viernes, 17 de octubre de 2014

Motörhead "Iron Fist" (1982)



Este vinilo es de aquellos que cuando los vislumbras en el aparador de la tienda de discos los demás vinilos desaparecen como por arte de magia y sólo tienes ojos para aquel vinilo que te ha enganchado porque sabes que es de los emblemáticos de la historia, sean del género musical que sean. Aunque aquí vamos tiene mucho que ver los gustos musicales, pero hablando en lo particular si me hablas de Heavy Metal pongo igual de atención que ante una explicación de cálculo integral en la escuela. Así que para todo hay tiempo amigos y es el momento de presumirles este trabajo de la memorable y emblemática banda británica Motörhead y su quinto disco llamado "Iron Fist" que salió a la venta un 17 de abril de 1982. 

La edición que conseguí fue la que publicó la label Bronze Records quienes fueron los encargados de editarla para su distribución mundial, porque para los Estados Unidos la label que la distribuyó fue la Mercury Records, pero bueno es una excelente edición que pude conseguir lo cual agradezco bastante. El trabajo viene con 12 piezas de lo mejor del Heavy Metal británico de aquellos tiempos, cuando de igual manera ese mismo año serían presentados sendos trabajos por las leyendas Judas Priest y Iron Maiden, hablamos de 1982 amigos. Sin duda que este trabajo es de lo mejor de aquel año y de la historia del metal contemporáneo. Así pues el vinilo se divide con los lados A donde se encuentran buenas canciones de la banda y muy memorables como por ejemplo la inicial titulada como el nombre del álbum "Iron Fist" un verdadero puño de hierro azotando tu rostro cunado escuchas esta pieza, una vez más vuelvo a recalcar el sonido que te atrapa gracias al formato análogo del trabajo, en verdad la grabación en vinilo capta la esencia de la banda desde el inicio, esta canción fue publicada como un adelanto mediante un single publicado el 3 de abril de 1982, llegando a ocupar el puesto 29 de la lista de sencillos del país británico. Creo que mucho más que en formato CD. Pero bueno es un punto de vista. El resto de ese lado lo componen las piezas "Heart Of Stone", "I´am The Doctor", "Go To Hell", "Loser" y "Sex & Outrage" haciendo un total de 6 canciones de pura furia en sonido de puro "Rock N Roll" como le gusta llamar a Lemmy Kilmister a su estilo. 

Edición de la Bronze Records.
El lado B se compone de las canciones  "America", "Shut & Down", "Speedfreak", "(Don't Let 'Em) Grind Ya Down", "(Don't Need) Religion" y "Bang to Rights"; en éstas 12 canciones como podrás notar por los títulos es bastante variada las temáticas que manejó la agrupación británica. Lemmy y sus muchachos le tiran crítica a todo y contra todos. Están presentes las letras que tanto critican los sectores conservadores de la sociedad como lo son las políticas de los gobiernos poderosos("America"), las creencias religiosas("Don´t Need, Religion"), las referencias a las sustancias consideradas ilegales, las anécdotas y situaciones personales de algunos miembros de la banda("Loser"), así como las proclamaciones por la lucha de los derechos y garantías individuales("Bang To Rights") y la crítica de la banda a la sociedad conservadora y que tanto criticaba a las agrupaciones como los Motörhead ("Go To Hell"). Así de creativos se pusieron esto muchachos con sus composiciones en este trabajo, el cual según los informes de la época llegó al puesto No. 6 de las listas británicas.



Éste trabajo fue el último trabajo donde participaron como trío "Fast" Eddie Clarke en las guitarras, Phil "Philty Animal" Taylor en la batería y por supuesto Ian "Lemmy" Kilmister en el bajo y en las voces; como productor fungió Evil Red Neck (Will Reid) junto a Clarke como co-productor, como ingeniero contaron con Charles Harrowell quien se encargo de reflejar lo que el nombre del álbum indicaba con el potente sonido ecualizado para todos los instrumentos de la banda. Lemmy y sus muchachos nos regalaron uno de los mejores trabajos del Heavy Metal británico de la historia en mi opinión, sin duda que los Motörhead venían con todas las ganas de comerse al mundo con su quinta publicación. Y vaya que lo hicieron!!!!!.

Phil "Animal" Taylor, Eddie Clarke y Lemmy Kilmister, el line up de 1982 que grabó "Iron Fist"


Los poco más de 36 minutos de duración de este trabajo nos demuestra que mientras exista calidad y talento en una agrupación podrán ser más o menos de una hora de grabación pero con composiciones excelsas en el trabajo harán de ella una "masterpiece", como es el caso de éste álbum. Como siempre en cada grabación los Motörhead dejan himnos que siempre recuerda uno y en este caso les presento 3 canciones de los cuales aún son verdaderos referentes de la banda y de la historia del Heavy Metal.

