viernes, 27 de febrero de 2015

Bruce Dickinson - Tattooed millionaire (EMI, 1990)




Hace una semana nos enterábamos del cáncer de lengua que Bruce Dickinson, cantante de Iron Maiden (entre otros), lleva padeciendo desde hace meses, luchando con quimio y radioterapia. Y aunque nos dicen que va bien y que se está recuperando, sabemos lo duro que es y lo difícil que resulta volver a tener una vida normal en muchas ocasiones. Quizá no volvamos a ver al bueno de Bruce sobre un escenario cantando sus míticas canciones, quién sabe. O quizá sí, seamos positivos.

En cualquier caso, me sirve de motivo suficiente para traer el primer álbum de Dickinson en solitario,
toda una cornamenta a su amigo Harris y a sus colegas de Maiden. Editado en 1990 y producido por Chris Tsangarides con su escudero Nigel Green a los controles, en los estudios Battery de Londres, contiene nueve temas compuestos por Bruce y por su colega Jannick Gers (guitarrista), más una versión del clásico de David Bowie (famoso en la interpretación de Mott the Hoople) titulado All the young dudes.

Bruce huye del sonido heavy de su banda madre y se adentra en un hard rock rítmico con toques sixties, mucho protagonismo vocal y buenas melodías. El bajista Andy Carr y el batería Fabio del Rio cumplen con solvencia, sobre todo en temas pegadizos como Lickin' the gun o Zulu Lulu. Hay momentos suaves, como en Gypsy road o la propia All the young dudes, e himnos roqueros, como la inicial Son of a gun, el single Tattooed millionaire o la pegadiza Dive! Dive! Dive!.

El diseño corresponde a The Complete Works y mantiene la imagen del Dickinson frontman de una de las más grandes bandas de la historia del metal. Poco después, abandonaría a la doncella de hierro, se cortaría el pelo y volaría por una historia musical y personal muy interesante.



La edición que traigo es la original inglesa de 1990 con el encarte interior (letras y fotos).

Un trabajo completo, con momentos excelentes, donde Dickinson demuestra que podía cantar otros registros y salir victorioso. Hizo lo que le vino en gana, sin presiones ni jefes. A disfrutarlo, que esto no nos lo quita nadie.

Buen fin de semana.

Bruce Dickinson - Tattooed millionaire


Bruce Dickinson - All the young dudes


Bruce Dickinson - Dive! Dive! Dive!


Bruce Dickinson - Gypsy road


The Clash - 5 Studio Albums Box Set - 2013

The Clash tuvieron una vida relativamente corta si se compara con la inmensa influencia que han tenido, no ya sólo dentro de la escena punk-rock, sino en el mundo de la música en general. En apenas ocho años pasaron de tocar en pequeños clubes londinenses a llenar estadios en USA. La amalgama de estilos que abrazaron es muy extensa y pasa del furioso y reivindicativo punk- rock de su primer y homónimo debut a la fusión de múltiples estilos musicales, con el complejo y polémico triple disco Sandinista!.

Pantera "Vulgar Display Of Power" (1992) Atco Records


Estamos en el año de 1992 las bandas de Heavy Metal y particularmente del subgénero Thrash Metal se encuentran en una disyuntiva: Renovarse o morir!! Así de simple se veía el panorama para las bandas que tenían ese sonido. Dos años antes ya se habían publicado un renovado sonido algunas bandas como Metallica con su "Álbum Negro"y la banda que hoy nos ocupa Pantera con un disco titulado "Cowboys From Hell" en honor a su tierra texana que ya los ponía en el panorama mundial del metal extremo. La banda ya se le notaba para grandes cosas así que éste disco levantaba mucha expectativa antes de su salida. 
Bien la edición que tengo es brasileña a cargo de la Atco Records que conseguimos allá por el año 2000 cuando la banda se preparaba para un nuevo asalto en las tiendas discográficas. Tener en mis manos uno de los discos catalogados como una de las fuentes de inspiración para la renovación del sonido del metal es sin duda un honor para todo metalhead y/o rockero de todas las épocas. Estoy hablando del disco titulado grandiosamente "Vulgar Display Of Power" así de simple y directo. Como la portada lo indicaba recibiríamos directamente un puñetazo en el rostro. 100% metal ni más ni menos. El origen del título del álbum fue tomado de una línea de la película de 1973, El Exorcista. Cuando el padre Damien Karras le dice a Regan MacNeil (o al demonio que la posee) que rompa sus cuerdas y se libere usando su poder maligno, Regan le contesta "That's much too vulgar a display of power". ¿Qué tal?

Una "Vulgar demostración de poder" como lo indica el nombre del disco. Así nos tenían a todos quienes en su tiempo escuchamos por primera vez, personalmente lo escuché por primera vez en cassette(las bandas actuales deberían seguir usando éste formato para darse a conocer en lugar del digital; bueno, es una humilde opinión) y fue un verdadero impacto para nosotros los metalheads de aquellos años del primer lustro de los '90s. Por supuesto que habían subgéneros más brutales pero éste álbum demostró "feeling", brutalidad, temas adictivos, todo ello en un mismo disco. Además presentaba un sonido que no se había escuchado en otros discos o bandas de aquella época, teníamos ante nuestros oídos una innovación musical con esa mezcla de Thrash Metal pero con riffs más pesados y que empezaron a ser conocidos como Groove Metal. Todo ello nacido en las guitarras del gran Dimebag Darrell. La evolución del sonido Thrash se encontraba en éste disco y en aquella época la elogiamos junto a la prensa y cierto sector de la TV por cable; todos corrimos a comprar una copia de éste trabajo. La banda vino a romper moldes con lo que pretendían hacer que sonará cuando la audiencia los escuchara.


Como información tenemos que "Vulgar Display of Power" es el sexto álbum de la banda de metal Pantera publicado el 25 de febrero de 1992. El álbum ha sido catalogado por muchos críticos como uno de los más influyentes de la década de los '90, asentando las bases del Groove Metal ralentizando los tiempos de las notas del Thrash Metal en las canciones e incorporando un estilo vocal más áspero y duro. Aquí el aspecto del vocalista Phil Anselmo vino a causar estragos entre todos los estereotipos metaleros de aquella época. Atrás quedaban las vestimentas de cuero, los pinchos de metal,el pelo largo de colores(que la banda incluso llegó a usar durante su primera época a finales de los años '80s y antes de la entrada de Anselmo) aquí predominaba la vestimenta informal con franelas o sports, gorras, bermudas, tenis deportivos todo ello con el pelo largo o corto al natural. 

Vinnie, Phil, Rex y Dimebag: Pantera 1992.

