viernes, 24 de abril de 2015

Warlock – Hellbound (1985)


Amigos, en relación a los cuatro imprescindibles álbumes de los alemanes Warlock os podría haber recomendado cualquiera de ellos, aunque para ser estrictos no hubiese tenido motivo para hablaros en este espacio de su primer Burning the witches porque –aunque espero poderlo solucionar en la próxima feria del disco que haya en Barcelona– no dispongo todavía del vinilo. Así pues, quitando al exitoso True as steel y al bombazo Triumph and agony, sólo quedaba este quizás menos conocido Hellbound. El origen del grupo se encuentra en la unión de diversos miembros de las jóvenes bandas de la escena underground de Düsseldorf Snakebite, Stallion y Beast que, a principios de los 80, dieron como resultado a unos voluntariosos Warlock que no tardaron en ganar cierto reconocimiento, en parte gracias a los conciertos que su manager les consiguió un plaza como teloneros de Trance. Tras editar su álbum de debut con Mausoleum –que no supo sacar el jugo de la perita en dulce que tenían entre manos–, Warlock tuvieron la suerte de firmar con Phonogram y grabar en los Country Lane studios de Munich –con Henry Staroste y Rainer Assmann a la producción– este Hellbound que os presento hoy. Era la primavera de 1985 y el subsiguiente tour por Europa les catapultó a las páginas de magazines como Metal Forces, Metal Hammer o Kerrang! dándoles la oportunidad de tocar en el Metal Hammer Festival junto a Metallica, Pretty Maids o Venom

El line up que grabó el álbum estaba formado por la menuda y enérgica Doro Pesch a las voces, Rudy Graf y Peter Szigeti a las guitarras, Frank Rittel al bajo y Michael Eurich a la batería, con la colaboración de Harry Thumann en la programación de un fairlight muy presente en temas como All night, por ejemplo. 


El track list era: 

A 
Hellbound 
All night 
Earthshaker rock 
Wrathchild 
Down and out 

B
Out of control 
Time to die 
Shout it out 
Catch my heart 

Respecto a las canciones del disco, lo miréis por donde lo miréis, no hay discusión posible. Hellbound, All night –de mis preferidas– , Earthshaker... es estúpido analizar uno por uno los temas de este álbum porque –además de que ahora no tengo ganas de ello, no os puedo ser más sincero–, todos ellos son puro heavy metal alemán de los ochenta en la línea de lo que Warlock nos ofreció en su corta carrera con la estupenda Doro al frente. Y es que, ni Lita Ford, ni hostias, el metal femenino de los ochenta tuvo un nombre y fue Dorothee Pesch. Como muestra de lo que podéis escuchar en Hellbound os acompaño una versión en directo del tema título, y las grabaciones de All night, Wrathchild, Time to die y la preciosa Catch my heart






Por desgracia, tras el fantástico Triumph and agony, Fräulein Pesch inició un camino en solitario al frente de Doro –a esas alturas ya era la única que quedaba de la formación original de Warlock y su primer manager le había arrebatado en los tribunales la propiedad del nombre de la banda– con la que, junto a Joey Balin en la producción al principio y el mismísimo Gene Simmons después, quiso dar un giro estilístico a su carrera que no tuvo el éxito esperado. En la actualidad, Doro es una más de las respetadas figuras del metal de los 80 que –pese a haber editado álbumes con cierta asiduidad– no han logrado reverdecer viejos laureles y viven de recuerdos gracias a nostálgicos seguidores como este que os escribe. 

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

Casablanca - Riding A Black Swan - 2013


En 2012 Casablanca debutaban con Apocalyptic Youth, un espectacular disco repleto de potenciales singles. Sonido Hard Rock con toques glammy, estribillos deliciosamente melódicos y una chulería rockera digna del sleaze del Sunset Strip de los años 80s. Una maravilla para todos los amantes del género y para los rockeros con buen gusto.

Pero Casablanca no tienen su sede en LA sino en Estocolmo y lo forman Anders Lunj a las voces, Ryan Roxie y Erik Stenemo a las guitarras, Mats Rubarth al bajo y Josephine Forsman a la batería.

viernes, 17 de abril de 2015

12 Canciones de GARCÍA LORCA, para dos guitarras en sterero - 1965






He encontrado, en la viniloteca personal heredada, este vinilo del que iba a escribir algunas palabras, aunque después de haber leído el libreto adjunto escrito por el pintor Gregorio Prieto, prefiero transcribir parte de su contenido y que tengáis la suerte de disfrutarlo como yo la he tenido. 

Así pues:


" Entre todas las vocaciones artísticas que la corta vida de Federico García Lorca han intentado y conseguido hacerse realidad, la música fue la primera que se introdujo en sus aficiones; la pintura vino después y tanto música como pintura fueron las compañeras inseparables de la Poesía, que fue, en definitiva, el tronco constante, fiel y bien plantado de donde arrancaban esas otras vocaciones más efímeras, aunque permanentemente adheridas al centro y corazón de su gran poesía.

Seis o siete años tendría, cuando ya Federico empezó con sus lecciones de música bajo la dirección de un maestro de escuela, muy aficionado al arte musical, que siguió inculcando  en el niño esas ideas que ya le iniciaron su madre doña Vicenta Lorca de García y que entre bellas canciones de sabor popular, Federico ya cantaba, acompañado a la guitarra por su tía Isabel, la misma que también le ensseñaba a tocar la guitarra. Se puede decir que Federico nace con la guitarra en las manos y abrazado a ella, ya que también un tío suyo era guitarrista errante y otro casi profesional, que llegó hasta tener éxitos en París y donde se casó, murió y está enterrado en el cementerio del Padre Lachaise.

Federico siempre siguió, con gran atención, su entusiasmo por la música, hasta dedicarle seriamente su tiempo en lecciones tomadas en Granada a sus doce o trece años de edad. Por estas fechas dio un concierto en el Centro artístico de Granada, que fue escuchado ocasionalmente por el Profesor de la Universidad, Don Fernando de los Ríos, quedando altamente sorprendido y ligado ya a su amistad, por mediación de estas cuerdas musicales, al gran poeta, y en el futuro fue este mismo Catedrático quien le aconsejó y acompañó a Norteamérica, donde escribió su extraordinario libro "Poeta en Nueva York", en el que se traducirá su gran afición a la música, en esas canciones y músicas exóticas de los negros, que tanto gustaron a Federico y a las que dedicó poemas extremecidos.