Contraportada del disco "Iron Fist" edición de la Bronze Records.


En primer lugar tenemos como ya habíamos mencionado líneas arriba la que da título al disco "Iron Fist" con esa intro de rasgueos de la poderosa Rickenbaker de Lemmy para dar paso a la velocidad con las guitarras de Clarke así los golpes secos y contundentes de Taylor, esto es 100% Motörhead en toda la extensión de la palabra con el estilo veloz del bajo y los "punteos" de guitarras acompañados de la batería. Un absoluto disfrute.



Motörhead "Iron Fist"

La siguiente canción es la titulada "Go To Hell" donde plasman ese feeling en las guitarras y bajo para dar paso a una pieza muy disfrutable de lo que llamamos Heavy Metal con todo el insano estilo de Lemmy y sus muchachos, le cantan a la sociedad que los tacha de innumerables calificativos los cuales el grupo se los toma en tono de sarcasmo y de esa manera compusieron ésta canción que no deja indiferente a nadie, que hasta ganas de volverla a "pinchar" le dan a uno.


Motörhead "Go To Hell"

Una última recomendación es la titulada "Shut It Down" con ese ritmo fiestero de la guitarra de auténtica evocación al glorioso Rock N Roll; una pieza con buen feeling desde el principio tanto que es de las canciones que no quieres que acaben por el absoluto disfrute al cual te lleva, me fascina el estilo de la guitarra de Clarke con el cual notarás que has adquirido una verdadera joya del heavy metal británico y del mundo. Te invito a que le des una escucha para que sepas de lo que hablamos en estas líneas.


Motörhead "Shut It Down"

Espero que ésta reseña te anime a buscar y conseguir este trabajo de la emblemática banda británica en formato vinilo para una experiencia auditiva irrepetible, que el heavy metal te brinde un buen fin de semana amigo(a). Que más quieres si de diversión se trata Lemmy Kilmister y sus muchachos saben como animarte. 

Hasta la próxima semana.
ANTON





















KISS - Hot in the shade (PolyGram, 1989)


Sinceramente, hoy tenía preparado otro vinilo que nada tiene que ver con el universo KISS, pero al leer que hoy se cumplía el 25 aniversario de la publicación de Hot in the shade... no he podido resistirlo. 

Muchos de los álbumes de KISS de la década de los ochenta han pasado por aquí, con sus cosas buenas y sus cosas malas. Lo único incontestable fueron las ventas y la popularidad de la banda, que mantenía largas giras por Estados Unidos con llenos en pabellones y despachaban el millón largo de copias de lo que editaran. Al final de los ochenta renovaron su contrato discográfico con PolyGram y era imprescindible sacar un disco sí o sí, por lo que en el verano de 1989 Gene Simmons (voz y bajo) y Paul Stanley (voz y guitarra) se metieron en los estudios The Fortress (California, Estados Unidos) a grabar canciones. El estudio no era más que un espacio donde Gene solía grabar maquetas con los grupos de su filial (Simmons Records), y así se lo tomó el gupo.

Enlataron en un 24 pistas todo lo que tenían.

El presupuesto era reducido, no sabían a quién llamar como productor y las canciones no funcionaban bien. Gene y Paul trabajaban por separado llamando a Eric Carr (batería y voz) y a Bruce Kulick (guitarra) cuando los necesitaban. Por los estudios se pasaron también músicos amigos como Tommy Thayer (hoy guitarrista de Kiss) o Kevin Valentine (batería, con el que contarían en discos posteriores), siguiendo con la tradición en el grupo de meter músicos a sueldo sin acreditarlos.

Llamaron a Vini Poncia (responsable de los álbumes Dynasty y Unmasked) para que les ayudara. Al final el bueno de Vini no fue acreditado como tal, pero le reservaron una"special thanks". Colaboró en la composición (rehízo, básicamente) cinco canciones, por las que sí recibió crédito. 

Además de Poncia, echaron una mano en la composición varios "amigos" de la banda. El más sonado, Michael Bolton, quien con Paul pergeñó el segundo single del álbum, la balada Forever. Tommy Thayer ayudó a Gene a terminar dos temas (Betrayed y The street giveth and the street taketh away). El habitual Desmond Child deja su impronta en Hide your heart y  You love me to hate you y el por entonces de moda Bob Halligan Jr. les regaló Rise to it y Read my body. Bruce Kulick pincha en dos y Eric Carr se lanza con su primera y única canción como solista, compuesta a pachas con Gene y Adam Mitchell.

