viernes, 27 de marzo de 2015

Pat Benatar – Crimes of passion (1980)


Feliz día, amigos. Regreso a este reducto de carcamales amantes de los plásticos surcados por notas musicales con toda una dama de la historia del pop de nuestro siglo –y observad que digo nuestro, no el actual–, ni más ni menos que la imprescindible y multipremiada Patricia Mae –no me digáis que no tiene nombre de camarera de cafetería, de esas de pastel de manzana casero, huevos grasientos y café gratis para la clientela– Andrzejewski. Desde muy pequeña, la niña ya demostraba dotes para el canto por lo que además de actuar en festivales de fin de curso y reuniones familiares de Acción de Gracias, asistía regularmente a clases de música, algo que incluso se prolongó durante la adolescencia con vistas a ingresar en la prestigiosa Juillard School de cara a iniciar una carrera como mezzo-soprano. Sin embargo, como ocurre en muchas ocasiones, ese futuro era más una ilusión de sus progenitores que un deseo de Patricia Mae. Así que, llegado el momento, la chica dijo que la ópera no era lo suyo y se matriculó en estudios de Salud. Claro que, un año más tarde, dejó los estudios, se casó con un soldado que había sido su amor del instituto y entró a trabajar como cajera de un banco. 

Sin embargo, pese a que Patricia Mae no se veía sobre los escenarios interpretando a la Carmen de Bizet, lo cierto es que poseía un innegable talento musical del que era consciente desde bien pequeña. Quizás fue por ello que, después de asistir a un concierto de Liza Minelli, decidió que aquello era lo que toda la vida había deseado hacer. Así que con sólo veinte años, dejó el banco y se puso manos a la obra para montar un grupo. Seis años le llevó grabar con Peter Coleman y Mike Chapman a los controles su primer elepé para Chrysalis, un álbum que se colocó en los primeros lugares de las listas de ventas de los Estados Unidos. Había nacido Pat Benatar


En verano de 1980, Pat Benatar editó el disco que hoy os presento, un álbum que se mantuvo casi cien semanas en las listas de ventas, con singles en el Top 10 durante meses y se convirtió en multiplatino –aún hoy, es el que más se ha vendido de la banda– llevando al grupo al estrellato y proporcionando a Pat su primer Grammy. No está nada mal para un disco que contenía una canción sobre abusos infantiles que pese a ser un éxito radiofónico, no se editó como single. En aquel momento, el grupo estaba compuesto por Pat Benatar a las voces y coros, Neil Giraldo a las guitarras, teclados y coros –un par de años después se casaría con Pat–, Scott Saint Clair a las rítmicas, Roger Capps al bajo y un recién llegado Myron Grombacher a la batería. 

Con portada de Leon Lecash diseñada por Ria Lewerke y producido por Keith Olsen en los Sound city studios, el track list del álbum era: 

A 
Treat me right 
You better run 
Never wanna leave you 
Hit me with you best shot 
Hell is for children 

B 
Little paradise 
I’m gonna follow you 
Wuthering heights 
Prisoner of love 
Out-a-touch

En las caras del disco nos encontramos con Treat me right, un perfecto inicio de álbum con una estupenda ejecución vocal e instrumental en el que destacan los guitarrazos de Giraldo. Lo mismo podría servir para You better run, otro exponente de pop rock con mayúsculas –sí amigos, esto es POP ROCK y no Shakira o Melendi–, con la inigualable voz de Pat encajando al milímetro con el ataque más hard rockero de Neil y el resto de la banda. Never wanna leave you es un tema que, en mi opinión, no está al nivel del resto y que se puede obviar perfectamente. Cuestión de gustos. Eso sí, sirve de perfecto preámbulo a dos de mis favoritas, los pelotazos Hit me with you best shot –el segundo single del disco– y la polémica Hell is for children


Al dar la vuelta al vinilo, encontramos Little paradise, otro estupendo vehículo de lucimiento para Pat y Neil. I’m gonna follow you es una pequeña joya que no consta entre las canciones mas conocidas del grupo pero que a mi modo de ver es todo un temazo. ¿Y qué decir de la versión de Wuthering heights?, pues que no se limita a ser una simple copia y resulta ser una preciosidad a la que Giraldo aporta un aire diferente a la original. Prisoner of love no me aporta demasiadas sensaciones y el álbum finaliza con Out-a-touch, otro tema más cercano al hard que al pop por –cómo no- obra y gracia de Giraldo –obviando la vertiente sentimental–, parte indisoluble del tándem creativo con Pat

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla






NEXT "Invasión Nuclear" (Avanzada Metálica, 1988)


Eran casi finales de la década de los '80s y en varias partes del mundo se infestaba de bandas con el sonido del Thrash Metal que habían llevado al estrellato a varias agrupaciones surgidas desde el "underground" principalmente en suelo estadounidense. En México no era la excepción así que surgieron bandas algunas de ellas incluyeron hard rock, blues, heavy metal y por supuesto el thrash metal liderados en ese entonces por Slayer y Metallica como cabezas visibles en esos años. En México surgió un movimiento en la década mencionada llamado por la prensa especializada y conservadora de la época "Rock En Tu Idioma"(con bandas de México, España y Argentina a la cabeza) donde las agrupaciones surgidas tenían la particularidad de cantar con letras en español estuvieran en el género rock, pop rock y del metal. Si bien hubo otras originarias de mi país que no se les puede incluir aquí pero que cantaban en español como la que hoy nos ocupa. Se llaman NEXT originarios del Distrito Federal y con mucha influencia de las huestes de Hetfield y compañía. Es justo mencionarlos en éste blog por su enorme calidad y aportación al metal en español.