Después la gran y admirativamente mutua amistad entre Falla y Lorca, músico y poeta, declara en Lorca su constante fidelidad a la música, encontrando en Falla gran acompañamiento la clarividente y comprensiva actividad musical, con que a veces Federico le acompañaba al piano, que nadie como él, según palabras de Falla, lo interpretaba tan maravillosamente.

Con fidelidad noble, Federico siempre tendrá presente su música y estando en ese mismo Nueva York, en Columbia University, escribió a un compañero de universidad. "Fue allí en Almería donde comencé el estudio de la música. Allí hice el examen de ingreso y allí tuve una enfermedad que me inpedía hablar y cantar y me puso a las puertas de la Muerte".

Y su atención definitiva a la gran poesía le hace, en algún tanto, abandonar la música de manera concreta, pero siempre la tiene presente.

Ya dedicado seriamente a la literatura, que le hará más tarde ser uno de los más grandes poetas, escribe a los veinte años su primer libro con el título "Impresiones y Paisajes", que es el relato de las emociones experimentadas en un viaje que hace por tierras de Castilla y Andalucía. En este viaje, puede decirse  que sus "visiones musicales" le producen sorprendente efecto, describiendo el sonido del campo y paisaje en los ruidos, en el aire y en el melancólico estado musical del Angelus a través de sus campanas. Veamos " el alma de los colores y la música es sonido de campana profunda que envuelve su inmensa sinfonía en sangre, sin árboles, sin matices de frescura, huyendo de la profanación de pisadas de caballos fuertes y de sombras, que al sonar las doce saliera de los campanarios una muerte eterna, que envolverá al sonido manso y meloso de vuestros ríos.
Un pregón... el Angelus lejano, espérase oír un cuerno fantástico y se siente un ruido fuerte, el aire pone en sus encrucijadas, modulaciones violentas, así , en un rincón escuchando el mago órgano y oyendo el tintineo grave de una campanilla, unas viejas suspiran y silabean tristonas, se oyen algunos pasos lejanos y después una soledad de sonidos tan angustiantes que llena de amargura dulcísima el corazón, las campanas dicen todas el Angelus con un aire pausado y ensoñador. Era tanta la inmensidad de los campos y tan majestuoso  el canto solar, que el aire chocaba en los oídos como el arco de un gigantesco contrabajo, mientras que al cocleo de las gallinas, los niños, riñendo por una bola de cristal, ponían el grito en el cielo, el rum rum de un abejorro, hacían sonar las campanillas; um reloj de esos que titubean al decir la hora dio las doce con una rancia solemnidad, al ruido de la conversación, se despertaron y comenzaron a platicar, y alguno más contento o más triste tarareaba entre dientes una canción... y dieron las dos y media y todo igual, el aire sonado de los montes... y silencios augustos de sonido y color... abriendo los corazones a la mística infinidad del Angelus".
Todo este párrafo de trozos poéticos separados, se unen en constante sonoridad musical.



"Cuando yo me muera        Así decía el poeta, FEDERICO GARCÍA LORCA.
    enterradme con una        Tanto como la muerte y el amor, la guitarra, es
               guitarra bajo         en este Poeta,  un querido  y  constante    tema, 
                       la arena"       que llega a obsesionarle.



                                      Dibujo de Gregorio Prieto



La Guitarra, el Amor y la Muerte, son sus tres musas amadas y amantes y las tres grandes gracias aladas que le hacen sufrir y gozar en su poética vida de maravillosa creación. La guitarra es su fin, tanto como su medio y si quiere morir con ella en unido abrazo de perennidad, es porque ella fue su constante y fiel compañera, tanto como lo fue Julieta de su Romeo.

Ejemplo del amor perdurable es el que Federico profesó a su amada Guitarra; si guitarra es Andalucía, Federico es de pura cepa andaluza y de ahí esa compenetración inteligente y pura, aunque entusiástica y arrebatadora. Capaces de morir de amor.

En sus "Canciones" , libro publicado en 1928 y en el "Cante Jondo", en 1931, dan idea en su contenido poético, lo que ha inspirado la música y en estos libros, la Guitarra, el Amor y la Muerte es el tema matriz.


Gregorio Prieto


El beso, la agresión, y el "rasgueo", se dejan sentir con todo su apasionante esplendor, tragedia y musicalidad, tan profunda y honda, que el misterio rodea sus musas tan inapelablemente como de inexplicable y oscuro.

El destino le sigue y persigue como sombra apegada ardientemente a la entraña corporal y de tan espiritual manera, que va apoderándose de su forma, para hacerla inmaterial, abrazándola en anímica eternidad.

El espíritu poético en Lorca se sobrepone en tal medida y altura, que todo lo envuelve y desaparecen los elementos materiales de sexualidad, colorido y sonidos para convertirse en pura individualidad personal de poética amorosa, entusiástica coloración y celestes sonoridades.

El poeta se eternizó en geniales acontecimientos de obra creativa y eterna de pura e integral Poesía.
Así, al querer cumplir ese compromiso, que nos hicimos y que sirvió el dibujo suyo de " La Virgen de los Siete Dolores", como símbolo para poder realizarlo, yo he ido haciendo dibujo tras dibujo, como acompañante a su obra de poesía eterna y he procurado acercarme a sus textos lo más fielmente posible, interpretando a mi vez sus tres pasiones fundamentales, el Amor, la Muerte y la Guitarra, y desde entonces, con intervalos más o menos largos, he ido haciendo sin descanso, pero con treguas de oasis maravilloso la sucesión dibujística de toda su obra.

Aquí sólo se reproducen algunos de los dibujos referentes a estas tres musas de Lorca.