Al final del verano se encontraron con un montón de maquetas, sin presupuesto y sin productor, por lo que decidieron encargar una mezcla de las quince demos terminadas a Dave Whitman. El resultado satisfizo a la banda y acabó siendo Hot in the shade. El sonido final no agradó a la compañía que se preocupó de remezclar los singles, en especial Forever, que encargó a Steve Thomson y Michael Barbiero.

Como resultado de todo esto, y la dudosa portada (idea de Eric Carr), se convirtió en el disco menos vendido desde "The Elder". Editaron tres singles: Forever (único en llegar al top 10), Rise to it y Hide your heart.

Aparte de estas tres, pocos temas hay rescatables. Silver spoon, Betrayed, Prisoner of love o Love's a slap in the face, todas en la cara A. La cara B se atraganta un poco, aunque Little Caesar (con Eric a la voz) y The street giveth and the street taketh away están bastante bien.

El vinilo de hoy es la edición española de la época imprimida en Alemania (por eso no tiene las dos SS del rayo). Trae las letras y una curiosa nota sobre el SIDA y cómo evitar contagiarse.

Disfrutad el fin de semana.

Kiss - Forever

Kiss - Hide your heart

Kiss - Rise to it 

Kiss - Silver spoon



Crom - Steel for an age (1987 – Snif)




Tan solo un par de meses después de que los vallecanos MURO aceleraran el heavy metal español con su primer álbum Acero y sangre, unos cientos de kilómetros más al norte, unos chavales pucelanos que se hacen llamar CROM, como el dios creado por Robert Ervin Howard, se marcan otro álbum mítico Steel for an age, con la novedad de escoger el inglés como idioma vehicular con la clara pretensión de descargar su música e imagen a través de Europa y América.

El joven cuarteto estaba formado desde 1983 por Denis Escuredo y Miguel Ángel Sotorrinos a las guitarras, Gabriel Navarrete a la batería y Luis Gadea al bajo y como cantante.

Banda autodidacta, su primera oportunidad les llega en 1986 con su inclusión en Estandar Oil, un colectivo local que pretendía dar a conocer las bandas de los más variados estilos que existían en ese momento en Valladolid y que venían a constituir la “Movida pucelana”: Los Nadie, Automáticos, Exit, Bumpers, Bit 32, Qloaca Letal, Inalterables, Objetivo Perdido y Crónica Negra. Ello les permite actuar en varios conciertos, aparecer en televisión (os pongo abajo su actuación) e incluir dos temas en el recopilatorio titulado Cuántos sonidos caben en una ciudad: “Exodus” y “Mirror’s tale”.




Poco después, también tiran de maquetas para darse a conocer ofreciendo a la peña cuatro temas más: “The fallen angel”, “Sword’s legens”, “Nails reds” y “Nocturnal passages”.

A pesar de la floja producción, el bolsillo solo dio para un estudio de 16 pistas en La Factoría bajo la supervisión de Julio Castejón que también les proporcionó algunos teclados, Steel for an age es un gran trabajo. De alguna manera banda y temas encajan a la perfección. Cada uno de los componentes se esfuerzan individualmente y funcionan como grupo en la ejecución vertiginosa de unos temas trabajados, contundentes, con constantes cambios de ritmo y acertadamente seleccionados, creando una obra conceptual que se desarrolla en una atmósfera sonora decadente y misteriosa, acentuada por una gran voz, que viene al dedo con los textos medievales de acero, reinos, tronos, fuerza, guerreros, batallas, odio, venganza, damas o magos, que ya se van intuyendo al contemplar su portada (Alicia Ruano), el texto de la contraportada y en toda la tipografía utilizada en la carpeta, y en el propio logo de la banda (David Gadea).




Tras la introducción con un tenebroso narrador al más puro estilo Maiden con fondo de sonidos metálicos y voces de damas, corre veloz “Covered by glory” uno de los temas más notables del trabajo, donde destacan el bajo y un par de batallas de guitarras. Es este tema un claro ejemplo de lo que va a ser por lo general todas las canciones. “Final warning” “King of Kings” siguen la misma línea, dejándose notar con contundencia la batería en el primero, siendo el segundo el más épico de todos. Con “Galadriel” llegamos para mí al momento más brillante del vinilo, tanto como la doncella de la que habla. Más de seis minutos para disfrutar de principio a fin, que empieza lento y acústico, estallando durísimo y eléctrico hasta relajarse de nuevo y volver a acelerarse, creando un atmósfera que me recuerda a los Mercyful Fate, una de las fuentes, junto con Iron Maiden, Metallica, Black Sabbath o Manowar, en las que han bebido los de Valladolid. Sin duda uno de los mejores temas de la carrera de CROM y si me apuráis de lo mejorcito del metal español, lástima del sonido.  