La banda conformada por un trío de hermanos apellidados Alanis, ellos son Sergio en las poderosas guitarras, Carlos en las vocales y el pulsante bajo, finalmente se encontraba Erick en la demoledora batería (todos ellos conocidos como "Los Patos" por sus amigos más allegados en ese tiempo así como en la actualidad), en esa época apareció en formato casete y en vinilo únicamente, aún no se ha reeditado en vinilo de nuevo sólo en CD por la Denver Records con portada diferente, así que éste material conseguirlo en formato análogo es como encontrar oro puro por la escasez del mismo en las tiendas de discos especializados en el género. No cabe duda que debemos hacer empatía de los años en que se grabó el material no había tanto apoyo a las bandas de éste género, con mucha dificultad y bajo ciertas condiciones las disqueras apoyaban a las agrupaciones que comenzaron a cantar rock en español con ciertos limites que rayaban en la censura, imagínense a las bandas que no gozaban de ese privilegio como la que reseñamos hoy día. NEXT son una banda que se forjaron con talento y demasiada voluntad (tomando en cuenta la prejuiciosa visión del gobierno y sectores conservadores sobre el metal, más aún en el país en aquellos 80´s y 90´s) las bases underground de la escena nacional mexicana, no solo procurando espacios sino abriéndolos junto a otras huestes surgidas en ese mismo tiempo como Transmetal por ejemplo.


Desde la portada se nota la influencia del metal de los años '80s con la foto de los integrantes del grupo algo muy habitual en esos años aunque el nombre del disco poco o nada tenga que ver con ello. Así tenemos que en la contraportada viene el listado de canciones junto a otra fotografía de la banda ataviados con ropa típicamente de aquellos años emulando a la vestimenta de integrantes de grupos de otros países.  Sin duda que nos alegra saber que surgieron grupos con base a la tenacidad superando obstáculos de todo tipo por obtener la grabación de demos y material de manera profesional, así ocurrió con la banda quienes junto a la unión de la label Avanzada Metálica pudieron sacar su primer material de larga duración por parte de ellos y dar paso a la historia del metal nacional mexicano como una de las primeras agrupaciones que tenían la línea del metal que se expandía velozmente en otros lugares del mundo. Así llegamos a "Invasión Nuclear" publicado en 1988.
El track list es el siguiente:

Lado A:
1. Guerra inútil
2. Debes morir
3. Invasión nuclear
4. S.P.G. ()
5. Muerte y tortura
Lado B:
6. Holocausto parte I
7. Holocausto parte II
8. Destrucción
9. Pecado mortal
10. Grita rock



Sobre el sonido de NEXT, bueno es como decirte a que sabe una manzana, ya casi todos conocemos el Thrash Metal y fundamento de esta exitosa banda, pero para los que por primera vez los escuchan debemos definirlos como una banda donde el metal crudo y veloz al mismo tiempo, trasgresor y virtuoso, y los pioneros del metal español como herramienta de libertad de composiciones musicales en las letras. Son luchadores constantes en base a la presentación constante, giras nacionales e internacionales, de conciertos masivos, guías de nuestros primeros mosh pits y headbanguing.

No es para menos el sonido que se escucha aquí aunque austero se pueden apreciar todos los instrumentos y la voz del cantante con sus estribillos en español bien logrados a pesar de lo difícil que es elaborar alguno sobre todo para una pieza de "Thrash Metal".

El inicio con "guerra inútil" es verdaderamente un acierto debido a que suenan las influencias de grandes bandas pero con las letras en español nos demuestran que no todo en el metal estaba escrito, al fin podíamos disfrutar de una banda que cantará en español letras más realistas basadas en sucesos de guerras así como su crítica política. Quizás se te haga difícil adaptarte a las voces del frontman de la banda pero vaya que disfrutas escuchar con todos los cambios de ritmo el estilo del grupo. 




Un clásico y un himno del "Thrash Metal" en español debe ser catalogado sin dudarlo, desde el inicio con esos riffs adictivos que suenan muy bien junto a la letra una de las más contestatarias que he escuchado en una banda de mi país. Es de sobresalir que se escucha como una perfecta combinación de los riffs junto a los estribillos bien pensados. En lo personal ésta pieza es de la que disfruto muchas veces cada vez que la oigo.

"Invasión Nuclear" y "S.P.G.(soldados prisioneros de guerra)" siguen con el listón bastante decoroso de lo que conocemos como un excelente Thrash Metal con toda esa actitud en las las guitarras y en las letras que aunque suenen raro se encuentran muy bien logradas y logran darle soporte al veloz sonido del grupo. Muy pocas bandas tenían en su canciones las letras que tenía éste grandioso grupo.

Una canción muy influenciada por el primer disco de los californianos de Metallica es sin duda "Tortura y Muerte" con ese veloz sonido y las letras transgresoras durante toda la canción, a mitad de la misma se hace un "break" con los instrumentos y dan paso a una buena sección rítmica con los instrumentos, demostrando su calidad y creatividad compositiva pero que te remite al disco debut de las huestes de Hetfield en 1983.

"Pecado Mortal" es una excelente pieza con un sobresaliente riff que se te inserta en las sienes para no salir de nuevo, a ritmo de Speed Metal que en ese entonces la ley máxima era tocar bien y rápido. Una canción con mucha influencia de las grandes bandas que en esos años dominaban las listas del metal, un gran estribillo acompaña toda la pieza para hacerla aún más adictiva.

Por último tenemos una pieza muy efectiva para disfrutar en todos los sentidos una pieza con el estilo del thrash metal es "Grita Rock" con ese poderoso sonido en los rasgueos de guitarras y la batería imparable. Seguramente notarás que el bajo junto a los demás forman un poderoso sonido con ese gran estribillo que no dejas de repetir en tu mente, se ha insertado desde ya el estilo de la banda mexicana. Solo queda volver a pinchar el disco para seguir disfrutando de nuevo completamente el álbum.


