric Carr), se convirtió en el disco menos vendido desde "The Elder". Editaron tres singles: Forever (único en llegar al top 10), Rise to it y Hide your heart.

Aparte de estas tres, pocos temas hay rescatables. Silver spoon, Betrayed, Prisoner of love o Love's a slap in the face, todas en la cara A. La cara B se atraganta un poco, aunque Little Caesar (con Eric a la voz) y The street giveth and the street taketh away están bastante bien.

El vinilo de hoy es la edición española de la época imprimida en Alemania (por eso no tiene las dos SS del rayo). Trae las letras y una curiosa nota sobre el SIDA y cómo evitar contagiarse.

Disfrutad el fin de semana.

Kiss - Forever

Kiss - Hide your heart

Kiss - Rise to it 

Kiss - Silver spoon



Crom - Steel for an age (1987 – Snif)




Tan solo un par de meses después de que los vallecanos MURO aceleraran el heavy metal español con su primer álbum Acero y sangre, unos cientos de kilómetros más al norte, unos chavales pucelanos que se hacen llamar CROM, como el dios creado por Robert Ervin Howard, se marcan otro álbum mítico Steel for an age, con la novedad de escoger el inglés como idioma vehicular con la clara pretensión de descargar su música e imagen a través de Europa y América.

El joven cuarteto estaba formado desde 1983 por Denis Escuredo y Miguel Ángel Sotorrinos a las guitarras, Gabriel Navarrete a la batería y Luis Gadea al bajo y como cantante.

Banda autodidacta, su primera oportunidad les llega en 1986 con su inclusión en Estandar Oil, un colectivo local que pretendía dar a conocer las bandas de los más variados estilos que existían en ese momento en Valladolid y que venían a constituir la “Movida pucelana”: Los Nadie, Automáticos, Exit, Bumpers, Bit 32, Qloaca Letal, Inalterables, Objetivo Perdido y Crónica Negra. Ello les permite actuar en varios conciertos, aparecer en televisión (os pongo abajo su actuación) e incluir dos temas en el recopilatorio titulado Cuántos sonidos caben en una ciudad: “Exodus” y “Mirror’s tale”.




Poco después, también tiran de maquetas para darse a conocer ofreciendo a la peña cuatro temas más: “The fallen angel”, “Sword’s legens”, “Nails reds” y “Nocturnal passages”.

A pesar de la floja producción, el bolsillo solo dio para un estudio de 16 pistas en La Factoría bajo la supervisión de Julio Castejón que también les proporcionó algunos teclados, Steel for an age es un gran trabajo. De alguna manera banda y temas encajan a la perfección. Cada uno de los componentes se esfuerzan individualmente y funcionan como grupo en la ejecución vertiginosa de unos temas trabajados, contundentes, con constantes cambios de ritmo y acertadamente seleccionados, creando una obra conceptual que se desarrolla en una atmósfera sonora decadente y misteriosa, acentuada por una gran voz, que viene al dedo con los textos medievales de acero, reinos, tronos, fuerza, guerreros, batallas, odio, venganza, damas o magos, que ya se van intuyendo al contemplar su portada (Alicia Ruano), el texto de la contraportada y en toda la tipografía utilizada en la carpeta, y en el propio logo de la banda (David Gadea).




Tras la introducción con un tenebroso narrador al más puro estilo Maiden con fondo de sonidos metálicos y voces de damas, corre veloz “Covered by glory” uno de los temas más notables del trabajo, donde destacan el bajo y un par de batallas de guitarras. Es este tema un claro ejemplo de lo que va a ser por lo general todas las canciones. “Final warning” “King of Kings” siguen la misma línea, dejándose notar con contundencia la batería en el primero, siendo el segundo el más épico de todos. Con “Galadriel” llegamos para mí al momento más brillante del vinilo, tanto como la doncella de la que habla. Más de seis minutos para disfrutar de principio a fin, que empieza lento y acústico, estallando durísimo y eléctrico hasta relajarse de nuevo y volver a acelerarse, creando un atmósfera que me recuerda a los Mercyful Fate, una de las fuentes, junto con Iron Maiden, Metallica, Black Sabbath o Manowar, en las que han bebido los de Valladolid. Sin duda uno de los mejores temas de la carrera de CROM y si me apuráis de lo mejorcito del metal español, lástima del sonido.  