Nada más darle la vuelta al vinilo asoman los temas más acelerados y potentes. “Mirrors tale”, “Song of victory” y “Mother loneliness”, no te dejaran indiferente, sobre todo el primero donde doblan afiladas las guitarras. En los dos siguientes suena poderosa la voz de Luis y por primera vez en el disco nos encontramos excelentes estribillos y coros, pero ojo nada simples ni pegadizos. Pone broche de oro con uno de los más cañeros y guitarreros “The juzgement bell” . 




En resumen, un trabajo de alta calidad, uno de los mejores discos que ha dado del metal nacional, donde las historias de corte medieval y épico se desarrollan entre sonidos que van del heavy más tradicional, al speed, pasando por el thrash e incluso con toques power. Uno de mis discos de cabecera que guardo como oro en paño y que sin no lo conocéis espero os guste.

En 1990 los CROM se separan no sin antes dejarnos Wasteland otro extraordinario trabajo que con toda seguridad otro día se dejará caer por el barrio. De lo que fue de sus componentes, lo único que sé es que Luis Gadea siguen en activo tocando en una banda californiana de metal de nombre Hollowshell que acaba de estrenar un tema adelanto de su nuevo álbum.

Salud y R&R amig@s.



Cara A:
1. Introducción
2. Covered by glory
3. Final warning
4. King of kings
5. Galadriel

Cara B:
7. Mirrors tale
8. Songs of victory
9. Mother loneliness
10. The judgement bell


Final Warning


King of Kings



Galadriel


Álbum completo

Tino Casal - "Etiqueta Negra" (1983).


A muchos les extrañara ver este vinilo hoy aquí, y es posible que a alguno le provoque mas extrañeza aún si cabe la siguiente declaración: este vinilo lo tengo como una de las joyas de mi colección...
Y es que en este artefacto sonoro se concentra toda la brujería de metacrilato y PVC que caracterizaba al asturiano y que hizo de él, el exclusivo y personal artista que sin duda fue.
Tino Casal era cantante, excelente, dotado de una voz elástica y ácida, perfecta para elevar el tono metafísico de sus textos a la promiscuidad estética digna del funky, estilo que corría por las venas de Casal y volaba, escondido en otros estilos mas contemporáneos con el momento en que fue grabado, también por este "Etiqueta Negra". Pero además era compositor, estilista y diseñador de moda, pintor, decorador y escultor...y productor, un buen productor que lanzó al éxito a grupos como los valencianos de fugaz paso por el mundillo: Vídeo y Obús a los que produjo sus dos primeros Lps "Prepárate" (1981) y "Poderoso como el Trueno" (1982).


Tras unos primeros escarceos en el mundo del arte, con segundo premio en el festival de Benidorm en 1978 y militancia en la olvidada banda Los Archiduques, graba sus primeros sencillos que pasan desapercibidos. Decide pasar una temporada en Londres dedicándose a la pintura, otra de sus pasiones y conoce allí las tendencias Glam, que serían decisivas en su carrera y también en su particular e impactante imagen, y la música de David Bowie, quien fue una indiscutible influencia en él.


Finalmente en 1981 llega su primer disco en solitario: "Neocasal", que si bien en su momento pasó bastante desapercibido, años después sería re-descubierto como un interesante y novedoso concepto musical de notable calidad artística.
Pero fue con su segundo trabajo, este "Etiqueta Negra" (1983) cuando Casal se convierte en estrella. Con producción de Julian Ruiz y composición de Tino en todos los temas, este disco se convierte, gracias al hit: "Embrujada" en un número uno que eleva al asturiano a la categoría de icono y superstar multivendedora, además de referencia indiscutible de los ochenta y del tecno que los caracterizo.



Pero en este álbum no solo nos encontramos el discotequero y sugerente "Embrujada", hay un ramillete de canciones que a muchos sorprenderá comprobar, si deciden pinchar el disco, que mantienen una vigencia sónica absoluta y que en modo alguno son temas de medio pelo y reproducidos con el artificial soniquete mecanizado propio de la época, en absoluto, se trata de temas maduros, con sugerentes y metafísicas letras, poéticas y nada desfasadas, con un lenguaje osado y selecto que resultan atractivas, y construcciones melódicas redondas y de fácil transito, inspiradas y fluidas.