El productor Terry Date supo hacer labor de equipo con la banda para plasmar el sonido que hoy conocemos gracias al estilo de la banda, en aquellos años la banda ya tenía un gran nivel para ser un cuarteto, integrado por Vinnie Paul en la batería con sus dotes de jazz; Rex Brown en el cabalgante bajo; Dimebag Darrell en las poderosas guitarras y Phil Anselmo en las demoledoras vocales que muchos quisieron imitar más adelante. Incluso tras la aparición del trabajo algunas bandas modificaron su sonido para sonar como ellos, la banda había dado con una clave de lo que sería la innovación dentro del metal que se presentaría en la segunda mitad de los años ´90s. La lista de canciones del disco me imagino es de sobra conocido por tener muchas de las consideradas emblemáticas no sólo para la banda sino para el metal contemporáneo. 

Lado A 
1- Mouth of war  03:56
2- A new level  03:57
3- Walk  05:14
4- Fucking hostile  02:48
5- This love  06:32
6- Rise  04:36

Aquí tienes verdadera metralla para tus oídos desde el inicio que va directo a tu cerebro sin ningún acto de piedad. Cuenta la leyenda que cuando el riff de la canción "Walk" fue tocado por Darrell durante una prueba de sonido cuando Pantera estaba en el tour de Cowboys from Hell al resto de la banda le encantó. Y regresaron a mejorar ese sonido tras su gira al estudio se dedicaron a pulir las canciones y vaya que funcionó.


Lado B
7- No good(Attack the radical)04:49
8- Live in a hole  05:00
9- Regular people (Conceit) 05:27
10- By demons be driven  04:40
11- Hollow  05:45

La última pieza del disco se incluyó como uno de los cuatro singles que el álbum tuvo. Si duda una excelente elección junto a otras 3 del primer lado, demostraron que el disco rompió con los moldes porque tuvieron éxito tanto individual como el disco completo. "Vulgar Display of Power" está hecho de pura voz y guitarra. Los riffs gordísimos de Dimebag Darrell te van llevando de la mano a través de una estructura hecha de bloques de puros arreglos de la guitarra con un buen soporte en el bajo y la batería, aderezado con la potente voz de Anselmo.

El pasado 25 de febrero se cumplieron 23 años de su publicación y se le sigue reconociendo por lo visto en revistas, redes sociales y opiniones de los metalheads como uno de los discos más emblemáticos y de trascendencia para todos y todas quienes tienen algún grupo de cualquier subgénero del metal. Aquí se empezaba a ver el impacto de su estilo conocido como Groove Metal que tenía raíces del harcore y thrash metal, es decir partieron de ese sonido para darse a conocer dentro del ámbito de las bandas de metal extremo.  Luego del tour "Cowboys From Hell", la banda regresó a casa y unos amigos pensaron que lo de "banda de rock" se les había subido a la cabeza. La letra de la canción "Walk" fue inspirada por la actitud de esas personas hacia la banda y el mensaje de Anselmo a ellos fue "Toma tu jodida actitud y da un jodido paseo con eso. Mantén esa mierda alejada de mí". Cantada fieramente por Phil Anselmo que no tenía piedad con sus agudos y notas altas.


Las canciones del disco son piezas clásicas del repertorio del Groove Metal de todos los tiempos, miren que iniciar con "Mouth Of War" con su poderoso riffeo de guitarra y la voz de Anselmo en las letras haciendo un peso compacto que te da un puñetazo en el rostro, así empezaban a demostrarnos como se venían las cosas en el disco. Está de más decir que en sonido análogo suenan BRUTALES!!. La siguiente canción es un verdadero clásico, ¿Quién no reconoce el riff de "A New Lewel"? haciendo apología a lo que estaban presentando; un nuevo nivel de brutalidad y composición en el metal extremo (reconocido en su tiempo por bandas del underground del Black y Death Metal). La tercer pieza "Walk" es un himno, mundialmente famoso por su vídeo y además del excelente riff a cargo de Dimebag Darrell quien puso todo su empeño en componer las notas de ésta canción que incluso la banda misma se motivó a desarrollarla y pulirla para plasmarla como se encuentra en el álbum. Enorme y poderoso track en el formato análogo. Ya son tres canciones y ahora entiendes por que se llama "Una Vulgar Demostración de Poder". Las notas iniciales de "Fucking Hostile" en la vena del Thrash Metal devastaban totalmente todo a su paso con sus cambios de ritmo. La voz de Anselmo a tope vociferando en el coro:
"To see To bleed Cannot be taught. 
In turn You're making us... Fucking hostile!!! 
We stand alone!!!" 

Así llegamos a la canción "This Love" que inicia como una balada acústica al estilo de "Cemetary Gates" para que a mitad de la canción despeguen como una poderosa amalgama de metralla con todos los instrumentos. Brillante el vídeo producido especialmente para la canción aún recuerdo cuando la programaban en horario nocturno en las cadenas de música de la época. Cerrando con la pieza "Rise" excelente para entrarle al mosh pit de aquellos tiempos. Así terminaba la primera parte del vinilo.

La segunda parte inicia excelente con "No Good(Attack The Radical)" con el poderoso riffeo de Dimebag a toda potencia, seguramente moverás los pies o la clásica batería de aire con tus manos ante el excelente sonido. "Live In A Hole" es una excelente demostración guitarrera de su propio estilo sin lugar a dudas que nos mantiene despiertos ante tantas notas que brotan de las seis cuerdas de Darrell. "Regular People(conceit)" tiene un gran conjunto de riffs de guitarra en su introducción, que afortunadamente no vayan acompañados de gruñidos brutales y en tono molestos de Anselmo. Las letras en éste track son grandiosas, pero el canto suena todo como una decente apología del poder de las voces. Cierran el disco con dos poderosas "bombas" las piezas tituladas "By Demons By Driven" y "Hollow" en donde logramos ver el trabajo en equipo de la banda. Todos los miembros en su mejor nivel instrumental y vocal; desde las guitarras, el bajeo, los golpes de la batería y las voces son demoledoras. Así logramos saber que resultaron ser piezas esenciales del repertorio en vivo de la banda y que les sirvieron de "Encore" durante numerosos conciertos. A finalizado el disco y parece que haz logrado sobrevivir ante las múltiples notas musicales que acabas de escuchar. 


Pantera "Walk" (vídeo oficial)


Pantera "A New Level" en vivo Monsters Of Rock 1995


Pantera "This Love" (vídeo oficial)


Pantera "Fucking Hostile" en vivo Donington 1994.