NEXT "Debes Morir" en vivo en un programa de tv de los '80s.


NEXT "Muerte y Tortura" videoclip oficial
  

NEXT "Pecado Mortal"


NEXT "Invasión Nuclear"

Si señor, ésto era el inicio para todos los metalheads mexicanos que aguardábamos una banda que tuviera el estilo de otras grandes agrupaciones internacionales, la nota sobresaliente fue que siguieron editando más y mejores publicaciones como parte de un movimiento que emergía poco a poco en los barrios donde el nivel de vida difícil y las políticas sociales de la época fueron los ingredientes esenciales para que escribieran sus demoledoras letras. NEXT siempre será recordado como uno de los pioneros de lo que se conoce como el metal en español sobre todo en México. Vaya este pequeño homenaje y reconocimiento a unos auténticos sobrevivientes.

Hasta la próxima semana, que tengan buen fin de semana amigos y amigas del blog.

Nacha Pop - "Nacha Pop" (1980)


Aún echaban humo los cirios del funeral del dictador en el Valle de Los Caídos, y la gente ya estaba en la calle haciendo ímprobos esfuerzos por respirar el renovado aire que entraba en aquella España acartonada, fabricada de susurros temerosos en esquinas discretas, carnets del PCE escondidos debajo de la blanca ropa interior, lloros a escondidas por el padre rojo desaparecido, rencor sordo y abarquillado en el corazón que impide vivir con la sonrisa por bandera, desesperanzas que encallecen almas en ellos, siempre con la vista baja, mirando de soslayo a los amigos del bar creyendo que no saben quien son, desesperanzas que encallecen labios en ellas, siempre temblando cuando un número de la Guardia Civil pasa junto a su vera, sintiendo que el hijo ausente esta otra vez en peligro...todo por las ideas...malditas ideas, demasiadas lágrimas...


La cultura, como todo en blanco y negro, filtrada por los encallecidos ojos de los censores, sedientos de que una verdad impuesta sea capaz de mitigar tanto miedo, tanto principio jesuita, tanto complejo que no les deja vivir como "dios manda", haciendo que la tristeza que preside su paso tembloroso y acobardado por este mundo sea el considerado digno y feliz...Sé que no les funcionaba.
Es posible que para muchos ya no hubiese marcha atrás, que ese aire nuevo que se desnudaba ante narices y corazones no causase ningún efecto en orificios nasales secos, en corazones mecanizados por los nodos y los partes radiofónicos del régimen, corazones que ya no creen.
Pero los jóvenes hacían de aquel aire su principal aporte alimenticio para conciencias, éllos que desean una libertad que sus mayores no conocieron están decididos a aspirar con fuerza hasta que sus pulmones estén al borde del estallido libertario y sus pieles se vean abrigadas de color, no existe el blanco y negro, color, libertad, creación, vida y juventud disparatada para vivirla, para vivirla por ellos y por sus padres...y por aquellos que solo son nombres...el tío tal o el abuelo cual que mataron en la guerra.


Cerca de la tumba serrana del caudillo esos jóvenes daban la espalda a 40 años de historia gris y sucia, triste y como vivida en penumbra, a la luz de un candelabro viejo y ennegrecido de mal, y se congregaban en la universidad, en escuelas de arte, en locales donde daban rienda suelta a su creatividad, a sus ganas de hacer cosas, a su ansia de vivir, de inventar, de colorear el mundo que había dejado tras de si cuatro décadas de dolor...y en bares, clubs y calles...creando y viviendo, cantando y follando.
Entre este bullicio de gente se encuentran cuatro tipos con inquietudes musicales: Nacho García Vega y Carlos Brooking dan comienzo a la aventura en 1977 con la banda UHU Helicopter, poco después se les une el primo de Nacho: Antonio Vega, se rebautiza la banda como Nacha Pop y posteriormente se incorpora Ñete a las baquetas...el resto es una década de discos, canciones e historia musical y cultural de este país, historia en color...(no, no va a aparecer la palabra Movida).
En los estudios que Hispavox tenía en la calle Torrelaguna de Madrid y con producción de Teddy Bautista grabarán un grupo de canciones, dando comienzo por una balada que Antonio compuso un día en la Plaza de Olavide de Madrid y de la que no voy a decir nada,,,eso si, no me resisto a que suene aquí:



Tras este trozo de historia pop y rock español se fueron fraguando semanas después los otros once temas que rubricarían "Nacha Pop", el primer disco de la formación y uno de los discos definitivos del grupo y del devenir musical español.
El disco es explosivo, optimista y desbordante de color y juventud, en sus surcos se funden las influencias del pop británico y el rock clásico de allende de los mares, nos encontramos retazos de un decadente y moribundo punk al que los madrileños colorean, ocultando su negro inicial por arco iris de color, las ganas de vivir se escapan de los textos y el ritmo clama por una juventud decidida a cambiar una realidad que empieza a ser relegada a historia.
Las guitarras muestran sus cartas con el primer corte: "Antes de Que Salga el Sol" es una forma nueva de entender el romanticismo, el amor y el sexo, amanecer con ella al lado...pero esas guitarras suenan como una declaración de intenciones, carnosas y vitalistas.
Así continuan las eléctricas en los riffs de apertura del tema de Nacho: "LLoviendo en la Ciudad" con ese dulzor funk que tanto termino caracterizando a la formación.
El rock de esencia mas ortodoxa y guitarrera salta de los surcos en la frenética: "Dejame Algo". Tras "Chica de Ayer" nos encontramos con la voz de Nacho debutando con la caribeña actividad power-popera de: "Sol del Caribe" que precede al instrumental surf: "50 Pop" que da por terminada la cara A del vinilo con ritmo playero.