El sonido combina de forma seria y elegante el tecno con el funky, el glam con el pop e incluso nos encontramos guiños a sonidos de inspiración africana que conviven con discotequeros teclados muy ochenteros como en: "African Chic".
Pero antes de este curioso corte ya hemos escuchado en esta primera cara la también exitosa: "Poker Para un Perdedor", tema tecno de desamor y soledad que al que suscribe le gusta hasta la desesperación, por perfecto melódicamente y de triste y poético texto.
"Miedo" que abre el disco es un tema lúgubre, de densa capa sónica, rodeando una melodía gruesa, letra sugerente, y ambiental producción para un tema excelente que nos da la bienvenida escondido en las sombras.




Completa la primera cara "Etiqueta Negra", rápida y bailable, tecno de calidad (que lo hubo), en grado sumo.
No voy a negar que la segunda cara baja la calidad, pero consta de un tema grandioso: "Un Mínuto Mas", balada dolorosa y de atosigante letra, bella y fría, cantada con pasión e intención, se trata de un tema impoluto que se acerca a texturas rockeras, se enlaza con la que finiquita el disco: el instrumental "Malaria".
Excesiva y cibernética "Los Pájaros" abre la segunda cara de forma mas tecno, voces pasadas por la electrónica y saturada de sintetizadores, olvidable.
Funky y ganas de bailar para la estupenda y arrítmica: "Legal, Ilegal" dotada de cítricos teclados y concluimos este repaso con "Azucar Moreno", ochentero momento, canción muy balsámica en su concepción sónica y algo excesivo en su funky electrónico y plastificado.



Histórico disco del pop que vivía en vecindad con la movida sin llegar a pertenecer a ella, que supuso un éxito para el tristemente desaparecido Tino Casal, figura barroca, intrépido en su oferta y polémico en su modo de vida y de crear arte, siempre me gustó y me sigue gustando, y de hecho, insisto, este disco lo tengo en un especial afecto, la casette fue una de las primeras que compre en mi vida y los recuerdos se mezclan con los sonidos cada vez que pincho este vinilo histórico y hermoso.


Este artículo esta dedicado a mis hermanos Ana y Arthur que hoy han tenido a bien de traernos un nieto a los aitas y un sobrino a quien suscribe, además de un tesoro para ellos y una nueva oportunidad para el mundo, pues todo ser humano que se incorpora a este transcurso vital es susceptible de generar esperanza en un futuro mejor, Ian, es fruto del amor y la vida y es por ello que no tengo duda de que será un ser especial, como lo son también sus padres, va por ellos tres.

viernes, 10 de octubre de 2014

Sharon Jones & The Dap-Kings "Give The People What They Want" (2014)


No hay duda de que Sharon Jones ha sido siempre una luchadora. Ha trabajado duro para hacerse un merecido hueco en una escena Soul revival a menudo repleta de pseudo divas prefabricadas cantando temas clónicos y vacuos de consumo rápido. 

En palabras de la propia Sharon «el problema es que era demasiado fea y gorda para entrar en los estándares del mercado» pero ella ha triunfado por méritos propios, sin necesidad de adaptarse a una anquilosada industria musical: simplemente se ha hecho respetar. Y eso tiene mucho mérito.
 El año pasado se enfrentó a una de las peores enfermedades que cualquiera pueda imaginar: un cáncer de páncreas del que, parece ser y esperemos, ha salido triunfadora. Para celebrarlo publicó a principios de este año su sexto disco junto a sus inseparables Dap-KingsGive The People What They Want.

707 – Mega Force (1982)


Amigos, en 1987, Ace Frehley edita con el sello Megaforce el segundo álbum de su banda, en la que encontramos a Tod Howarth a cargo de voces, teclados y guitarras. En 1982, Tod Howarth estaba en la banda 707 y editaba su tercer álbum, Mega Force. Casualidades del mundo de la música. Por cierto, que el tema título del álbum que os presento fue grabado también con el nombre de Calling to you y la letra cambiada en el mencionado álbum de los Frehley’s Comet que ya os comenté aquí

Pero sigamos con el vinilo que hoy nos ocupa, otra de mis recientes adquisiciones al vinyl dealer barcelonés que todos conocemos. Los 707 eran una banda norteamericana que habían iniciado su andadura en Casablanca records –los descubridores de Kiss- con un line up inicial compuesto por Phil Bryant al bajo y voces, Jim McClarty a la batería, Kevin Russell a la voz y guitarras y Duke McFadden a los teclados, a los que se añadiría Kevin Chalfant como vocalista principal. Después de grabar lo que tenía que convertirse en su tercer álbum –que se quedó en un cajón- y el abandono de McFadden, ficharon por Boardwalk records y reclutaron a Tod Howarth, cantante, teclista y guitarrista que se había hecho un nombre como músico de sesión y directos. El resultado fue Mega Force, tercer disco oficial de los 707 grabado en The record plant y producido por Kevin Russell y George Tutko. Hay que decir que Keith Olsen produjo el tema título, que aparece en los créditos finales de la película del mismo nombre. 