En resumen una obra visceral que provocó que muchas bandas modificaran su sonido para tratar de sonar como ellos, o bien imitar los riffs de Dimebag. Otros trataron de adaptarlo para combinarlo con Hip Hop y otros estilos que les funcionó comercialmente pero no de manera artística. Se puede decir que la banda marcó una época con éste trabajo que aún hoy a 23 años de distancia se les recuerda de manera emblemática por muchos y muchas metalheads. Saludos amigos y buen fin de semana.

Gene Clark - "White Light" (1971)

A veces pienso que soy un tipo con suerte, me explico, siento que es una suerte que a pesar de tener unos cuantos años y lucir mas de una cicatriz de esas que no se curan con mercromina sino con tiempo y sudando la camiseta del corazón, siga manteniendo la capacidad de ilusionarme por las mismas cosas que ya me ilusionaba cuando de adolescente eran nuevas y por ello perfectamente asumible la emoción.

Fijense que cosa mas bonita
Esta semana he recibido una llamada que llevaba tiempo esperando, la legendaria Power Records, tienda de discos bilbaína de toda la vida, me llamaba notificandome que había llegado el vinilo que les había reservado hace unas semanas...¡Por fin!.
Baje a la tienda ilusionado como cuando con trece años me acercaba a la ya hace tiempo desaparecida Long-Play a por el último cassette de The Police o de Miguel Ríos, la verdad es que sentía la misma ilusión, nada había cambiado, creo que es motivo suficiente para considerarme un tipo con suerte.
El vinilo en cuestión es: "White Light", segundo Lp del ex-cantante y compositor de The Byrds: Gene Clark y cuarto si contamos los dos facturados inmediatamente antes a este junto a Doug Dillard.


Los que me conocen saben de mi admiración por Gene Clark, admiración y además apego personal, por lo que sea me cae bien, y siempre me he sentido atraído por su personalidad, él encarna como muy pocos en el mundillo del rock al perdedor injusto, al hombre al que la suerte le es esquiva, el destino se burla de él y los gozos se le vuelven esquivos e incluso enemigos declarados.
No importaba la elegancia de su fraseo ni la belleza de su voz, no llegaba a deleitar a casi nadie, tampoco parecía contar para el gran público la belleza de los trazos melódicos de sus composiciones, la humanidad intrínseca a sus textos o la nostalgia que empapaba sus construcciones acústicas, los discos se acumulaban en la montaña de los fracasos como si de casettes de gasolinera se tratasen, las canciones pasaban fugaces por emisoras de radio y se perdían entre los pliegues del tiempo.
Parecía que solo unos pocos entendían la grandeza de sus álbunes, las soberbias composiciones que atesoraban aquellos discos que pasaban desapercibidos para casi todos, aquellos discos, muchos a día de hoy considerados obras maestras de crepuscular belleza y artesano moldeado melódico, aquellos discos decía, poco a poco han sido retirados del montón de olvidados en el que se encontraban y empiezan a ser considerados como lo que son, auténticas joyas que deben tener un lugar en la historia mucho mas elevado artísticamente.


Por supuesto "White Light" no es una excepción, producido por Jesse Davis atendiendo únicamente a la impresionante belleza de las partituras, su trabajo en los controles es el de dejar que estas se desarrollen, balanceandose sobre acústicas, la bella y nostálgica voz de Clark y fugaces armónicas, el resto quedaba en manos de la magia que impregnaba de melancolía un trabajo sublime y portentoso.
Todos y cada uno de los temas son perfectos, y comienzan con la inicial: "The Virgin", tema de aroma country que hace volar la voz de Clark sobre la pradera y que posee una letanía de melancolía que ya no se separa de los surcos del vinilo en todo este viaje llamado: "White Light".
"With tomorrow" es una canción de puro songwriter, acústicas enredando sus quejidos y la voz doliente del artista creando un estado de sosiego impactante,



Mas animado el corte que da titulo al disco, con un toque festivo y luminoso, digerible y fluido con el ritmo inofensivo de las escobillas sobre los parches y la armónica alegre, estupenda canción.
Lenta, desarrollándose sobre un órgano y las omnipresentes acústicas: "Because of You" es otro tema derrochador de tristeza y hermosura que precede a la mas eléctrica y dulce melosidad de la grandiosa: "One In A Hundred", tan impregnada de crepúsculo, de melodía imposible, de elevación emocional en la voz oscura de Gene, tan bella, como un atardecer de primavera...POM.




Y la cara B empieza con la que Dylan reconoció que le hubiese gustado componer...no me extraña, "For a Spanish Guitar" es una de las mas deliciosas composiciones que jamas haya escuchado este escriba, una conjunción de guitarras, armónica y voz que flotan sobre un mar de nostálgicas lágrimas y melancólicas olas mecidas por una melodía tan bella que no parece real, si que sabe al viejo Bob lo que dice si...



Un country áspero y soleado que precede a los sonidos y evocaciones que brillaron un año después con el "Harvest" de Young, se trata de: "Where My Love Lies Asleep".
Y unas guitarras y un hammond que parecen importados de otro disco nos saludan y acompañan en la aventura de: "Tears of Rage", el sublime tema de The Band al que Clark adorna con su voz y su acariciadoras maneras sin que pierda la original esencia dada por los canadienses un par de años antes, grandiosa versión.



"1975" da el portazo al disco, se trata de otro tema country-folk de inquietas guitarras eléctricas y abierta vocalidad, otra piedra preciosa mimosamente tallada a golpe de emoción.
Decía que soy un tipo con suerte por seguir manteniendo la ilusión que de adolescente me hizo engancharme a la música, si, es cierto que tengo esa suerte, me tengo que alegrar de mi fortuna, aunque el haber conocido discos como este me han ayudado a mantener la ilusión y la alegría...y que no falte.

viernes, 20 de febrero de 2015

China – Sign in the sky (1989)


Amigos del vinilo, a China llegué tarde –pasados los 90– gracias a In the middle of the night, un estupendo tema entre el AOR dulzón y el hard rock melódico que me hizo conocer a estos suizos. 

 Sin ser tan famosos como los míticos Krokus o los posteriores Gotthard –ambos, grupos del país del Toblerone–, lo cierto es que su nivel no tiene nada que envidiar a las mencionadas bandas. Fundada en Winterthur, la ciudad de la multinacional de los seguros, China consiguió en un mal momento su contrato para una multinacional. Así, un año antes de la edición del primer álbum de Nirvana –vaya, he dicho su nombre; ahora me saldrá urticaria– firman con Phonogram, que les graba su debut homónimo. Pero es al año siguiente cuando sacan al mercado este Sign in the sky que hoy os presento, disco que se convertiría en su mayor éxito, aupándolos hasta el número 2 de las listas de su país y dándoles la oportunidad de telonear a Yngwie Malmsteen en su gira por Europa presentando Odyssey


Aunque en algunos sitios he leído que se habla de los China como un grupo de glam metal, para nada estoy de acuerdo con ello. Así, pese a saber que las etiquetas acostumbran a no reflejar la realidad cuando esta tiene diferentes caras, a mi su estilo me parece más una mezcla de AOR y hard rock melódico en la senda de la escuela escandinava (Treat, Europe, Talisman...). Con portada de Carl W. Röhrig y producido por Stephan Galfas y James Palace –que también hicieron algunos coros– en los Kampo studio, Platinum island studios y Atlantic studios, la formación que grabó Sign in the sky estaba compuesta por Patrick Mason a las voces, Freddy Laurence y Claudio Matteo a las guitarras, Brian Kofmehl al bajo y John Dommen a la batería, con la colaboración de Claudio C. Cueni a los teclados y Al Dellentash al Casio CZ-101 en un tema. 