Nada más darle la vuelta al vinilo asoman los temas más acelerados y potentes. “Mirrors tale”, “Song of victory” y “Mother loneliness”, no te dejaran indiferente, sobre todo el primero donde doblan afiladas las guitarras. En los dos siguientes suena poderosa la voz de Luis y por primera vez en el disco nos encontramos excelentes estribillos y coros, pero ojo nada simples ni pegadizos. Pone broche de oro con uno de los más cañeros y guitarreros “The juzgement bell” . 




En resumen, un trabajo de alta calidad, uno de los mejores discos que ha dado del metal nacional, donde las historias de corte medieval y épico se desarrollan entre sonidos que van del heavy más tradicional, al speed, pasando por el thrash e incluso con toques power. Uno de mis discos de cabecera que guardo como oro en paño y que sin no lo conocéis espero os guste.

En 1990 los CROM se separan no sin antes dejarnos Wasteland otro extraordinario trabajo que con toda seguridad otro día se dejará caer por el barrio. De lo que fue de sus componentes, lo único que sé es que Luis Gadea siguen en activo tocando en una banda californiana de metal de nombre Hollowshell que acaba de estrenar un tema adelanto de su nuevo álbum.

Salud y R&R amig@s.



Cara A:
1. Introducción
2. Covered by glory
3. Final warning
4. King of kings
5. Galadriel

Cara B:
7. Mirrors tale
8. Songs of victory
9. Mother loneliness
10. The judgement bell


Final Warning


King of Kings



Galadriel


Álbum completo

Tino Casal - "Etiqueta Negra" (1983).


A muchos les extrañara ver este vinilo hoy aquí, y es posible que a alguno le provoque mas extrañeza aún si cabe la siguiente declaración: este vinilo lo tengo como una de las joyas de mi colección...
Y es que en este artefacto sonoro se concentra toda la brujería de metacrilato y PVC que caracterizaba al asturiano y que hizo de él, el exclusivo y personal artista que sin duda fue.
Tino Casal era cantante, excelente, dotado de una voz elástica y ácida, perfecta para elevar el tono metafísico de sus textos a la promiscuidad estética digna del funky, estilo que corría por las venas de Casal y volaba, escondido en otros estilos mas contemporáneos con el momento en que fue grabado, también por este "Etiqueta Negra". Pero además era compositor, estilista y diseñador de moda, pintor, decorador y escultor...y productor, un buen productor que lanzó al éxito a grupos como los valencianos de fugaz paso por el mundillo: Vídeo y Obús a los que produjo sus dos primeros Lps "Prepárate" (1981) y "Poderoso como el Trueno" (1982).


Tras unos primeros escarceos en el mundo del arte, con segundo premio en el festival de Benidorm en 1978 y militancia en la olvidada banda Los Archiduques, graba sus primeros sencillos que pasan desapercibidos. Decide pasar una temporada en Londres dedicándose a la pintura, otra de sus pasiones y conoce allí las tendencias Glam, que serían decisivas en su carrera y también en su particular e impactante imagen, y la música de David Bowie, quien fue una indiscutible influencia en él.


Finalmente en 1981 llega su primer disco en solitario: "Neocasal", que si bien en su momento pasó bastante desapercibido, años después sería re-descubierto como un interesante y novedoso concepto musical de notable calidad artística.
Pero fue con su segundo trabajo, este "Etiqueta Negra" (1983) cuando Casal se convierte en estrella. Con producción de Julian Ruiz y composición de Tino en todos los temas, este disco se convierte, gracias al hit: "Embrujada" en un número uno que eleva al asturiano a la categoría de icono y superstar multivendedora, además de referencia indiscutible de los ochenta y del tecno que los caracterizo.