Las ganas de vivir, en especial de noche son las que guían la voz nuevamente de Nacho en el rock de ácidas guitarras de la extraordinaria: "Nadie Puede Parar". Unas guitarras que evocan los cincuenta y Antonio dando replica a estas con un canto vintage, se trata de: "Cita con el Rock & Roll" y una letra de nuevo que explosiona en juventud y futuro, suculencias reggae en guitarras y melodía de desarrollo seguro en: "El Circo". Amor juvenil y poderoso en vertiginosa actividad instrumental en: "Eres Tan Triste".
Una de las canciones mas sobresalientes del álbum es: "Miedo al Terror", con este tema firman un modus operandi, estribillo glamouroso y de elegante linea, la pena es el lastre sónico creado por unos no siempre oportunos teclados, pero la composición y la letra de Antonio es tan enorme que nada puede borrar la delicada nostalgia del tema.




Finaliza el disco con un rock germinal y cincuentero, donde se nos ofrece la versión de Malasaña de Chuck Berry o Little Richard con la breve y bailable: "Mujer de Cristal".
No me preguntéis si este es el mejor disco de Nacha Pop, no lo sé, lo que si sé es que es el primero, el que señala el camino que seguiría la banda y otras que se pusieron a su rueda a hacer camino al cantar, al tocar, componer y al crear un nuevo orden musical y en cierto modo social en aquel Madrid y aquella España que empezaba a poner capas de color al mundo en blanco y negro que tras de sí dejaron las huestes de la dictadura, un imprescindible este "Nacha Pop" de 1980.

viernes, 20 de marzo de 2015

Rockson – Herederos del Rock (1984 – Picap)



ROCKSON fue una sólida banda surgida en Figueres (Girona) en 1979 por el cantante Joan Cardoner y el guitarra y compositor Frank Villa. Para completar la formación reclutaron a Andreu Bassagañas a los teclados, Joan Gelis al bajo y Ángel Árias a las baquetas. 

Tras patearse el Ampurdán unos años, en 1983 logran juntar las pelas necesarias para meterse en los estudios Gemma 2 de Barcelona y grabar cuatro temas oscuros y guitarreros, influenciados por el heavy-rock setentero -más rock que heavy-:

Cara A:
1. Herederos del rock
2. Hechiceros

Cara B:
3. En tu mente está
4. La chica del rolls





Con los temas grabados se hicieron dos ediciones en maxi-single. La primera en 1983 bajo el título de Heavy Metal, producida por la propia banda y editada y distribuida por Contac y una segunda en 1984 con el título de Herederos del Rock, editada y distribuida por Dial y producida por Picap con quienes la formación consigue un contrato de promoción por tres años por todo el territorio nacional. Otra diferencia entre ambas es la portada. En la más antigua aparece el dibujo de un dragón y en esta que os traigo la fotografía de Frank y Joan atropellados por un Mercury.

El disco tuvo muy buena acogida entrando el tema que le da título en las listas de éxito nacionales de la época, llegando el punto cumbre tanto del trabajo como el de la banda (ya con Martín Rodríguez a la batería), al salir en el programa musical Tocata de TVE tocando un par de temas, vídeo que no he logrado encontrar en la red.






Parece ser que tras una bronca motivada ante la posibilidad de actuar en un concierto de Scorpions -hecho que nunca se produjo- la banda se disolvió, hasta que, como ha pasado con otros de tantos grupos de los ochenta, dos décadas después Joan Cardoner y Martín Rodríguez la resucitan y logran que su antigua compañía les edite un disco con 15 cortes bajo el título de AM/FM, que iba a conllevar la retirada de los escenarios de Martín después de 20 años tocando con Sangtraït.

Banda efímera que merece ser recordada. Buen fin de semana.










The Black Crowes "Amorica" (American Recording, 1994)


The Black Crowes es una banda originaria de Marietta, Georgia en los Estados Unidos. Su paso a ser una banda reconocida desde su formación allá por el año de 1989 inició con su fichaje para la label Def American Recordings del productor George Drakoulias con el cual realizaron sus primeros dos estupendos discos titulados "Shake Your Money Maker" (1990) y "The Southern Harmony and Musical Companion" (1992) respectivamente. Pasaron dos años en los cuales luego de giras por varias partes de su país y el mundo debido al éxito de ventas de sus primeros materiales así como a la calidad compositiva de sus piezas para que la banda se reuniera de nuevo en estudio para dar forma a su nuevo material que vendría a ser la tercera placa de su material discográfico.


La banda de Blues Rock y Southern Rock estaba compuesta por los tremendos hermanos y líderes visibles Chris Robinson en las vocales y su hermano Rich Robinson en la guitarra principal, acompañados por Marc Ford en la guitarra acompañante, Eddie Harsch en los teclados, Johnny Colt en el bajo y finalmente por Steve Gorman en la batería. Todos ellos bajo la producción de un nuevo productor Jack Joseph Puig en sustitución de George Drakoulias el cual decidió seguir con su labor ejecutiva en la label y dar paso a otro productor, aquí el menudo lío resultaba producir a una banda ya consolidada y con la actitud sobrada de los hermanos Robinson así como los excesos de los cuales ya formaba parte el estilo de vida de la agrupación. Aún así pudieron sacar adelante el trabajo de manera conjunta entre las dos partes dando como resultado un emblemático disco que desde la portada pintaba para ser todo un referente de la década.


Y es que se arriesgaron en una sociedad conservadora de la época al presentar como portada la imagen de la entrepierna de una mujer con una tanga que tiene la bandera de los EE. UU. y decorando todo ésto se asoman vellos púbicos en las orillas de la misma. La imagen es de una portada de la revista para adultos Hustler que salió en el año de 1976 lo cual encendió las alertas de censura de tiendas especializadas en discos al considerarla "sexualmente explícita" lo que originó que finalmente se reemplazara con un fondo negro donde sólo aparece el triángulo que forma esa parte. Así sin más dificultades el álbum salió a la luz el 1 de noviembre del año 1994 sorteando todo tipo de dificultades que poco a poco fueron sorteando hasta posicionarse dentro de los mejores materiales publicados aquel año en medio del liderazgo del Rock Alternativo su estilo vino a refrescar la escena musical como propuesta lo cual les permitió seguir cosechando las mieles del triunfo como se dice en el argot periodístico.