El track list fue: 

A 
The great wall
Dead lights 
Animal victim 
In the middle of the night 
Won’t give it up 
Sign in the sky 

B 
Don’t ever say goodbye 
Broken dream
Second chance 
Bitter cold 
Take your time 
Harder than hell 
So long 


Con el inicio instrumental de The great wall –un título obligado para un grupo llamado China-, comienza Dead lights, típico y cañero hard rock que advierte de su error a los que esperaban de la banda una sucesión de baladas. Siguen Animal victim, un notable hard rock melódico de calidad, y la más conocida de China, ese temazo cercano al AOR que es In the middle of the night y que me hizo comprar este vinilo (por cierto, al amigo @ViniloRockodium). Won’t give it up es otro tema rockero de calidad, con un riff que me recuerda a Saxon, lo que tampoco es tan extraño si tenemos en cuenta que, un año antes, Stephan Galfas había producido el Destiny de los británicos, un álbum que es el único que me falta de la época ochentera de Byford y los suyos, un dato que aporto porque se va acercando mi cumpleaños, más que nada. Y entonces se concluye la cara A con la estupenda Sign in the sky, de mis preferidas del disco. 

La segunda cara se inicia con Don’t ever say goodbye, buen hard rock con coros y un fantástico trabajo de guitarra. Tras la breve introducción de Broken dream encontramos Second chance, más hard rock con coros, con una estupenda melodía, guitarras y voz solista. Bitter cold es otra de las imprescindibles del álbum, con unas guitarras potentes y bien producidas y la destacable voz de Mason al frente en este nuevo exponente de hard rock melodico centroeuropeo. Take your time es otro temazo sin mácula y otra de mis canciones favoritas. Y el viaje termina con más de lo mismo con un Harder than hell en el que las voces me recuerdan a un joven Lou Gramm y So long, una balada blanda y melíflua que –en mi opinión- baja un poco el nivel del resto del álbum. 


Os acompaño una pequeña selección de temas que espero que, si no lo habíais hecho ya, os ayude a descubrir e interesaros por estos suizos. 

!Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla





Obús – En Directo 21-2-87 (ChapaDiscos)





Mañana harán 28 años de la celebración de otro concierto histórico para el heavy metal español. Si Barón Rojo llenó el Palacio de los Deportes del Real Madrid en febrero del 84 para grabar su Barón al Rojo vivo, de cuyo 30 aniversario ya di cuenta, los más macarras, los más duros, los más vacilones, esos chicos de barrio que hicieron estallar el obús, no podían ser menos en esa eterna rivalidad que mantenían con los barones y tres años más tarde hicieron lo propio para celebrar un gran espectáculo de Rock and Roll y grabar el descomunal doble LP En Directo 21-2-87

No eres nadie en esto de rock si no tienes un buen directo que recordar en tu discografía. En 1987 los Obús no lo tenían y se lo merecían. Tenían cinco discos en el mercado, entre ellos El que más una obra compuesta por el mismísimo diablo, y un buen puñado de potentes temas compuestos a base de una implacable sección rítmica, tabique de guitarras y la característica voz del mejor frotman que ha parido este país; estaban en la cima de su carrera; eran una de las bandas patrias más querida por los metálicos (volvemos a la eterna rivalidad) y si había un lugar en el que los Obús eran los putos amos ese es encima de un escenario.

Era ahora o nunca, ya que en el horizonte ya se veían nubarrones muy negros para la banda en particular y para el heavy en general.




La artillería estaba dispuesta al 100% para lanzar proyectiles de potente metal y esa noche Paco, Juan Luis, Fernando y Fortu, poniendo también mucho de pasión y sentimiento, supieron sacarle el máximo partido funcionando a la perfección para ofrecer un espectáculo inolvidable para todos los asistentes que se entregaron a la causa desde el minuto cero, desde ese instante en el que Fortu con su vozarrón contestaba a los requerimientos del personal “Muy buenas… Arriba…” y empezaba a entonar “En mi cuerpo, hierve la sangre, un abismo de pasión, son mis venas, ríos salvajes, un  volcán en erupción…” hasta que la cosa acabó en apoteosis con el sempiterno himno etílico “Vamos muy bien”.




Para que entreteneros más. He disfrutado de los directos de Obús tropecientas veces y las que haga falta más. Unas cuantas cuando estaban en lo más alto, otras cuando las bandas de heavy sobrevivían actuando por sitios y escenarios que no merece la pena recordar,siempre con profesionalidad y dignidad encomiables, y la última en la Riviera para la grabación del De Madrid al Infierno donde Fortu y Paco demostraron que, tras treinta años de rock, son unos cracks, que siguen en forma y que la peña les quiere de verdad. Pero ojo, no nos equivoquemos que son tiempos muy difíciles y  la cosa está muy jodida para todas las bandas de rock, incluso para los que un día fueron los que más

Tracklist:

Disco 1
Cara A:
1. Intro
2. Necesito más
3. La raya
4. El que más
5. Autopista
6. Va a estallar el obús
Cara B:
7. Crisis
8. Pesadilla nuclear
9. Dame amor
10. Te visitará la muerte

Disco 2
Cara A:
11. Me pesigues
12. Suena que atruena
13. Juego sucio
14. Metralla
15. Dinero, dinero
Cara B:
16. Complaciente o cruel
17. Rómpelo
18. Mentiroso
19. Vamos muy bien











Megadeth "Youthanasia" (1994) Capitol Records


Estamos en el año de 1994 en el ámbito musical parece que han dejado atrás las cadenas televisivas "especializadas en música" a los músicos del Heavy Metal y Thrash Metal así como todo lo que tenía que ver con el metal en general. El metal se tambalea del mainstream establecido ante el predominio de la música "alternativa" que subía como la espuma y en el underground las cosas parecen ir un poco mejor. En éste ámbito algunas de las bandas que lograron posicionarse en los ochentas y principios de los ´90s parecen tener altibajos tanto en la composición musical como en su nivel. Megadeth con su alineación clásica y estable prepara un nuevo disco para darle continuidad al grandioso "Countdown To Extinction" de 1992. 