Pero en este álbum no solo nos encontramos el discotequero y sugerente "Embrujada", hay un ramillete de canciones que a muchos sorprenderá comprobar, si deciden pinchar el disco, que mantienen una vigencia sónica absoluta y que en modo alguno son temas de medio pelo y reproducidos con el artificial soniquete mecanizado propio de la época, en absoluto, se trata de temas maduros, con sugerentes y metafísicas letras, poéticas y nada desfasadas, con un lenguaje osado y selecto que resultan atractivas, y construcciones melódicas redondas y de fácil transito, inspiradas y fluidas.


El sonido combina de forma seria y elegante el tecno con el funky, el glam con el pop e incluso nos encontramos guiños a sonidos de inspiración africana que conviven con discotequeros teclados muy ochenteros como en: "African Chic".
Pero antes de este curioso corte ya hemos escuchado en esta primera cara la también exitosa: "Poker Para un Perdedor", tema tecno de desamor y soledad que al que suscribe le gusta hasta la desesperación, por perfecto melódicamente y de triste y poético texto.
"Miedo" que abre el disco es un tema lúgubre, de densa capa sónica, rodeando una melodía gruesa, letra sugerente, y ambiental producción para un tema excelente que nos da la bienvenida escondido en las sombras.




Completa la primera cara "Etiqueta Negra", rápida y bailable, tecno de calidad (que lo hubo), en grado sumo.
No voy a negar que la segunda cara baja la calidad, pero consta de un tema grandioso: "Un Mínuto Mas", balada dolorosa y de atosigante letra, bella y fría, cantada con pasión e intención, se trata de un tema impoluto que se acerca a texturas rockeras, se enlaza con la que finiquita el disco: el instrumental "Malaria".
Excesiva y cibernética "Los Pájaros" abre la segunda cara de forma mas tecno, voces pasadas por la electrónica y saturada de sintetizadores, olvidable.
Funky y ganas de bailar para la estupenda y arrítmica: "Legal, Ilegal" dotada de cítricos teclados y concluimos este repaso con "Azucar Moreno", ochentero momento, canción muy balsámica en su concepción sónica y algo excesivo en su funky electrónico y plastificado.



Histórico disco del pop que vivía en vecindad con la movida sin llegar a pertenecer a ella, que supuso un éxito para el tristemente desaparecido Tino Casal, figura barroca, intrépido en su oferta y polémico en su modo de vida y de crear arte, siempre me gustó y me sigue gustando, y de hecho, insisto, este disco lo tengo en un especial afecto, la casette fue una de las primeras que compre en mi vida y los recuerdos se mezclan con los sonidos cada vez que pincho este vinilo histórico y hermoso.


Este artículo esta dedicado a mis hermanos Ana y Arthur que hoy han tenido a bien de traernos un nieto a los aitas y un sobrino a quien suscribe, además de un tesoro para ellos y una nueva oportunidad para el mundo, pues todo ser humano que se incorpora a este transcurso vital es susceptible de generar esperanza en un futuro mejor, Ian, es fruto del amor y la vida y es por ello que no tengo duda de que será un ser especial, como lo son también sus padres, va por ellos tres.

viernes, 10 de octubre de 2014

Sharon Jones & The Dap-Kings "Give The People What They Want" (2014)


No hay duda de que Sharon Jones ha sido siempre una luchadora. Ha trabajado duro para hacerse un merecido hueco en una escena Soul revival a menudo repleta de pseudo divas prefabricadas cantando temas clónicos y vacuos de consumo rápido. 

En palabras de la propia Sharon «el problema es que era demasiado fea y gorda para entrar en los estándares del mercado» pero ella ha triunfado por méritos propios, sin necesidad de adaptarse a una anquilosada industria musical: simplemente se ha hecho respetar. Y eso tiene mucho mérito.
 El año pasado se enfrentó a una de las peores enfermedades que cualquiera pueda imaginar: un cáncer de páncreas del que, parece ser y esperemos, ha salido triunfadora. Para celebrarlo publicó a principios de este año su sexto disco junto a sus inseparables Dap-KingsGive The People What They Want.