El track list se compone de la siguiente manera
LADO A:
"Gone" – 5:08
"A Conspiracy" – 4:46
"High Head Blues" – 4:01
"Cursed Diamond" – 5:56
"Nonfiction" – 4:16
"She Gave Good Sunflower" – 5:48

LADO B:
"P.25 London" – 3:38
"Ballad in Urgency" – 5:39
"Wiser Time" – 5:33
"Downtown Money Waster" – 3:40
"Descending" – 5:4


Esta banda es un verdadero referente de lo que es la herencia del Blues y el Southern Rock que en décadas pasadas dominaron el panorama con grandes músicos como B.B. King o bandas como Lynyrd Skynyrd por mencionar unos ejemplos, todo el concepto del álbum estaba pensado en ser una obra maestra, debido a los altos estándares logrados en sus primeros materiales. Aquí es donde se siente el feeling del sonido de The Black Crowes con todo su esplendor ya que los músicos luego de trabajar varios años juntos se conocían a la perfección y sabían como complementar la nota del instrumento del otro hasta con los ojos cerrados, así venían las piezas donde se escucha ese sentimiento de los "jams" o sesiones donde los músicos hacen lo que mejor saben hacer desarrollar su música libremente sin nada de ataduras ni presiones de productores por recomponer una estructura de la composición así que la banda libremente se permitió trabajar para plasmar todas sus habilidades, aquí se acompañaron de buenas botellas de licor y otras cosas necesarias en la vida de algunos "Rock Stars" para inspirarse. Aunque sabemos de sobra que no es una regla a seguir, los Cuervos Negros si hicieron uso de ello para entrar al estudio de grabación y los resultados son los que comentaremos a continuación.


Como ya habíamos comentado que los muchachos de Georgia ya estaban firmemente asentados en la élite del rock se podían permitir descartar un disco ya grabado porque no les satisfacía lo suficiente o cambiar de productor sólo por apetecerles para dar luz a ésta absoluta obra maestra. Más liberados que nunca de ataduras estilísticas, The Black Crowes se pasean con absoluta suficiencia por su vastos gustos musicales y se muestran más reflexivos, con un detallismo digno de orfebre que no afecta para nada al "feeling" que se respira en la audición. Los medios tiempos  de las guitarras así como baladas se imponen, aunque los fans más rockeros se pueden conformar con grandes canciones como la inicial "Gone" o "She Gave Good Sunflower" (¡un pedazo de tema!), mientras que ciertos aires funkies aparecían en "P 25 London" y la influencia latina ya apuntada en la percusión de "Thorn on my Pride", la creatividad se desbordaba en la deliciosamente auditiva "High Head Blues" un homenaje a los grandes maestros del género blues. Sin embargo, las joyas de la corona son esas baladas deslumbrantes, con inicios al piano tan preciosos como los de las piezas "Cursed Diamond" o "Descending" y esas dos canciones fusionadas que simplemente no he escuchado algún artista solista o banda que las supere: por supuesto hablo de las piezas "Ballad in Urgency" y "Wiser Time". Pero no podemos acabar éstos comentarios sin recordar a uno de los sencillos de presentación más pletóricos y a la vez menos exitosos del año 1994. Está claro que el tema "A Conspiracy" no era una canción destinada a las grandes audiencias; debido a ese sentimiento, ese memorable estribillo, ese absoluto derroche de facultades solo está al alcance de melómanos, que disfrutan mucho como yo al escuchar ésta estupenda canción todo un referente de aquella época y habitual para muchos de los seguidores de la banda.


Siempre he considerado que The Black Crowes como una banda muy aparte del resto de las otras tanto de las agrupaciones contemporáneas de su tiempo como de las que han existido anteriormente y después de ella. Sin duda que de no haber existido tendría que haberse inventado, éste año nos enteramos de su desintegración pero más como un rumor que como una confirmación oficial por parte de la banda. Ojalá la sabiduría musical llegue de nuevo a la banda y nos sorprendan con una nueva grabación en éstos tiempos donde falta una banda con un sonido como ellos. Les dejo algunos links para escuchar algunas de las joyas del tremendo álbum "Amorica"


The Black Crowes "Gone"


The Black Crowes "A Conspirancy"


The Black Crowes "High Head Blues"


The Black Crowes "She Gave Good Sunflower"

A disfrutar Rock sureño y festivo para el fin de semana amigos que no muchas veces se recuerda los grandiosos aportes históricos de éste estilo a la música en genera por lo que sabemos que su sonido te atrapará sin duda desde el riff inicial, buen viernes y feliz fin de semana para todos y todas. Hasta el próximo viernes.  

Jan Cyrka - Beyond The Common Ground - 1992


A día de hoy poca gente debe conocer a Jan Cyrka. Yo mismo no sé ni cómo di con él. A principios de los 90s, con la eclosión de los guitar heros, encabezados por Joe Satriani y Steve Vai, y mi afición por la guitarra me llevó a indagar e intentar descubrir el máximo número posible de virtuosos. Así pues tras  profundizar en la técnica y discografía de grandes guitarristas de diferentes estilos y de fácil acceso (recordad que no había internet) como Robben FordEric JohnsonJan Akkerman , SRVVinnie MooreJason Becker y un largo etcétera...me topé con este vinilo de Jan Cyrka.