En la cara A encontramos la típicamente ochentera Mega Force, seguida por Can’t hold back, más rockera que la anterior pero con coros a lo Damn Yankees o Journey –de hecho, Chalfant se reunió a mediados de los 90 con Schon y Cain que consideraron hacerle miembro de la banda, idea que se fue al traste con el regreso a Journey de Steve Perry- y predominio de teclados. Get to you es otro estupendo hard-rock con guitarras, más cruda que la anterior, no tan AOR. Claro que para melodías ya tenemos a la bonita Out of the dark, el típico AOR ochentero radiable. Con Hell or high water regresa el tono de hard rock a esta primera cara, poniendo el punto final a la misma. 


Ya en la cara B, We will last nos recuerda a Journey y Night Ranger y es un perfecto exponente de AOR típico ochentero aunque me parece demasiado corta y –en mi humilde opinión de aficionado- creo que de haberse desarrollado un poco más se hubiese podido convertir en el baladón del disco. Hello girl es más rock melódico de calidad y Write again lo mismo, buenas voces, melodías facilonas y solos rockeros. En realidad -exceptuando el primer tema-, esta cara que se completa con No better feeling y Heartbeat está más caracterizada por un hard-rock mainstream típicamente americano que por el AOR melífluo. En fin amigos, otra oportunidad para recordar o descubrir un grupo de calidad en el mejor formato posible. A modo ilustrativo, os adjunto las grabaciones de Mega Force, Out of the dark y We will last




Y como bonus, la versión que de la primera realizó Ace Frehley, quien aprovechó para variar partes de la letra con el fin de aparecer como coautor de la canción y llevarse un pellizco de los royalties que pudiese generar. 


¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

Zenith – Dama del amanecer (1989 – AVC)



Hace un par de semanas pasó por el blog DESIRE, banda de rock melódico de la ciudad de Tarragona. Entonces recordé que también tenía un vinilo de otro desconocido grupo tarraconense de la misma época, sonido parecido y que hoy también es un disco muy buscado.




Se trata de Dama del amanecer de ZENITH, banda de Tortosa formada por Salva Bel (batería), Pablo Castro (bajo), Rafael Llebaria (teclados), Xoco Aixala (guitarra) y Jesús Zaragoza (voz). Ojo, no hay que confundirla con la alemana de heavy metal con el mismo nombre que en 1986 había firmado su único disco de título Prisioner.

A comienzos de 1989 la banda se fue a la localidad madrileña de El Molar a grabar Dama del amanecer su primer y único trabajo discográfico. En concreto a los estudios La Factoría de Julio Castejón, quién no necesita más presentación. El resultado, nueve temas ejecutados a un ritmo tranquilo, con abundantes teclados, cortados todos por el mismo patrón melódico: introducción de teclados al que siguen los primeros toques de baquetas que dan pie al bajo, guitarra y a la inconfundible voz de Jesús Zaragoza. Estribillos pegadizos y solo de guitarra a mitad del tema o dando finiquito al mismo. Sólo tres de los temas se salta el guion: “Dímelo” pasa por acelerarse algo más que el resto, “Hacia el fin” en lugar de comenzar con teclados lo hace con coros y “Pincellades acustiques” que constituye la única balada del trabajo y el único tema cantado en catalán.  


 

 


Como curiosidad comentaros que el orden de los temas indicados en la contraportada no corresponde con los mostrados en las etiquetas de cada una de las caras del vinilo, siendo el orden correcto el que aparece en estas últimas: 

Cara A:
1. Loco por vivir
2. Tela de araña
3. Dama del amanecer
4. Hacia el fin

Cara B:
5. Estoy aquí
6. Sé muy bien
7. Solo somos una banda de Rock & Roll
8. Dímelo
9. Pincellades acustiques


 



El caso es que entre que eran tiempos difíciles para este tipo de sonidos, que el disco no tuvo una buena acogida y las modestas pretensiones de la banda, reflejadas en el tema “Solo somos una banda de Rock & Roll”, tras un puñado de apariciones teloneando a bandas de más enjundia, nunca más se supo de ZENITH.

Solo somos una banda de Rock & Roll,
no queremos ser geniales,
ni confundir tu opinión,
no queremos que tu creas
que vamos a hacer la revolución.


Hasta la semana que viene. Salud y R&R.










Orphaned Land - All is one (2013)

Saludos amigos del vinilo.