Estos de la guitarra que ilustran este libro- disco en su homenaje y memoria, en un sentido aplicado a su afición musical, fueron de los primeros que hice, ya que su amor a este instrumento de la guitarra le hacían poetizar a cada instante y consecutivamente; y así decía " Las guitarras suenan solas" con lo cual poetizaba de mágica manera el sonido de este instrumento haciendo ver, que por encima del bien tocar de la mano humana, estaba el portentoso sonido, producto de un milagro musical, y componía su poema como quien rompe una guitarra sobre el mar del amanecer.

Varios y muy buenos poemas dedicó Federico García Lorca a su amada la Guitarra, sirva éste como ejemplo:


Empieza el llanto
de la guitarra.

Se rompen las copas
de la madrugada.

Empieza el llanto
de la guitarra

Es inútil
callarla

Es imposible
callarla.

Llora monótona
como llora el agua
como llora el viento
sobre la nevada.

Es imposible
callarla

Llora por cosas
lejanas.

Arena del Sur caliente
que pide camelias blancas.

Llora flecha sin blanco,
la tarde sin mañana,
y el primer pájaro muerto
sobre la rama.

¡Oh, guitarra!
corazón malherido
por cinco espadas.

               

                                               Federico García Lorca







 Música de Federico García Lorca
A la guitarra Paco de Lucía y Ricardo Modrego





El mismo día que conocí a Federico García Lorca, le oí tocar el piano en el anfiteatro de la Residencia de Estudiantes de Madrid. Fue un 7 de abril de 1924, día que yo inauguraba una exposición de mis pinturas en el Salón de la Dirección General de Bellas Artes y que se presentó en ella acompañado de varios estudiantes, compañeros suyos.
Recuerdo con emoción los grandes elogios que hizo de mi arte y lo "estupendas que le parecieron las líneas que prefaciaban el catálogo del crítico-poeta don Enrique Diez-Canedo.
En esta exposición figuraban ya algunos retratos, fruto agraz, de esa colección que hoy día poseo, de las más destacadas personalidades del mundo, que hoy por hoy, es la más completa que artista alguno haya podido reflejar en sus lienzos o papeles, como recuerdo de toda una época y homenaje a sus figuras sobresalientes. Entre estos retratos figuraban don Félix Boix, el Duque de Alba, Carmen de Burgos, Diez-Canedo y otros.

" - Lo que daría yo Gregorio, por tener un retrato hecho por ti", me dijo inmediatamente de cruzar nuestras primeras palabras, ya que desde el instante que nos conocimos personalmente, una corriente de comprensión artística y humana nos unió en franca y leal amistad.
"- Si Gregorio, con ese retrato que tu hicieras, quedaríamos ya los dos unidos en la eternidad, mira, sino, ese retrato, pintado por Velazquez, del poeta maravilloso Góngora y así podríamos quedar tu y yo, como quedan ya para siempre Velazquez y Góngora". 

Desde muy niño Lorca ya tenía un sentido de responsabilidad para con la posteridad y se daba prisa para no defraudarla, tanto en su obra, como en cuanto todo eso que realizaba en su vida, rodeando su sublime poesía, como corona que la ciñera rodeara y completar así su figura, que queda como imagen grabada en todo su espíritu puro y de selección.



Gregorio Prieto




Piedra preciosa de esta corona en su vida poética fue su gozosa música, que por todas partes le acompañaba y que fue la primera que inspiró su vida de eternidades, luego, más tarde, fueron viniendo su gran Poesía y su gracioso y divertido arte de la pintura. Y , así, como regalo magnífico, en correspondencia, al inmenso placer que experimentó al admirando mi arte de la pintura, me ofreció esa misma tarde un concierto, verdaderamente admirable y emocionado, en la Residencia de Estudiantes, en la cual formaba a su alrededor un centro de entusiasmo del que se contagiaban todos los demás estudiantes.

Ese mismo día, entre el intermedio de la visita a mi exposición y su íntimo concierto en la Residencia, me dedicó ése su mejor dibujo de "La Virgen de los Siete Dolores", que tenía colocado en la cabecera de su cama. Sus palabras fueron emocionantes: " - Estoy seguro que yo moriré mucho antes que tu y quiero que guardes este dibujo como recuerdo del día que nos conocimos". Federico tenía obsesión de muerte, que puede apreciarse desde sus primeros poemas hasta sus últimos libros. Recuerdo, a este propósito, su manera especial de cruzar las calles, mirando a diestro y siniestro, con miedo y prisa al mismo tiempo, como queriendo huír de algo que le amenazaba.


" Muchos tiran mis dibujos, Gregorio,   
pero yo te los doy a ti, porque sé que
los guardas y que cuando yo muera
los harás famosos, a ti te gustan y 
además, sabes eternizar las cosas".

Gregorio Prieto

Valhala – Buscando Sueños (1993)





Seguro que musicalmente el nombre de VALHALA  no os dice nada. A mí tampoco. 

No me acuerdo donde pille el disco ni sabía que lo tenía. Con toda probabilidad, a un buen precio, en algún mercadillo o feria intuyendo que dentro iba a encontrar rock and roll.

De la banda nada os puedo contar. Se intuye que a principios de los noventa se juntaron cuatro amigos de Vallekas con inquietudes y sentimiento crítico contra la sociedad que les rodea que optaron por formar  una banda de rock para contar la cruda realidad de un barrio marginal. Pusieron en el intento más ganas que resultados. La vida es así.








Su bagaje un split a pachas en 1992 con DESASTRE de título Juntos pero no revueltos y este Buscando sueños, trabajo producido por la propia banda y en el que arrimaron el hombro amigos y entorno colaborando en portada, fotografías, aportando un díptico con dibujo y poema, e incluso prestando voces en algunos temas.

El sonido de los once cortes que contiene el álbum, dos de ellos instrumentales, constituyen una extraña mezcla de heavy, rock urbano y punk ochentero, en la que irrumpe la voz de José que me recuerda mucho en tono y chulería al Ramoncín de los primeros trabajos. De todos ellos “Morralla” el más logrado.





Una de esas bandas olvidadas de verdad. De hecho, ni siquiera hay información en la red. Valga esta modesta entrada como recuerdo a todos esos chavales y chavalas que soñaron con ser  algo en este circo del rock y que, por lo menos, tuvieron la osadía de intentarlo. 