Así salió publicado "Youthanasia" un primero de noviembre de 1994 a través del sello Capitol Records que había venido editando sus discos anteriores. Tanto en formato cede, casete y vinilo las copias del disco comenzaron a venderse muy bien la banda había logrado sobresalir con su nuevo material dando como resultado que se vieran de nuevo entre los grandes. El disco fue producido por Max Norman bajo la compañía ya mencionada, fue grabado en el estudio de la banda, y su repercusión en el mercado fue excelente, llegando a alcanzar la cuarta posición en la lista de éxitos Billboard. El disco alcanzó el disco de oro en tan solo 30 minutos en Canadá. En los Estados Unidos ni que decir que fue un verdadero éxito el sexto disco de la banda, en pleno apogeo de nuevas propuestas musicales.

Aquí la banda demostraba no quedarse encasillado en el género del Thrash Metal al incluir sonidos de rifs de guitarras del tradicional Heavy Metal, los derroteros de la banda se ampliaban con las composiciones que tenían más variedad que en su anterior disco publicado 2 años antes. Tuve la oportunidad de conseguir a través de un amigo melómano de vinilos éste trabajo en la edición europea de la Capitol Records con vinilo de color azul quien ofreció desprenderse de éste disco debido a situaciones personales (el precio pagado resultó simbólico para mí), la verdad no conseguí el disco en otros formatos así que cuando vi la oportunidad de adquirirlo no lo pensé dos veces. Suena increíble en éste formato todas las composiciones elaboradas por la Mustaine y compañía. La portada levantaba ampulas en los sectores de siempre de la sociedad. Una señora tendiendo bebés de cabeza en un tendedero de ropa y en la contraportada tenemos a la mascota de la banda "Vic Rattlehead" con un bebé en sus brazos. Aún así superaron la censura y pudo publicarse sin tanto problema con esa carátula que seguramente no fue visto con buenos ojos por muchos(as).


El cuarteto de Megadeth llevaba varios años consecutivos grabando y saliendo de gira juntos, repitiendo la fórmula de grabar disco con su inmediata gira junto a diversas bandas ya sea como cabezas del cartel o como acompañantes. Alucinante era ver los trallazos en vivo de la banda, en ese entonces formada por el líder visible Dave Mustaine quien repetía como guitarrista y vocalista en versión mejorada ya que las voces suenan más trabajadas en su tonos de cada una de las canciones dependiendo del estilo de ellas, lo acompañaba un buen amigo en ese tiempo de Dave y además de notable guitarrista Marty Friedman, un excelente ejecutor de rifs pesados y adictivos; los apoyaba en el bajo el miembro más estable de la agrupación además de Mustaine, nos referimos a David Ellefson. Para cerrar tenemos al demoledor maestro de la batería Nick Menza quien nos ofrecía una variedad en sus golpes y compases de su instrumento. Con todo éste arsenal llegaba la banda a mostrar al público ávido de rock alternativo que todavía quedaba buen Metal para la audiencia.


El vinilo contiene 12 canciones variadas, un cruce entre el Heavy Metal y el Thrash Metal de su estilo: En el lado A se encuentran 1. Reckoning Day, 2. Train of Consequences, 3. Addicted to Chaos, 4. A Tout Le Monde, 5. Elisyan Fields y finalizan con 6. The Killing Road. En el lado B se encuetran 7. Blood of Heroes, 8. Family Tree, 9. Youthanasia, 10. I Thought I Knew it All, 11. Black Curtains y 12. Victory. Todas las canciones en su mayoría compuestas por el tándem Mustaine- Friedman.



El vinilo empieza de manera directa y efectiva con la brutal "Reckoning Day" con amplio protagonismo de la batería de Menza y sobre todo de las guitarras de Mustaine y Friedman. En ella observamos un curioso efecto de voces de Dave, contestando en otro tono la misma frase anteriormente cantada, un juego vocal que repite en algunos temas del trabajo, presentado. Es un tema ideal e infaltable en los conciertos de la banda hasta el día de hoy. La pieza que sigue "Train of Consequences" me gusta mucho, ese rasgado de cuerdas y los riffs que suceden en 1:57 acompañando el solo de clase, imposible obviar el gran trabajo de guitarra que introdujo Marty Friedman con su toque exótico y particular. Estas guitarras son las que se extrañan en los nuevos trabajos de Megadeth. Llevamos dos canciones y la banda te ha enganchado completamente al álbum ahora eres un adicto a su escucha.
Las canción "Adiccted To Chaos" es una pieza normalita de Heavy Metal con un título rimbombante. A continuación viene una de esas canciones para aprenderte y cantarla en cualquier lugar debido a sus coros adictivos en francés y por la composición en forma de balada, se trata de "A Tout Le Monde" la cual incluyó un grandioso vídeo que fue censurado primeramente en la otrora poderosa cadena de televisón MTV debido a que sugería o inducía intentos de suicidio al oyente. Pero en que estarían pensando los dueños de la empresa al decidir ésta situación. Por supuesto que con el tiempo se incluyó en la programación normal, haciendo de éste track uno de los más emblemáticos de la banda hasta el día de hoy. No hay quien no relacione a la banda junto a ésta canción.
La canción que le sigue "Elysian Fields" es otra excelente composición a medio cruce entre el heavy metal y el thrash metal que nos permitía ver a Megadeth en excelente forma para renovarse y no dejarse vencer; la canción tiene unos excelentes solos de guitarra y coros de letras que la hacen un verdadero deleite para quienes la escuchamos por primera vez. Debió haber sido una de las grandes piezas de la banda junto a "Tornado Of Souls", "Peace Sell´s..." entre otras.
Cierran con "The Killing Road" la primera parte del disco, hasta el momento lo ofrecido por Mustaine y sus muchachos no ha dejado insatisfecho a nadie.