Esta semana, y después de un tiempo sin aparecer por aquí, os traigo uno de los grupos que más gratamente me ha sorprendido en los últimos meses, los israelíes Orphaned Land. No tenía ni idea de la existencia del grupo hasta este mismo año cuando los anunciaron como teloneros de Blind Guardian en sus conciertos en España; recuerdo que llegué a buscarlos en youtube y escuchar una canción suya, pero no les presté más atención. Por suerte, la casualidad o la divina providencia hizo que poco después, en Junio de este mismo año anunciaran un concierto acústico en Castillo de Lorca (Murcia) por el sugerente precio de 5 €. En esta ocasión sí que me preocupé en informarme algo más sobre el grupo y darle un buen repaso a su discografía y a los temas que presumiblemente tocarían en directo. He de reconocer que soy de los que le gusta ir a un concierto con los deberes hechos, por lo tanto durante varios días mi menú musical consistía en desayuno, comida y cena con los israelíes.

Orphaned Land es un grupo de metal progresivo con altas dosis de doom, folk y death metal, pero lo que hace característico a este grupo es la fusión de todos esos estilos con la música oriental. La banda nació en Petah Tikva (Israel) en 1991, quedando en la actualidad solamente dos de sus fundadores Kobi Farhi (cantante) y Uri Zelcha (bajista).


Este All is one es el quinto y último disco publicado por el grupo hasta la fecha, en él se aprecia un cierto cambio de estilo, potenciando más su parte étnica y melódica, quizás en parte, para crear un setlist apropiado para la gran cantidad de conciertos acústicos que han estado realizando en los últimos tiempos. El disco abre con la canción que da nombre al mismo, All is one uno de los temas más metaleros del álbum y el que utilizaron como single acompañado videoclip. Un tema que demuestra nada más comenzar la importancia que otorga el grupo a los sonidos y estética orientales, lo que se nota tanto en la música como en el vídeo.



A partir de este primer tema serán los sonidos orientales y sinfónicos los que destaquen con temas como The Simple ManLet The Truce Be KnownThrough Fire And Water, todos ellos con una magnífica ambientación, y no es para menos, ya que para la grabación del disco se usaron más de 40 músicos de sesión entre coristas e intérpretes de diferentes instrumentos como piano, kanun, viola o violín entre otros. El metal está más presente en temas como Freedom y Our Own Messiah, pero sin dejar de lado el sonido oriental en ningún momento.




El grupo demuestra sus dotes lingüísticas, además de las musicales, en los temas Shama'im y Ya Benaye, cantadas en hebreo y árabe respectivamente. En Fail encontramos el único acercamiento a sus primeros discos, donde las voces guturales tenían gran peso en buena parte de los temas, algo que en este último álbum es casi testimonial. Me recuerda a unos suecos que sacaron disco hace poco...
Para cerrar el disco dejan la magnífica Children, con una letra tan lapidaria como Madre, ¿por qué me has abandonado? Padre, ¿por qué debemos luchar para sobrevivir? ¿Y yo debo crecer para ser como tú?.

Y es que el tema central de todas las letras del disco es la lucha por la paz y por la concordia entre las diferentes religiones. De hecho, la religión siempre ha estado muy presente en todos sus discos.

Para el final he dejado Broher, la tercer corte del álbum y para mí el mejor de todos. Se trata de un medio tiempo donde destacan el piano y los instrumentos de cuerda, así como una magnífica interpretación vocal de Kobi Farhi.



La producción corre a cargo de el propio grupo acompañados de Jens Bogren, productor sueco que ha trabajado con grupos como Opeth, Soilwork, James LaBrie o Kreator; y que ha ayudado al grupo a conseguir un sonido propio y muy atractivo.

El diseño gráfico corre a cargo de la empresa francesa Metastazis que ha hecho portadas para grupos como Behemoth o Morbid Angel. En la portada nos encontramos con una imagen que une los símbolos de las tres grandes religiones: la cruz del cristianismo, la estrella del judaísmo y la media luna del islam; una nueva muestra de su espíritu conciliador.


El álbum viene en formato disco doble con carpeta desplegable, de esas que tanto me gustan. Un diseño sencillo pero elegante, predominando el negro y dorado. Las letras de las canciones las encontramos en las fundas de los vinilos de sobrio color negro con letras también doradas. Los vinilos son de 180 y se escuchan realmente bien.

Un disco, quizás no apto para todos los públicos, pero que es una auténtica joya para quien esté abierto a este tipo de sonidos. Si queréis ver algo más del grupo os recomiendo este directo de 2011 donde hacen un buen repaso a sus disco hasta esa fecha.