Temas

Cara A:
1. Intro
2. Morralla
3. Buscando sueños
4. Hombres de la mañana
5. Ballesta 13
6. Historia de dos vidas

Cara B:
7. Maldita ciudad
8. Pikos & Ricos S.A.
9. Batalla y festín
10. Kizalgundia
11. Desintroducción



Valhala son:

- Teo: batería
- Kasta: guitarra
- Jesús Txusli: bajo
- José: Voz y teclas





jueves, 16 de abril de 2015

Cheap Trick - "Heaven Tonight" (1978)


Cheap Trick es modelo de eclecticismo musical, su propuesta, de difícil clasificación, vive en tierra de nadie, especialmente en aquellos finales de los setenta en que ven la luz sus primeros cuatro discos, cuatro obras magnas no del todo comprendidas, años en los que el público no se sentía capaz de acomodar al grupo dentro de los parámetros rígidos de la época, proclive a todo tipo de etiquetas asociadas a tribus excesivamente disciplinadas en cuanto a una militancia coherente y escrupulosa en lo estrictamente musical.
Así pues, sus riffs y distorsiones resultaban demasiado rabiosas y decibélicas para el público mas popero que se sentía a gusto embarcado en las dóciles aguas melódicas de acarameladas bandas como Abba o a los preciosistas e inofensivos pianos y falsetes de perfeccionistas y académicas formaciones como Supertramp.


En cambio los mas rockeros echaban de menos en su sonido un mayor asilvestramiento sónico, tintes blues o country que solidificasen sus perfectas melodías y sus irresistibles estribillos.
En el sur no encontraban semejanzas con los ídolos locales de épicas proclamas que si encontraban con: The Allman Brothers o Lynnyrd Skynyrd, y los mas duros no hayaban en sus guitarraas la suciedad y bravura testosteronica de: AC/DC o el oscurantismo diabólico de: Black Sabbath.
Resumiendo, que terminaron clasificandolos como Power-Pop, que me parece una etiqueta que se adhiere a su estilo tan bien como cualquier otra, pues en cualquiera de sus álbunes encontraremos pop en melodías pegadizas y luminosas, rock de pesado poso en guitarras que arañan gracias al inmenso guitarrista que es Rick Nielsen, rhythm & blues que acaricia al blues en ritmos contundentes y sólidos nacidos de ese dúo que formó una de las bases rítmicas mas rotundas que ha pisado tierra, y que formabán el batería: Ben E. Carlos y el gran bajista (auténtico experto en la utilización del instrumento de 12 cuerdas): Tom Petersson.


Si a esto unimos al guitarrista y vocalista: Robin Zander, apodado como El Hombre de las mil voces, por su inusitada capacidad para cambiar el color de su privilegiado instrumento y en cuyo registro y fraseo caben cualquier estilo musical conocido, uno de los mas grandes vocalistas que ha existido sin duda, nos encontramos ante un grupo difícilmente superable en lo interpretativo, que gracias a la labor compositiva de ese genio que es su disparatado guitarrista: Rick Nielsen, dió lugar a un grupo de Lps absolutamente grandiosos, infravalorados y escasamente analizados, que recogían de forma anárquica pero intuitiva y sublime influencias del pop británico de la invasión sesentera, en especial de: The Beatles, The Who, The Kinks y los también infravalorados: The Move, combinadas con los sones mas blueseros y americanos de otros isleños como Yardbirds o Cream, y los poderosos: Led Zeppelin o Rolling Stones.
En este tercer disco que cuenta con la impecable producción de Tom Werman, nos ofrecen una nueva colección de canciones de factura impoluta, de melodías energéticas, dentro de un cáustico sentido del humor, situadas como siempre con un pié a cada lado de las fronteras que delimitan estilos, resultando como decía al principio el conjunto, un modelo de eclecticismo pocas veces visto en la historia del rock.
Empezando por la versión que a modo de homenaje realizan del tema de The Move: "California Man", al que le dotan de una mayor mordiente guitarrera y la intrepidez vocal de Zander, terrible versión que respeta y enriquece el original.



Aunque antes de este cover ya hemos disfrutado del himno juvenil a modo de proclama de futuro y libertad: "Surrender", posiblemente el corte mas famoso del grupo y que es imposible no exprimir a golpe de cadera, POM.
Pero además la rockera y trepidante, eléctrica y adictiva: "On The Top of The World", la pesadez guitarrera a lo AC/DC de la sugerente: "High Roller" o "Auf Wiedersehen" que cierra la cara A del vinilo a ritmo punkarra y grasiento, con la voz de Zander como protagonista junto a base rítmica y guitarras, osea toda la banda.



Un stoniano riff nos abre la segunda cara, y pronto la brillante voz de Robin nos traslada a un paisaje pop de guitarras rugientes en la sublime y variada: "Takin me Back" que enlaza con otras guitarras que cabalgan sobre un pop de esencia brit y coros juguetones en la ecléctica y encendida: "On The Radio".
"Heaven Tonight" es una semi-balada a lo E.L.O de presuntuosas intenciones orquestales, resueltas con intuición y clase por toda la formación, con un estribillo que ya suena a 80's.
Vuelven las guitarras mas macarras y heavilongas en la infecciosa: "Stiff Competition", una prueba mas del porque de El Hombre de las Mil Voces, y la justificada fama de esa base rítmica.
Y antes de que el injerto en directo que demuestra el poder de la banda en un minuto escaso y que se titula: "Oh Claire" cierre el disco nos dejan en medio de la pista, bailando como si fuésemos niños, abandonando al esqueleto al criterio de un ritmo sincopado y alocado de beatlemana locura lisérgica que responde al titulo de: "How are You?".