UFO - Strangers in the night (Chrysalis, 1979)


Si tuviera que elegir un único álbum de UFO sin duda pincharía este. Tiene todo lo que una gran banda de hard and heavy debe poseer: fuerza, técnica, estilo, buenas composiciones, una interpretación soberbia y buen sonido. La característica combinación de melodía, ritmo y fuerza te empapa en cada canción y cada miembro tiene su momento de gloria: las líneas de bajo de Pete Way, la distintiva guitarra de Michael Schenker, la especial voz de Phil Mogg, el característico feeling del batería Andy Parker y la brillante aportación melódica de Paul Raymond en los teclados y como segundo guitarrista. Cualquier banda grande tiene un gran álbum en directo, y UFO no podía ser menos, uno doble, como Thin Lizzy (Live and dangerous), Kiss (Alive!), Deep Purple (Made in Japan) o Queen (Live Killers). Durante aquella gira presentado Obsession tocaron en pabellones ante miles de personas (15000 en Chicago, la ciudad más "UFOrica"), bien solos o acompañados de bandas de éxito como Aerosmith.


Entre 1974, cuando se incorporó Schenker a la banda, y 1979, cuando se edita este directo, los británicos había publicado cinco excelentes álbumes en estudio, todos presentes aquí. Era el momento de intentar dar ese pequeño salto mortal hacia las listas yanquis, que habían intentado, con moderado éxito, bajo la batuta del productor Ron Nevison. Para esta aventura volvieron a contar con él y la Record Plant Remote Mobile manejada por otro monstruo, Mike Clink. Se grabó en varios conciertos durante otoño del 78: Chicago, Wisconsin, Cleveland, Columbus y Kentucky. Lo curioso es que  tras esta última grabación Schenker abandonó a sus colegas una vez más y tuvo que ser sustituido por Paul Chapman para las últimas fechas. Regresó meses después, para la gira europea y meter arreglos de estudio en el directo, pero, nuevamente, se marchó, esta vez de manera definitiva tras una pelea con Mogg (bueno, hasta la reunión de 1995). El título, Strangers in the night, se le ocurrió al propio Nevison escuchando la canción homónima de Frank Sinatra en un descanso durante la fase de mezclas; simplemente le pareció que encajaba con la realidad del grupo y sonaba comercial.


Canciones como Doctor, doctorNatural thingOnly you can rock me o Too hot to handle suenan tan grandes como debe ser un himno roquero sobre un escenario. Músicos imprescindibles de estilos tan diferentes como Steve Harris (Iron Maiden), Slash (Guns n'Roses), Joe Elliot (Def Leppard) o Kirk Hammet (Metallica) han reconocido la influencia de Strangers in the night en su desarrollo como compositores y artistas.

La edición que traigo hoy es la nacional. Carpeta doble, vinilos de buen gramaje, todo bien editado. La portada y el work art pertenecen a Hipgnosis, con fotos de George Bodnar y Richard Upper.

Una curiosidad respecto al álbum. El orden de las canciones no corresponde con la de los directos; las alteró Nevison para que le cupieran en las cuatro caras de los vinilos, recortó algunas (en especial Rock Bottom, que duraba casi catorce minutos), eliminó dos (Hot'n'ready y Cherry) y llevó al estudio a la banda para regrabar Mother mary y The kid's en un falso directo y mezclarlo con las tomas originales. La re-edición de 2009, conmemorando el treinta aniversario, devolvió las dos canciones "robadas" y presenta el set list tal y como se tocaba en aquella gira.

En cualquier caso, un imprescindible del hard and heavy. Os dejo el enlace al álbum completo. Buen fin de semana.




viernes, 13 de marzo de 2015

Deep Purple – Concerto for Group and Orchestra (1971)


Amigos, ya estoy aquí un viernes más para dedicar unas líneas a alguno de mis amados vinilos. Y lo cierto es que no es tarea fácil, la verdad. ¿Me creeréis si os digo que he estado a punto de publicar una reseña de un álbum de Rainbow que yo mismo había traído a este espacio tiempo atrás? En fin, que cuando me he dado cuenta he cambiado de álbum inmediatamente, aunque escogiendo otro en el que se pueden encontrar dos de sus protagonistas. Me refiero, como ya habéis visto, al que Deep Purple editó con la Royal Philharmonic Orchestra del Concerto for Group and Orchestra compuesto por el genio Jon Lord. Y es que, antes que Metallica, Scorpions, Kiss o Yngwie Malmsteen –por citar algunas bandas–, los Deep Purple ya tocaron con una orquesta, con el añadido de que, en lugar de que esta hiciese arreglos sobre sus temas, en este caso era la composición original la que estaba orientada a integrar orquesta y grupo. Por cierto, antes de que me corrijáis: el disco se editó en 1969 en los Estados Unidos y un año más tarde en el Reino Unido. Si he puesto en el título 1971 como año de edición es porque poseo la versión española de EMI-Odeón, y en nuestro país salió ese año. 

Total, que este retoño obra de Jon Lord –solo hay que leer los textos de la contraportada– sirvió de puente entre el tercer disco de la banda, el homónimo Deep Purple, y su cuarta y aclamada obra In Rock y supuso un rodaje perfecto para Ian Gillan y Roger Glover, que acababan de reemplazar respectivamente a Rod Evans y Nick Simper. Así, con una funda diseñada por Castle, Chappel & Partners Ltd. con fotografías del Daily Express y British Lion Films, Harvest editó en la Gran Bretaña –Tetragrammaton Records lo hizo en los Estados Unidos– parte del concierto que tuvo lugar la noche del miércoles 24 de septiembre de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres, con la Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Malcolm Arnold, Ian Gillan a las voces, Ian Paice a la batería, Ritchie Blackmore a la guitarra, Roger Glover al bajo y Jon Lord al Hammond. 