El segundo lado inicia con "Blood Of Heroes" y luego con "Family Tree" que son tracks de guitarreos intensos pero faltos de "feeling", es decir que te enganchen al sonido que escuchas. Continúa la pieza que da título al disco que de igual manera parece no sorprender hasta que llega la frase que rompe con todo "We run for youthanasia" que desemboca en un guitarreo apabullante y mítico, de diez, en plan heavy metal en 3:10 el hachazo, el martillo de Thor en forma de riff a cargo de Friedman. Excelente. Ya se imaginarán la polémica que se les armó en la parte del sector conservador al ser acusados de promover la inyección que causa la muerte. Fueron señalados de promoverla hasta que la banda aclaró que muestra la visión de la banda acerca de la sociedad, y como son tratadas las personas desde jóvenes con drogas y armas.
"I Thoughts I Knew It All" y "Black Curtains" se quedan igual en intentos de Heavy Metal que pudieron quedar mejor con la velocidad del Thrash Metal, son piezas tranquilas a comparación de lo que hemos escuchado al principio. Finalmente llega la brutal "Victory" en mi humilde opinión la mejor de las piezas duras incluidas, con un homenaje de Dave a sus seguidores donde nos cuenta como venció su adicción a la cocaína, incluyendo títulos de su discografía en la letra de la canción, así escuchamos mencionar "killing is my business", "bad omen", "wake up dead", "anarchy", "peace sells...", "tornado" o "skin of my teeth", por ejemplo y les ha quedado muy bien. El solo de esta victoria es eso, una victoria total del heavy de alto standing, Megadeth demostraba que podría darnos más sorpresas con su nuevo sonido en discografías posteriores.


En resumen los muchachos de Megadeth entregaban mejores cuentas que sus contemporáneos de Metallica y otras bandas que surgidas en los '80s no encontraban el camino para encajar en la nueva década que corría por otros derroteros musicales. Así las cosas recomendamos el disco de "Youthanasia" por ser uno de los más sobresalientes en la discografía de la banda de Mustaine. En formato vinilo tienes un extra de conseguirlo en colores como azul, rojo o negro, además del brillante sonido. Les dejo unos links relacionados con las piezas del disco.


"Reckoning Day"


"Train Of Consequences"


"A Tout Le Monde"


"Elysian Fields" live 1997


"Victory" live 1995

Hasta la próxima semana amigos. Buen fin de semana para todos y todas. Bienvenidos todos sus comentarios de las reseñas. Saludos.

The Fakeband - "Shining On Everyone" (2014). El fin de la aventura.

El post de hoy lo considero poco menos que obligatorio, no me puedo permitir que este vinilo no forme parte de mi humilde aportación a esta bitácora en la que tengo el honor de participar (siempre que el tiempo me lo permite).
¿El motivo?, podríamos decir que sentimental o de justicia. Este estupendo disco de la banda de Getxo (Bizkaia): The Fakeband forma parte de mi vida, de mi experiencia personal y de la relación que he podido llegar a tener con un grupo de gente extraordinario.
La cercanía geográfica y la talentosa inspiración musiquera que ejerce mi brother Joserra sobre un servidor me hicieron llegar a ellos, apreciar su arte primero, y tras una avasallador bolo representando el "The Last Waltz" de The Band en vivo, a amarles.
Su posterior participación en el fin de semana del Rust Fest de Frías en 2013 me los acercó aún mas, y la confirmación de que estaban entonces preparando un nuevo disco hizo de los meses sucesivos hasta su presentación hace aproximadamente un año, una cuenta atrás aderezada por el ansia.
El año pasado (precisamente tal día como hoy), escribí esta crónica a propósito de la publicación del album en CD. Les he visto presentarlo y defenderlo en multitud de ocasiones durante los últimos 12 meses, y un buen día mi mencionado bro Joserra se empeñó en que tan delicioso material debía contar con formato físico en vinilo, inicio un Crowdfunding para subvencionar el proyecto, y como es habitual en él, lo consiguió. Ha sido genial oficiar de mecenas del sueño, y tras la feliz y emotiva presentación de los vinilos (pues ya que estábamos en faena se han vinileado los dos discos de la banda), hoy he creído de justicia traer aquí aquel post que alababa el disco, hoy ya en vinilo.
Este disco es el fin de una aventura, en la que Joserra oficia de héroe y los demás de regarios, eso si, de lujo.
Estoy encantado de presentaros el último vinilo de The Fakeband: "Shining On Everyone".
Gracias.



Reseña aparecida el dia 20/02/2014 en el blog Rock and More By Addison de Witt.
(Actualizada para La Comunidad del #FFVinilo).

Confieso que en un principio tenía la resolución de no escribir nada sobre este disco, ¿el motivo?, muy sencillo, muchos de mis amigos y admirados colegas estaban haciendo interesantes y completas reseñas a propósito del nuevo disco de los Getxotarras The Fakeband: "Sining On Everyone", por lo cual ¿qué me quedaba a mi por aportar que no hicieran ellos con mas sapiencia y puntería?
Pero no es menos cierto que el comprobar que cada una de las diferentes reseñas apuntaba algún detalle inédito, algún aspecto que los demás habían pasado por alto, o que entendía alguno de los matices del trabajo de una manera diferente, personal y no por ello menos atinada que las demás, me ha hecho comprender que todo el mundo puede aportar algo nuevo a una obra artística, y mas aún cuando la obra es un producto de la enjundia que es este fenomenal disco de los Bizkainos.


Nos encontramos ante un trabajo fino, elegante, de construcción geométrica en las formas, un pelín rígida en las construcciones melódicas pero repleta de matices e influjos en el apartado sónico.
Son varias y muy sutilmente aplicadas las influencias que arropan cada una de las piezas que forman este puzzle, desde los influjos sónicos a base de guitarras entrelazadas entre si que nos recuerdan a los mas inspirados momentos de Wilco, pasando por sonoridades souleras en vientos de disposicion clásica y actual, sin olvidar letanías del mas intimo y lírico Tom Petty.
Es digno de resaltar también los aportes personales de la banda, el tratamiento vocal es delicioso en todos los casos, las guitarras suenan gaseosas cuando así lo requiere el tema y arenosas cuando la fuerza épica del corte lo exige y los teclados acompañan siempre dando un toque invisible e imprescindible al tiempo, tal es la deliciosa discreción con que son utilizados en todo momento.
En cuanto al track-list, resulta un impoluto catalogo de canciones, catálogo en el que no se advierten fisuras ni puntos débiles y que forman un rico mosaico de diversidad dentro de una coherencia sónica que es de agradecer y de respetar en su justa y meritoria medida.
Empezando por la elegante y fluida melodía pop de "Top Of The World", tema con guitarras juguetonas y risueñas que caminan de la mano de una vocalidad relajada y bellamente modulada por el carnoso timbre de Txomin Guzman, vocalista de excepción.
"Fool Me" resulta mas ácida y directa, con estribillo mas afilado y guitarras mas diáfanas, otro gran tema.
Mi querido colega y amigo Johnny nos indica en su Espacio WoodyJaggeriano que este tercer tema llamado, "Parking Lot" le evoca a Louris, y creo que acierta plenamente, y yo iría mas allá y creo escuchar alguno de los maravillosos cortes de esa POM que es "Sound Of Lies" en la que falta el influjo country de Olson y nos queda la elegancia de lírico sentimiento de Lauris, creo que así es esta tremenda balada de señoriales guitarras.