Absoluta delicia de difícil catalogación, pero ni falta que hace, el que no disfrute con este muestrario de ¿Power Pop? es que se le ha congelado la sangre, o que tiene que tomarse la vida menos en serio.
No, de verdad, daros un respiro, pero no comiendo chocolate (si  os apetece...) pero si dejándoos llevar por esta musculosa e irrepetible formación que es en mi modesto entender una de las mas infravaloradas de la historia.

viernes, 10 de abril de 2015

Saraya – Saraya (1989)


Queridos amigos del vinilo, a finales de los 80 todos los sellos ofrecían en su catálogo a alguna banda de chicas –o capitaneada por una– luchando por el cetro de la comercialidad. RCA tenían a Lita Ford sonando en la radio con su Close my eyes forever, MCA a Femme Fatale con la siliconada Lorraine Lewis al frente haciendo morritos –por cierto, que sólo grabaron un álbum pero hay que decir que actualmente se han reformado como grupo femenino–, EMI a sus Vixen y Shrapnel a Phantom Blue –en ambos grupos tenemos que lamentar la triste desaparición de Jan Kuehnemund y Michelle Meldrum, respectivamente–, Vertigo a Doro en Europa y en Canadá Lee Aaron seguían en Attic records. Hasta en el mundo del sleazy, Capitol tenían a Princess Pang con Jeni Foster a la cabeza. Y PolyGram, –que se habían hecho de oro con Bon Jovi a través de Mercury– también querían un grupo así. 

Así, cuando Sandi Saraya y el teclista Gregg Munier –que venían de un grupo llamado Alsace Lorraine– regresaron a New Jersey tras pasar un tiempo en Los Angeles buscando infructuosamente la fama y montaron una nueva banda con el nombre ya cambiado a Saraya, PolyGram no tardó en ficharlos con vistas a lanzar su particular versión femenina de Bon Jovi. Una señal de que el foco de atención estaba puesto en Sandi y no en su grupo –que tenían la función de dar apoyo instrumental a la chiquilla– es que Saraya aparecen con la preciosa canción Timeless love en la banda sonora original de Shocker, de Wes Craven, cuando en realidad sólo cantó Sandi la parte vocal mientras que Steve Lukather de Toto grabó las guitarras, Myron Grombacher del grupo de Pat Benatar tocó la batería y el bajo corrió a cargo de John Pierce, de los Huey Lewis and the News


Mientras tanto, el grupo formado por Sandi, Gregg, Tony Rey a la guitarra –uno de esos estupendos instrumentistas que sin embargo no alcanzaron el estatus de guitar hero–, Gary Taylor al bajo y Chuck Bonfante a la batería, grababan entre los Bearsville studios, A&R studios, Studio D y la House of music este homónimo Saraya con producción de Jeff Glixman que, con portada fotografiada por Frank OckenfelsDavid Bowie, Roger Waters, Alanis Morrissette, Nirvana o Iggy Pop entre muchísimos más– y diseño de Margery Greenspan, contaba con el siguiente track list

A 
Love has taken its toll 
Healing touch 
Get U ready 
Gypsy child 
One night away 

B 
Alsace Lorraine 
Runnin’ out of time 
Back to the bullet 
Fire to burn 
St. Christopher’s medal 
Drop the bomb 

Love has taken its toll es un estupendo hard rock ochentero al que sigue Healing touch, otro temazo agradable de escuchar y sin complicaciones de este álbum injustamente infravalorado y semi desconocido que goza de ese hard rock melódico desmonchaildiano de la época, tan resultón. Get U ready es un hard rock con coros y la voz un pelín rasgada –me recuerda un poco a una versión feminizada de Eric Martin de Mr. Big– de Sandi Saraya. En Gypsy child, unas líneas de bajo con sintetizador de fondo dan comienzo a un tema en el que, en mi opinion, las lineas vocales no acaban de encajar del todo con las instrumentales. Es un pop-rock melódico normalito que no tiene mayor importancia. Por contra, One night away es otro hard rock más que aceptable, con un buen trabajo de guitarras y teclados. 

Alsace Lorraine, el nombre de la primera banda de Sandi y Gregg, da nombre a esta breve instrumental de piano que inaugura la cara B del álbum. Runnin' out of time es otro temazo de hard con guitarrazos cortesía del solvente Tony Rey y le sigue Back to the bullet, que es el más hard pop melodico del álbum, aunque con ramalazos a –por ejemplo– lo que Whitesnake hacia en aquellos momentos. Y hasta aquí lo destacable, porque Fire to burn está en la línea general del disco, pero sin destacar demasiado, St. Christophers medal es una baladita floja y prescindible y Drop the bomb es un tema difícil de clasificar, aunque posee un final guitarrero en el que tiene especial protagonismo Rey

En resumen, un –en general– recomendable y disfrutable álbum de hard rock melódico con la estupenda voz de Sandi al frente, unos coros que no resultan cansinos ni pastelosos y unas remarcables guitarras y teclados de Tony y Gregg, quien por cierto falleció hace unos años. Pese a todo, el experimento no salió como PolyGram o la banda deseaban y tan solo grabaron un elepé más. De hecho, lejos de convertirse en la Bon Jovi femenina, apuesto a que pocos de vosotros conocíais su existencia. 


Para todos, acompaño el álbum enterito así como el tema de la BSO de Shocker, que inexplicablemente no se incluyó en el lanzamiento original de Saraya y que apareció como cara B del single de Sword & Stone de Bonfire, que también poseo y del que ya os hablé aquí

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla



Alice In Chains "The Devil Put Dinosaurs In Here" (2013)


Tras la muerte del añorado Laney Staney en 2002, Alice In Chains cesaron totalmente su actividad. Aunque oficialmente nunca llegaron a anunciar su disolución, muchos dábamos por sentando que el grupo ya no continuaría en activo. Históricamente se ha demostrado que nunca ha sido fácil substituir al frontman de un grupo, y menos cuando se ha llegado a alcanzar el status de ser una de las bandas más famosas de los 90s.

Si además el cantante es una figura tan controvertida y de fuerte personalidad como lo era Staney, la tarea se convierte en prácticamente imposible.
Por eso, cuando en 2009 Alice In Chains volvieron con un nuevo disco (Black Gives Away To Blue) y un nuevo cantante (William DuVall) la reacción de muchos fans fue, cuanto menos, de escepticismo.