Grabado por Dave Siddle y Martin Birch con la unidad móvil de los De Lane Lea recording studios, la edición en vinilo contenía un extracto del concierto ofrecido esa noche al recoger únicamente los tres movimientos de la pieza de Lord, Concerto for Group and Orchestra, dejando fuera la sinfonía número 6 Op.95 de Malcolm Arnold, y los temas Hush –del primer álbum de Deep Purple, Shades of Deep Purple de 1968–, Wring that neck –del segundo disco de los británicos, The book of Taliesyn– y Child in time, un adelanto de un tema que acabaría incluído en el siguiente vinilo de la banda, In rock

El track list fue: 

A 
First movement (Moderato-Allegro) 
Second movement (Andante) Part I 

B 
Second movement (Andante) Part II 
Third movement (Vivace-Presto) 

A mi, el movimiento que más me gusta y que considero una fusión genial de orquesta y banda de rock es el primero, con ese regusto sixties en su transición a lo que sería el sonido setentero de los Purple que inaugurarían con su posterior obra, In rock. Del segundo movimiento prefiero las partes vocales de Gillan a las puramente orquestales. En cuanto al tercero, también me parece muy lograda la integración de todos los instrumentos clásicos y eléctricos aunque –pese a ser lo más famoso del movimiento– la parte del solo de Paice es la que menos me gusta. Como siempre, técnicamente el batería es impresionante, pero en mi opinión me parece que rompe el tempo del conjunto de la pieza. Claro que no soy ningún entendido, así que lo dejo a vuestro juicio. 


La verdad, no creo que muchos de vosotros hay escuchado esta obra –yo, sin ir más lejos, tengo el elepé y no debo haberlo hecho más de cinco o seis veces en mi vida– pero os aseguro que supone toda una experiencia. Si os gusta el hard rock sesentero, la música clásica o los experimentos arriesgados, no podéis dejar de darle al menos una escucha a este Concerto. Se lo debéis al genial Lord, esté donde esté. 

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla


Leize – Buscando… Mirando (1989 - Barrabás)





Hace unas noches disfruté un montón escuchando en la radio el temazo “Devorando las calles” de los LEIZE que hacía tiempo no oía. Qué buenos ratos de colegueo, pitillos, litronas, pipas y bocatas de mortaleda con pepinillos escuchando y cantando las entrañables letras de los guipuzcoanos. Nada más llegar a casa saque todo lo que tenía de ellos: varias cintas grabadas, un cd y el vinilo de “Buscando… Mirando” que pensaba ya había comentado en el blog.

Hoy me he dado cuenta que no había sido así. Una falta imperdonable que a continuación redimo.

Formados en el 82, tras varias maquetas y el primer larga duración “Deborando las calles” (sí, se comercializó con un error ortográfico en la portada) que aún no tengo en vinilo, salió al mercado de manos de la discográfica Barrabás “Buscando… Mirando” que fue grabado con la formación más fructífera de la banda: Félix Lasa a la voz y guitarra, Pachi Carrasco a la guitarra, Toño Rodríguez al bajo y Pedro Rodríguez a la batería.

Aunque el sonido de Leize, que por cierto significa sima en euskera, bebía a partes iguales del rock urbano más combativo y del heavy metal, llegaron a crear una identidad personal a base de melodías bien ejecutadas, letras muy curradas directas al corazón unas veces, o a la vez, desgarradoras y optimistas, de esas de estar en el fango pero que luchando y no dejándote pisotear puedes salir, una contundente batería que se deja notar en todo el trabajo, la excelente voz de Félix y sobre todo su verdadera seña de identidad unos estribillos y coros memorables que te invitan a cantar a toda leche en todos los temas sin excepción.






Seguro que disfrutarás al máximo con ese “volveré a perderme en la calle entre el ruido y algún empujón, buscaré una salida de aire, un refugio para la evasión” de “Volveré a salir” uno de los temas más heavies, la cadencia de ese “sigue siendo tú mismo, siempre a gusto contigo” de “Tú mismo”, o ese “cómo me duele al respira, siempre metidos en el mismo lugar, es tan fácil renunciar, siempre metidos en el mismo lugar” de la speedica “Cómo duele”, o el interminable “conoce la experiencia, testigo que no miente, futuro en un instante, pasado en el siguiente, todos pasarán por el mismo lugar, pero yo sabré que no es el final, seguiré hasta la señal mirando de frente a la realidad” en “Solitario” el tema que pone broche de oro al trabajo y del que también son muy recomendables sus solos.






Para los que gustéis de cuerdas más agudas y sonidos más heavy, el disco contiene varios títulos destacando sobre todo “Buscando… Mirando” que da título al disco y que con los años se ha convertido en un himno y uno de los temas más recordados de la banda. Como contraste a los temas más duros la banda se desquitó con el entrañable baladón “A tu lado”.

Leize, unos tipos auténticos con un segundo disco muy recomendable para pinchar y disfrutar de este fin de semana.
















Crow "Crow Music" (Amaret Rec, 1969)


Este disco lo adquirí por casualidad debido a que iba por material de los norteamericanos Black Crowes pero el señor que amablemente se encarga de la tienda de discos, confundió el material y me lo dio éste disco en lugar de la discografía de los originarios de Atlanta, EE.UU. Sin embargo para mi sorpresa observe que el vinilo de la banda llamada Crow era diseño "vintage" donde aparecen un grupo de cinco motociclistas enfundados en sus chamarras de cuero típicas de aquella época de los '60s, muy singular desde mi particular punto de vista, así que le pedí un par de minutos para observar el reverso del mismo. En ese momento me dijo el señor: "este disco tiene historia" y al observar los tracks incluidos en éste material me llamó uno particularmente la atención y confirme lo dicho por el dueño de la tienda. No dude en adquirirlo a un excelente precio ya que por comentarios del encargado tenía tiempo archivado ese material y se conservaba en perfecto estado, y la verdad es que así se encontraba.