Mas mundanas suenan las guitarras adheridas a unos vientos souleros y una vocalidad mas oscura y arenosa en la fantástica y señorial "Healing Time", una de mis favoritas, para bailarla el viernes con alguna señorita que se quiera acercar a hacerme los honores.
Teclados y arpegio en la Springsteeniana balada digna de un ochentero Boss, "Kate" suena cercana y bella, canción de evidente liturgia resucitada de las arquetas de la calle E.
Con "Get You Back" vuelve el soul elegante, blanco y con pajarita crooner, finura y estilo tras la barra de un bar con un San Francisco mojando los labios de la embelesada dama que escucha como en un ensueño las deliciosas lineas melódicas de este gran corte. "Someone" es el acercamiento al folk y al country dentro de los parámetros marcados por los Getxorarras, felizmente cantada y con estribillo a lo Eagles, vaporoso y sugestivo solo de guitarra, otro exquisito tema.
Power-Pop menos amable y mas decidido a plantar cara a la elegancia sutil y respetuosa hasta ahora expuesta, este tema "She Told Me" nos hace vibrar al ritmo de la distorsión controlada de un riff que se reitera sin cansar.
Melodía de construcción férrea en "Back on The Road" que busca la emoción, haciéndole el encargo al bonito color del instrumento de Guzman apoyado por unos coros ante todo reales y humanos, apoyo testimonial en la instrumentación y a soñar con un breve capitulo a la armónica.
Guitarras sucias y entregadas en "Something About You", melodía a lo Quique Gonzalez pero con un veneno en las cuerdas que no practica el madrileño, rock combinado con letanías americanas en un tema que entiendo agradecería un poco mas de contaminación sónica.


Y punto final a este sensacional disco con la mas experimental "The Secret", nuevamente Wilco se cuela en una melodía que contiene inflexiones de tal intensidad emotiva que parece permanecer en una suerte de limbo sonoro, finiquito para un disco que sin duda quedara adherido al corazón de muchos por diversos motivos, por lo que de sentimental tiene para algunos el ser y estar de esta banda tras vivir experiencias como sus "The Last Waltz" o su inolvidable bolo de Frías en el que los que ya les conocíamos solo flipamos lo justo, pero el resto de hermanos que allí se congrego en aquel idílico fin de semana, fliparon como hacía tiempo no hacían, el resto, hasta los días actuales es ya historia, historia y una hermosa aventura que pone el The End sobre el fondo de este precioso vinilo.


viernes, 13 de febrero de 2015

Annihilator "Set The World On Fire" (1993) Roadrunner Records


Una de las bandas más representativas del Thrash Metal de los '80s, '90s y de la actualidad son sin duda los canadienses de ANNIHILATOR, una verdadera máquina de rifs y metralla sónica en cada uno de sus discos emblemáticos. Sin duda que te harán perecer más de un centenar de neuronas con sus potentes composiciones llenas de brutales y adictivos cambios de ritmo en todo momento, es un privilegio haber encontrado en oferta éste tremendo trabajo en formato vinilo en la edición de la label Roadrunner Records que salió publicado un 24 de agosto del año 1993. 

Es el tercer trabajo de la banda canadiense y se veía muy difícil que pudiera superar sus dos primeros trabajos publicados "Alice In Hell"(1989) y "Never, Neverland"(1990), con tan grandiosos y emblemáticos estándares no cabe duda que las cosas se le pusieron difíciles al líder de la agrupación nos referimos al gran Jeff Waters quien ya no era un jovenzuelo sino un joven maduro que tenía la obligación de llevar a buenos alcances una nueva publicación, así la banda tardo 3 años en publicar un nuevo trabajo. Un verdadero lujo escuchar "Set The World On Fire" con todas la ideas que traían Waters y compañía. 


La portada del disco "Set the World On Fire" nos ilustra con una fotografia de la joven Alice, bastante más crecidita (y fotografiada en vivo) que en los tiempos del "Never Neverland". Parece que Annihilator ya habían pasado de las ilustraciones extravagantes y se conformaban con una fotografía al uso, eso si, con cierto carisma. Son tiempos de cambio, y de sobriedad en el metal. En 1993 ya no se llevaban tanto las carátulas con calaveras, fuego, tanques y ciudades devastadas. La sobriedad y estilo del sonido "Grunge", empezaba a hacer mella en la estética de nuestro amado Metal. Pero faltaba escuchar que clase de disco nos regalaban los maestros Annihilator en ésta ocasión. 


Algunos cambios se iban a efectuar de cara al nuevo lanzamiento, y como siempre, algo que empezaría a ser habitual en la formación, el vocalista Coburn Pharr fue sustituido por Aaron Randall, quien andaba más cercano a las tesituras Hard Rock, pero que tenía una poderosa de voz que lo hacían ideal para encarar composiciones de mayor peso y pegada. Mike Mangini se hizo cargo en la labor de la batería (sustituyendo a Ray Hartmann) y Neil Goldberg se metió a tocar las seis cuerdas de acompañamiento, en detrimento del célebre Dave Scott Davies (quien volvería al grupo con el tiempo) y por supuesto Jeff Waters en la guitarra principal así como encargado de las composiciones. Los nuevos Annihilator estaban listos para encarar su tercer disco, después de haberse curtido, y de sobras en el campo de batalla (tours bestiales, y con criticas más que favorables, junto a bandas del nivel de Judas Priest, Pantera, Megadeth, Testament, Overkill o Destruction, les dieron un soporte inigualable). Era el momento de la verdad.
El set list del disco incluye en el lado A: "Set The World on Fire", "No Zone", "Bats In The Belfry",
"Snake In The Grass" y finaliza con "Phoenix Rising"; en tanto en el lado B del álbum tenemos las piezas: "Knight Jumps Queen", "Sounds Good To Me", "The Edge", "Don't Bother Me" y termina con "Brain Dance".


Desde el inicio del disco editado por la otrora poderosa label Roadrunner Records la pieza homónima del álbum nos pone en sintonía con el estilo 100% de la banda Annihilator, "Set The World On Fire" nos engancha con sus poderosos y adictivos rasgueos de Thrash Metal  un buen video nos pone las pilas de la supervivencia del metal ante la fuerte tendencia del rock alternativo, la pieza que le sigue "No Zone" nos sorprende con la velocidad de su composición lo que nos confirma que la banda regresaba con nuevas ídeas y ansías de comerse al mundo comercial de la música; "Bats In The Belfry" y "Snake In The Grass" son piezas a medio tiempo del thrash metal con partes acústicas y melódicas como nos tenía acostumbrado el grupo desde su primer full-lenght "Alice In Hell", muy buena composición de cada una de ellas. Finaliza el primer lado del disco con una veloz, devastadora así como adictiva balada al mismo tiempo titulada "Phoenix Rising" de lo mejor de la banda y un track infaltable en las descargas en directo de los canadienses.