Santana "Abraxas" (Columbia Records, 1970)


Este es un disco familiar ya que mi madre lo compró en aquellos años, luego se lo prestó a tíos y tías por años hasta que se recuperó de nuevo para regocijo de un servidor y fan del maestro Carlos Santana quien ambientó parte del soundtrack de la infancia por ello reconocemos su trayectoria con éste disco que forma parte esencial de mejor Rock del siglo pasado. Nos referimos al segundo material del gran guitarrista llamado sombríamente "Abraxas"(las sectas gnósticas creía que Abraxas era el nombre de un dios que representaba el Bien y el Mal, un dios y deidad representante del fuego. Los Basilideanos, una secta gnóstica del siglo II, usaban el término para nombrar al ser supremo o dios que ellos adoraban. Abraxas fue también considerado un dios egipcio) publicado en 1970 por la gran label Columbia Records.

Aquí Carlos Santana fue más allá del rock de su primera publicación titulada homonimamente en 1969, recordemos que su histórica presentación en el legendario festival de Woodstock 1969 trajo muchos beneficios para la carrera del músico originario de Tijuana, México. Es de hacer notar que sus grandiosos e hipnóticos riffs de guitarras fueron de gran ayuda para darse a conocer en donde fuera posible así como las grandiosas versiones realizadas por su banda a canciones conocidas, como fue el caso de éste grandioso trabajo.

Todo el disco tiene una historia incluso la portada, Carlos Santana estaba buscando alguna imagen que le sirviera para ilustrar la carpeta de su segundo disco, y se encontró con la pintura de Mati Klarwein en una revista(el artista la había pintado 8 años antes). Inmediatamente supo que aquella sería la imagen que necesitaba. Indagó sobre el paradero del estudio del artista Klarwein y fue a su encuentro, pero el pintor estaba entonces en Tánger con el gurú del LSD Timothy Leary. Santana firmó con sus representantes un contrato para utilizar la pintura, a la que Marian Schmidt hizo la oportuna fotografía, pero él y Klarwein nunca llegaron a hablar ni a encontrarse en persona.


Según Santana, lo que más le atrajo de la obra fue la conga entre las piernas del ángel y los vibrantes colores de la composición. “Cuando lo vi descubrí que la música y el color eran alimento para el alma”, aseguró, sobre aquel instante iluminador. “Cuando me fijé en la pintura, me dije: “¡Esto es un gran festín!. Se ajustaba como un guante a la mano y la música”.
El cuadro de Klarwein pretendía representar la Anunciación de la Inmaculada Concepción, el momento en el que el arcángel Gabriel anuncia a la Virgen María que va a dar a luz a Jesús. La idea, según explicó su autor, le vino al pensar en la naturaleza de Dios en varias religiones, ya que tanto en el budismo como en el cristianismo este había sido concebido inmaculadamente (de lo cual es ferviente creyente el músico según ha confesado en varias entrevistas para medios impresos y de televisión pero "a su manera"). Así las cosas éste trabajo del artista es el más celebrado de su obra gracias a utilizarse como la portada de un disco emblemático que aún hoy en pleno siglo XXI es recordado, todavía hay quienes mantienen cierto debate en cuanto a la interpretación pero sin duda que es un gran arte que ilustra al disco.

Los músicos que intervinieron en la grabación del álbum editado en 1970 por la discográfica Columbia, en formato LP de vinilo fue el siguiente:

Carlos Santana: guitarra principal y coros.
David Brown: bajo.
Michael Shrieve: batería.
Gregg Rolie: teclados, voz.
Rico Reyes: percusión, voz (pistas: A3, B5).
Mike Carabello: percusión, congas.
José Chepito Áreas: percusión, congas, timbales.
Alberto Gianquinto: piano


La agrupación que tenía a su alrededor el emblemático guitarrista le permitió adaptar sonidos caribeños y latinos acompañados del Rock que se hacía en los años ´60s y ´70s. Lo cual le hizo enriquecer su sonido y crear riffs memorables en cada una de las 8 canciones que integraban el álbum. El cual su track list fue el siguiente:

Lado A
1.  «Singing winds, cryin' beasts» (Carabello)
2. «Black magic woman/Gypsy queen» (Peter Green/Gabor Szabo)
3. «Oye como va» (Tito Puente)
4. «Incident at Neshabur» (Gianquinto/Santana)

Lado B
1. «Se acabó» (Áreas)
2. «Mother's daughter» (Rolie)
3. «Samba pa ti» (Santana)
4. «Hope you're feeling better» (Rolie)
5. «El Nicoya» (Áreas)



Sin duda que las canciones incluidas en el álbum es de lo mejor que podemos escuchar del material del músico, la inicial "Singing Winds, Crying Beast" con esa excelente combinación de ritmos afroamericanos junto al Rock típico de los '70s sin duda que te atrapa desde el principio, te guían dos instrumentos el grandioso órgano hammond y los grandiosos riffs de Santana. Los casi 5 minutos de duración se nos hace corto ante la excepcional maestría mostrada por el ensamble. 
La canción "Black Magic Woman/ Gypsy Queen" un cover de Peter Green y Gabor Szabo de manera magistral cantada por Gregg Rollie quien se ocupa del órgano Hammond como sabemos es una de las canciones clásicas de los años '70s y de todo el rock contemporáneo por su tratamiento a ritmo de las guitarras del músico y de los pasajes instrumentales ambientados con sonidos caribeños. Un himno de una generación. Épicos.
Y la tercera pieza otro grandioso cover tratado a manera de buen rock de los '70s es sin dudarlo "Oye como va" del salsero Tito Puente (R.I.P.) pero con arreglo de que se notará los riffs y punteos de Santana como punto de referencia, nos indica esta pieza que la manera de llegar al público particularmente del continente americano, muchos empezaron a adentrarse al rock por estos lares gracias a la versión de ésta canción. No hay gente de determinada edad que escuchó rock de los años setenta que no mencione la composición como una de las infaltables para escuchar. Todo un clásico!!!.



La última canción que me gustaría recomendarles aquí es la gloriosa instrumental titulada "Samba Pa Tí" donde nos demuestra en todo su esplendor la maestría con la guitarra que ya nos enseña a un maestro de a misma y no un incipiente músico que apenas despunta entre los demás. Un lujo escuchar toda a pieza y que no te hipnotice con los punteos así como los arreglos con los cuales nos seguimos adentrando a la música afroamericana. Todo un enorme reto superado gracias al aporte de todos los músicos.
Disfruten los links de las piezas que vienen en el álbum amigos y amigas del blog. Feliz viernes.