Sin embargo antes de comentarles el material del álbum empecemos con los antecedentes de la banda, ellos son originarios de Mineápolis en los Estados Unidos; basan su sonido en el blues rock, en un principio estuvieron en activo entre 1967 a 1972. Crow se creó en 1967 por el cantante David Wagner (o Wagenner), el guitarrista Dick Wiegand, el bajista Larry Wiegand, el pianista Kink Middlemist, y el batería Harry Nehls bajo el nombre de South 40, el cual fue utilizado hasta que el grupo recibió un reconocimiento nacional. Nehls fue sustituido por Denny Craswell en ese momento. En 1969 se grabó el primer álbum de la banda Crow,llamado "Crow Music", el cual es el que poseo dentro de mi colección y que tuve la fortuna de conseguir.

Crow, 1969
Fueron producidos por el gran Bob Monaco, quien le dio forma a las estructuras de cada una de las 10 canciones que componen éste grandioso trabajo de Blues Rock en su mejor forma, ya que se escucha perfectamente el estilo de la banda junto a algunos toques de lo que conocemos como Hard Rock, ritmos psicodélicos incluidas las atmósferas de las notas del órgano Hammond. Los cuales hacen que la banda tenga un singular sonido de aquella época y que seguramente podrás relacionar con algunas bandas o cantantes de aquellos años. Sin duda que es de esos materiales los cuales añoro encontrar en ésta vida, ya que seguramente habrá más bandas como ellos.


En lo referente al material incluido en el primer disco de la banda, tenemos en el lado A
01. Evil Woman 
02. White Eyes 
03. Thoughts 
04. Da Da Song 
05. Busy Day

5 canciones donde se fusionan estilos como el Rock, Blues, psicodelia, Hard Rock de esos años donde nos muestran a una banda que tocaba con mucho feeling cada una de sus piezas, muy efectivo el trabajo del gran guitarrista Dick Wiegand que va acompañando cada una de las notas vocales de David Wagner que es el otro signo de identidad de la agrupación.


Mientras que el lado B incluye: 
06. Time to Make a Turn 
07. Rollin’ 
08. Listen to the Bop (Dedicada al maestro Chuck Berry) 
09. Gonna Leave a Mark 
10. Sleepy Woman

La segunda parte del álbum nos viene a confirmar que la banda estuvo trabajando bastante tiempo para componer y dejar bien estructuradas las piezas, además de la creatividad musical de cada uno de sus elementos que nos indicaba el compromiso que tenían los integrantes ante la primera grabación profesional de la banda, sin duda que los músicos de aquellos años debieron sorprenderse con el trabajo presentado en su primer material discográfico.


El primer track de la banda nos hace referencia de una pieza que conocemos de sobra seguramente los que seguimos a las bandas de rock de los años ´60s y '70s. Se titula ni más ni menos "Evil Woman ( Don´t Play Your Games With Me)" así es amigos y amigas si ésta pieza te suena es por que de seguro haz escuchado la canción de Black Sabbath con el mismo nombre, ya que la banda inglesa la interpretó en el año de 1970, que incluyó en su primera obra publicada en el mismo año(lógicamente que con el estilo de los muchachos de Ozzy y Iomi), fue escrita por los integrantes David Wagner, Dick Wiegand y Larry Wiegand. Es una grandiosa pieza de Blues Rock que en su versión original se deja disfrutar de manera sobresaliente gracias a las guitarras impregnadas de los sonidos de los años sesenta, pero también a las notas del órgano Hammond.

Otra de las canciones sobresalientes es la titulada "Thoughs" la cual funciona muy bien con sus grandes riffs de guitarra enclavados en el grandioso Blues Rock de los maestros de antaño, suena muy adictiva con las voces en sus coros. Inicia con unas notas acústicas que seguramente te recordara a los también maestros Led Zeppelin, donde las notas de los instrumentos van subiendo para unirse a la voz de Wagner. Grandiosos interludios del piano Hammond como siempre, que hacen más notorio el estilo del grupo. Una pieza para disfrutar de principio a fin en sus poco más de 4 minutos de duración. 

"Rollin" es de esas piezas que homenajean al Rock And Roll con la fusión de los estilos del Blues y Rock que la hacen un perfecto disfrute al sonido, sin duda confirmamos que la voz de Wagner es signo distintivo de la banda así como la guitarra de Wiegand de principio a fin se deja disfrutar con esos excelsos toques de la guitarra junto a la voz del emblemático frontman de la banda. Esta pieza junto a la que se titula "Gonna Leave A Mark" nos enseñan la importancia de la guitarra eléctrica y su aportación universal de sonidos adictivos a lo que conocemos como la música contemporánea, se les agrega el feeling con las cuales el guitarrista compuso las notas para hacerlas unas piezas recordadas aún hoy por varias generaciones quienes han conocido a la mítica banda. En resumen con el estilo descrito líneas arriba transcurren las 10 piezas con las cuales cuenta éste estupendo disco de los CROW. Una placa discográfica para disfrutar de principio a fin.


Crow "Evil Woman (Don´t Play Your Games With Me)


Crow "Thoughts"


Crow "Rollin"


Crow "Gonna Leave A Mark"

Esto era el "feeling" que se sentía por el Rock de aquellos años, las bandas como CROW nos enseñaban que una característica muy importante de tocar el estilo es saber dominar la guitarras eléctrica y sacarle notas adictivas para la audiencia así como el uso de otros instrumentos que nos envuelven en esa transmisión de sonidos que la banda da a conocer durante las composiciones. Una joya éste primer disco de la banda de Mineapolis se los recomiendo ampliamente si eres de los que disfruta del material de los años '60s y '70s. Saludos para todos y todas que disfruten el fin de semana y ojalá consigan éste grandioso material.