La segunda parte inicia excelente con la canción "Knight Jumps Queen" la cual nace gracias a la ayuda de un cabalgante bajo, al que pronto se le suma toda la banda, para ir acelerando la premisa, irla llenando de Groovie, Jazz, reminiscencias a thrash metal ochentero, por ejemplo mucho coro a lo Exodus y una batería perfecta en ejecución y en solidez. La verdad, Annihilator vuelven a sonar con personalidad. Continúa con "Sounds Good to Me" (con un aura total a la banda Dire Straits), "The Edge" y "Don't Bother Me" (con una cabalgada potente con tintes Rockabilly) nos deja, de nuevo, atónitos, pues parece que el espíritu del rock and roll se ha ido a vivir a las composiciones de la formación thrasmetalera canadiense. Desde luego, el que compre el disco esperando trallazos thrashmetaleros 100%  va a poner el grito en el cielo, y con razón. Pero desde luego que la banda buscaba nuevos horizontes ante la incesante presión de la industria musical que veía con buenos ojos otras tendencias y a las bandas de Thrash Metal ya no parecían hacerles mucho caso. "Brain Dance", que cierra el disco, y se abre con una intro de lo más loca, parece que levanta el poderoso sonido del thrash metal de los años ´90s.


"Set The World On Fire" video oficial


"No Zone"


"Phoenix Rising"


"Knight Jump Queen"

Un disco que marcó la sobrevivencia de la banda canadiense en el nuevo milenio que llegaría pronto junto al thrash metal en detrimento del rock alternativo. Épicos los Annihilator.

Headgirl "St. Valentine's Day Massacre" (EP) - 1981 -



En 1978 las Girschool editaban su primer single Take It All Away. El tema circuló rápidamente por la escena underground de Londres, hasta que llegó a oídos del mismísimo Lemmy Kilmister. En palabras del propio Lemmy el tema era "jodidamente excelente" así que quiso conocer a ese grupo de chicas tan ruidosas. Lemmy no dudó en llevárselas de gira como teloneras del brutal Overkill.

viernes, 6 de febrero de 2015

UTM – Un Trago Más (1989 – Justine)






UTM, siglas de “Un Trago Más”, pertenecen a esa hornada de grupos de heavy metal español de finales de los ochenta a los que abandonó la suerte debido principalmente a los cambios de gusto del personal hacia el rock más urbano, al más radical y/o al más melódico. 

El quintero vitoriano, llevaba pateándose unos años el circuito heavy local cuando en 1988 les llega la oportunidad de incluir un par de temas (“Vende tu alma al diablo” y “Déjame en paz”) en el recopilatorio Descarga Norte con el que Discos Suicidas quería dar a conocer las nuevas bandas de rock que estaban surgiendo en el País Vasco como Estigia, BO2, Rock Dam Caid Deceit.






Con energías renovadas y queriendo demostrar que valían, Fer (batería), Javi (bajo), Jesús (guitarra), Txusko (guitarra) y Satur (voz), con lo que pillan graban cinco temas bajo el título de Un trago más y convencen a Justine para que se los edite en formato mini LP. 

Heavy metal que entra bien, incluso en algunos pasajes me recuerdan a Panzer y Ángeles del Infierno, contundente y variado que incluye temas muy potentes como “Punto y final”, el único en el que meten teclados, “Hijos de la Ley”, el más potente, rápido y logrado, y “No cambiarán”, para mí el mejor del trabajo, y un medio tiempo cañero “¿Dónde están ¿Dónde ir?“. Remata el álbum “K’alegría”, adaptación libre de ese tema que cantan los coros en las iglesias aquí orientado al cachondeo del personal y que al parecer estaba dedicado al alcalde de turno por dedicarse a cerrar los bares del lugar. La temática de las letras no puede ser más marginal, tocando palos como las drogas, la manipulación política o la crítica a la actuación policial o al clero.

Tras abrir con el tema “Un trago más” el II volumen del recopilatorio de metal nacional de la Metal Hammer de 1989, cambios profundos en la formación y participar en algunos conciertos, optan por disolverse y nunca más se supo de UTM.

Buen fin de semana peña. Abrigaos que por lo visto va a hacer rasca.













Angelus Apatrida - Hidden evolution (Century Media, 2015)


Qué bueno es tener entre nosotros a una gran banda de thrash metal, un combo que gira por ciudades cercanas y al que podemos disfrutar de vez en cuando. Si no los has visto nunca en directo, no te los pierdas si se pasan cerca de tu ciudad: atronadores y precisos.

El nuevo disco de Angelus Apatrida continúa la senda de su anterior "The call" y recupera
elementos de aquel excepcional "Give'em war", creando un conjunto de temas más que recomendables. Sigue sonando a una mezcla que podríamos encasillar titulando al álbum "Painkiller is my business" pero con enormes influencias de bandas como Testament, Exodus o, incluso, Slayer. Canciones como Inmortal o Serpens on parade corren, revientan cuerdas, parches, cuellos, mientras que otras se recrean en la melodía, en buenos estribillos, en la mezcla justa de cambios y armonías: End man, Wanderes forever. Y entrelazando todo esto, ambiciosa voz propia: la que da título al álbum, Hidden Evolution, con sus más de ocho minutos, o Tugs of war, y sus imprevisibles cambios.

Letras con toque apocalíptico, tocando la guerra, el futuro del hombre y la esperanza en uno mismo, con unas composiciones y una interpretación lograda.


Angelus Apatrida lo forman Guillermo Izquierdo a la voz y la guitarra, David Álvarez también a la guitarra (una pareja absolutamente descomunal), José Izquierdo al bajo y Víctor Valera a la batería (qué caña metes, crack). La producción se la curran Daniel Cardoso y la propia banda. Fue grabado en los Ultrasound Studios 2 de Moita (Portugal).

El workart corresponde a Gyula Havancsák con diseño de Guillermo.


El vinilo de Century Media se presenta muy cuidado, con una calidad de materiales de primera. Suena muy bien, equilibrado, limpio a pesar del estruendo que mete. Además, trae de "regalo" el cedé (incluye de tema extra una versión del "Higway star" de Deep Purple) y en la pre-venta "regalaban" una camiseta (perdón, t-shirt) del grupo (fea de narices, pero qué más da).

Si te gusta el thrash, imprescindibles. Buen fin de semana.

Angelus Apatrida - End man


Angelus Apatrida - Architects


Angelus Apatrida - Wanderers forever