"Singing Winds, Crying Beast" 1971


"Black Magic Woman" 1971


"Oye como va" 1970


"Samba Pa Ti" 1980

jueves, 9 de abril de 2015

Loquillo & Nu Niles - "Codigo Rocker" (2015)


Soy fan de Loquillo...¿Qué quieren que le haga?, lo soy practicamente desde niño, tengo todos sus discos y le he visto en vivo en multitud de ocasiones, siempre repito con orgullo que estuve en el concierto de Barakaldo cuando se grabó "Hermanos de Sangre"; en el año 2005 le vi tres veces en seis días...¡Bueno, que soy fan de Loquillo!!!
La capacidad del Loco para reinventarse es indudable, su facilidad para seguir a flote por mucho que el oleaje se empeñe en hacer zozobrar las naves cargadas de rockeros es encomiable, siempre está colocado en una posición oportuna, siempre sabe como moverse por ese laberinto que es el mundillo musical y no perderse, nunca desorientarse y encontrar la salida, y cruzar la puerta con la testa alta y esa media sonrisa que solo portan los que saben que siempre terminan saliéndose con la suya.
Siempre dando un paso mas, poniendo sobre el tapete un nuevo fajo de propuestas que le hagan ganar una nueva mano, colaboraciones siempre importantes, introducciones literarias acertadas, incursiones mas que honrosas en el jazz, el swing o la poesía recitada al ritmo de la guitarra de Sopeña...Directos sudorosos repletos de keroseno sonoro en base a rockeras acometidas eléctricas, pose impertérrita, actitud indomable...un rocker de postín.


Por eso me extraño que decidiera desandar lo andado para volver a sus orígenes, al rockabilly mas enraizado en la juventud que vio nacer al Loco como artista, me resulto raro que quisiera revisitar temas que hacía años que no entregaba en vivo para desnudarlos y dejarlos como El Rock les trajo al mundo, no me esperaba que decidiera volver al Big Bang.

Pero lo ha hecho, y lo ha hecho bien, siguiendo el código que siempre ha sido santo y seña del barcelonés, el "Codigo Rocker", perfecto título para este álbum que ha fabricado con la compañía de los resucitados: Nu Niles, tremendo trío rockabilly formado por el inconmensurable guitarrista: Mario Cobo, el contrabajista: Ivan Kovacevic y el arrítmico baterista: Blas Picón. Además ponen su arte a disposición de los temas rejuvenecidos por el rock tipos como: Dani Nel-Lo con sus saxos en: "Billy La Rocca", impresionante cover del tema ya aparecido en formato orquestal y cabaretero en: "Nueve Tragos" (1999) y "Piratas", tremebunda versión swinguera de un tema mágico que el Loco ignoraba en vivo hace años, y que aquí suena a cincuenta, con el mencionado saxo y unos coros a cargo de: Velvet Candles que son puro Mississippi, estupenda y primer single del disco.



Jorge Rebenaque golpea las teclas de su `piano en la fantástica versión del antiguo rock teñido de punk de aquellos inicios con Intocables, y que se titula: "Eres un Rocker", que aquí suena de miedo.
Exactamente igual que hace en el mítico himno de Sonny Curtis: "I Fought The Law" que ya versionara el loco en: "Arte y Ensayo" (2004)  y en el citado bolo de Barakaldo, nuevamente suciedad sónica y desprecio vocal, amén del piano agresivo de Rebenaque, otra extraordinaria versión que no difiere, en este caso, demasiado de la ya mencionada en el disco de 2004.
Nuria Luiz pone su voz en la luminosa versión del tema del 83: "Vaqueros del Espacio", anfetamínico rockabilly de genuino texto, mientras el ex de Mas Birras y La Tercera República Josu García golpea el vibráfono en el cover de la jazzera y cinéfila: "La Rubia de Hitch" que apareciera en "Nueve Tragos", álbum no demasiado recordado y que aquí se reivindica con dos temas extraídos del mismo. También colabora el Gipuzkoano poniendo su bajo al servicio la excelente revisión que del clásico de Marshall Crenshaw"Someday, Someway" graban bajo adaptación de Mario Cobo y Marco Antonio Lopez Vilaplana, rebautizada como: "En Cualquier Momento", justo es destacar también la labor de Josu Garcia en la excelente y apropiada producción del Lp, tarea que realiza junto al guitarrista de Nu Niles: Mario Cobo.



También el Troglodita: Igor Pascual pone sus cuerdas vocales para nutrir los coros de diversos temas.
Además el tracklist lo completa "El Tren de la Costa", versión del tema "Train Kept a Rollin", tema que nació como un jazz fruto de la inspiración de: Tiny Bradshaw, Howard Kay y Lois Mann, luego reconvertido en rock & roll que lució en discos de: The Yardbirds o Aerosmith entre otros y que en su traducción española ha sido llevada interpretada por Los Sirex o Los Enemigos, ahora Loquillo hace total justicia a tamaña pieza en clave rockabillesca y refrescante, pero poderosa, excelente de verdad.



Rítmica visión en clave mas sucia y garajera que la original del clásico: "Quiero un Camión" y orientación rockera y cincuentera del olvidado tema de influencia francesa: "Channel, Cocaína y Don Perignon", otro temazo del Loco de los ochenta que hacía años que no le oíamos cantar.
El que nació como tema folk de romántico aroma juvenil: "Tatuados" es llevado a terrenos mas glamourosos y sureños a ritmo de country tabernario con óptimos resultados en este "Código Rocker".
Completan este reconstituyente álbum dos temas que cierran ambas caras del vinilo, por un lado un temazo de Nu Niles titulado: "El Crujir de tus Rodillas", rockabilly del bueno facturado en castellano y la que cierra disco: "Political Incorrectiness", texto de Luis Alberto de Cuenca y música de Gabriel Sopeña, y que sirvió para lanzar el discutido: "Su Nombre era el de Todas las Mujeres" (2011) y que a un servidor gusta mas en la presente grabación.



Portada y contra-portada cincuentera, preciosa y cinematográfica, con irresistible aire vintage yanky, funda interior superchula, con fotos en blanco y negro estupendas.
Paseo por el pasado, por los tiempos de aprendizaje en esto del rock, miradas a Stray Cats y a la revuelta rockabilly ochentera, a las faldas de las Peggy Sues de los cincuenta y a los origenes de todo este invento que es el rock and roll, paseo soleado, refrescante y sumamente plácido a pesar de algún que otro latigazo de vitalidad sónica y rítmica...¿Sabéis qué???...Me gusta el nuevo disco de Loquillo con Nu Niles.

viernes, 3 de abril de 2015

Joan Jett & The Blackhearts "I Love Rock N Roll" (Epic, 1981)


Viendo la excelente entrada de la bella Pat Benatar en las anteriores entradas por miembros destacados de la comunidad recordé a otra bella de la época de Lita Ford y que merece la pena ponerla en detalle para conocer un poco más de ella. Me refiero a una de las fundadoras de THE RUNAWAYS y que fue emblema desde finales de la década de los '70s y a principios de los '80s como solista con su banda THE BLACKHEARTS: la emblemática JOAN JETT

Joan Jett es de aquellas mujeres guerreras que se abrieron paso en una década donde se hizo presente la continuación de las mujeres rockeras que nos habían legado la época de los '60s. En la siguiente década a Woodstock nos situamos con su banda de su etapa juvenil The Runaways la cual junto a sus compañeras Sandy West (Baterista), Micki Steele (que más tarde fue sustituida), Jackie Fox, Lita Ford y Cherie Currie dieron de que hablar. Joan cantaba, tocaba la guitarra rítmica y escribía mucho material de la banda. La banda grabó cinco LP e hizo giras por el mundo entero junto con Cheap Trick, Van Halen, Ramones o Tom Petty & The Heartbreakers. Tuvieron especial éxito en Japón ni más ni menos. Incluso hay una película biográfica en el 2010 con la celebre Kristen Stewart en el papel de la mítica cantante y compositora. Además participan otras reconocidas artistas juveniles rememorando un parte biográfica de la mítica banda.

Pero nos ocupamos de su carrera en solitario de la rockera quien a partir de 1979 formó su propia agrupación con la asistencia del productor y compositor Kenny Laguna, Jett formó a The Blackhearts. La banda fue creada a comienzos de la década de los 80's; además de la cantante y guitarrista la banda estaba integrada por Ricky Byrd (Guitarra y segunda voz), Gary Ryan (Bajo y segunda voz), Lee Crystal (en la batería) y en un principio Eric Ambel (quien fue reemplazado por Byrd). Con Byrd en la guitarra, la banda continuo como "Joan Jett and The Blackhearts" y grabaron su exitoso álbum "I Love Rock N' Roll" del cual nos ocupamos hoy. 


El track list fue el siguiente: 
LADO A:
"I Love Rock'n'Roll" 
"(I'm Gonna) Run Away" 
"Love Is Pain" (Jett) 
"Nag" 
"Crimson and Clover"
"Victim of Circumstance" (Jett, Kenny Laguna) 

LADO B:
"Bits and Pieces" 
"Be Straight" (Jett, Greg Kihn, Kenny Laguna)
"You're Too Possessive" (Jett) - 
"Little Drummer Boy" 
"Oh Woe Is Me"
"You Don't Know What You've Got" (en vivo)


Sin duda alguna que después de su notorio debut por parte de la cantante Joan Jett titulado de manera homónima para la cantante, éste representa álbum lo mismo con ésta agrupación The Blackhearts ya que fue la primera grabación donde se reunieron por primera vez en un estudio junto al productor Kenny Laguna amigo personal de la compositora.

El disco es una excelente combinación de actitud contestataria con sonidos de Hard Rock y Punk Rock de los años '70s. Todas las canciones coinciden en los típicos temas del rock como lo es el desamor, los vicios como el alcohol y las drogas, la vida fiestera de los adolescentes de cualquier época, así como otras problemáticas de la juventud. 

Desde la inicial "I Love Rock N Roll" sabemos que nos adentramos a un clásico del rock de esos temas que serían recordados por mucho tiempo, sobre todo por la actitud de la cantante que se escucha en la tonada de su voz, todo el carácter desafiante de las letras con una excelente producción que hasta vídeo incluido nos demuestran que su irrupción en la música con The Runaways no era casualidad el éxito obtenido en otros países menos en la unión americana. Estaba lista para conquistarlos



"(I'm Gonna) Run Away" una estupenda canción con todo el sentimiento de la cantante rindiendo un pequeño homenaje a su antigua agrupación, la producción es de lujo porque nos permite escuchar perfectamente a la cantante junto a resto del grupo en éste tema fiestero un digno homenaje a lo que conocemos como "Hard Rock". 

Me imagino que la incursión de "Love Is Pain" se debe a lo problemas amorosos que muy poco se cree saber pero en realidad son un secreto a voces, lo que aquí cuenta es que encajaba perfectamente el tema con el resto del disco. Uno de los temas que más disfrutan los fans de Joan así como las adolescentes de tiempos más recientes que han conocido su música. Impresionante la cantante con sus letras, adornada con su poderosa voz y las guitarras. 

Finalmente podría recomendarles el gran cover "Crimson And Clover" que fue lanzado como single en ese año también y que funcionó muy bien en ventas por la gran calidad interpretativa a ésta balada rock muy bien elaborada para la ocasión, excelente arreglo de las guitarras tanto acústicas como rítmicas. Poderosa voz acompaña toda la pieza desde el inicio hasta el final de la composición. 


Sin duda alguna que nos ponemos en empatía para entender que la cantante ya había aprendido de su experiencia juvenil con The Runaways en cuanto a las composiciones musicales y de lo que funcionaba para la audiencia en esa época, el disco fue lanzado en diciembre de 1981 por la disquera Epicla cual según información de diversos medios ha vendido millones de copias alrededor del mundo desde su publicación. Vaya un homenaje para un logro personal de la cantante que recordamos con mucho gusto hoy.


Joan Jett & The Blackhearts "I Love Rock N Roll"


"(I´m gonna) run away" en vivo 1982


"Love Is Pain"


"Crimson & Clover"

Buen fin de semana amigos y amigas del blog.