Que paséis buen finde! Salud y vinilos!




Elliott Murphy - "Night Lights" (1976).

Me da la sensación, y puede que esto sea solo cosa mía, de que la figura de Elliott Murphy, otrora respetada y mirada con entusiasmo y admiración, se esta viniendo abajo y este prestigio poco a poco va mutando a una especie de menosprecio tímido y medio escondido, como si el artista intelectual y culto de hace unos años se estubiese convirtiendo en un músico mediocre que carece del talento necesario para crear una obra definitiva, un himno inmortal o una composición épica.
Quien fuera alabado por preferir los ropajes humildes de la esencia rockera mas nocturna y callejera de los decadentes cafetines nocturnos parisinos en lugar de los elegantes abrigos armani y las carísimas y brillantes vestimentas con que colaborar al despampanante paisaje de los lujosos clubs neoyorquinos, parece que hoy es considerado como un exiliado de su natal capital del mundo, viéndose obligado a esconder su falta de éxito comercial en un piso de la vieja Europa, alejado de focos y flashes, de alfombras rojas y galas en salones de multiestrellados hoteles, del lujo y status de triunfador.

A este fracaso, antes se le llamaba bohemia y a ese alejamiento voluntario del artificio mediatico personalidad y sinceridad artística...insisto...es solo una impresión que he recibido después de leer algunos artículos que entendí que miraban en esta dirección que no considero en absoluto justa hacia un artista sincero, valiente y honesto como Murphy.
Y es que a pesar de que los últimos trabajos del neoyorquino no son lo mas conseguido de su discografía, en especial el flojo Ep que este 2014 nos sorprendió a todos por lo inesperado y, lo que es peor, por lo mediocre y que se titula: "Intime", aunque entiendo que su anterior trabajo "It Take's a Worried Man" (2013), no estaba nada mal, la discografía del rubio rockero esta tocada con un buen número de discos notables y en algunos casos, como el que hoy nos ocupa, realmente sobresalientes.
Y es que "Night Lights" es un disco, el tercero de su discografía, excelente, nocturno y urbano, dotado su sonido de una luz...como de neón tan artificial como cálida, tan irreal como cotidiana, tan joven como desesperada...
Un álbum que parece pasearse por el lado salvaje de la vida, que parece refugiarse en la semioscuridad de un rincón húmedo y deprimente de algún local nocturno frecuentado por Lou Reed y gente de ese pelaje, que da la sensación de estar concebido entre lágrimas, alcohol y drogas sabiamente combinadas en tragos de amargura y soledad compartida con recuerdos y una guitarra desafinada.
Tóxica poesía en los textos, romanticismo violento y sin piedad en las melodías, rock seco y de lasciva personalidad en el sonido, a pesar de todo, brillante, luminoso, lo dicho, como un neón.
Los temas, todos ellos definitivos, auténticos quejidos de soledad y amargura llena de esperanza comienzan en la estupenda "Diamonds By The Yard", tema que mira a los oscuros y polvorientos poemas del Reed setentero, teclas solemnes y estribillo fiestero, un tema extraño y perfecto.
Seguiré el orden oficial a pesar de que mi vinilo tiene las caras intercambiadas, es decir, los temas que aparecen como cara B, vienen en la etiqueta del disco como A y viceversa.
Un piano jazzero y como de local berlinés de entre guerras nos saluda para la fantástica "Deco Dance", tema de texturas cabareteras que mira al "Hunky Dory" de Bowie, pero con violines.
Como aquel Bowie que cayó del espacio para sumergirse junto a Reed y los suyos en la negrura de la inconsciencia anfetamínica de las noches de excesos y aventuras de autodestrucción de sus primeras POM parece haber sido concebida la triste y decadente "Rich Girls", bella y salvaje.
"Abraham Lincoln Continental" es un rock mucho mas encendido y feliz, guitarras clamando fibra y teclas mas pioneras, un poco de luz natural para variar.


Un video doblete con "Diamonds By The Yard" y "Deco Dance":



Comienza la cara B, (la A en mi ejemplar) con la acústica y stoniana "Isadora's Dancer", preciosa y con una sobrecogedora voz de Elliot.
El segundo tema de esta cara es la mítica "You Never Know What You're in For", imprescindible en sus conciertos, revisitada mil veces por Elliott, siempre bella, siempre oscura y bohemia, siempre como un canto de sirenas, peligrosa, atrayente y envolvente, te oprime y derrite, una obra maestra de muchos cojones señores.


Una dosis de glamour y estilo, de dorados y maderas nobles donde en temas precedentes había plomo y plástico, nuevamente los stones se asoman al desquiciado abismo del fondo de la extraordinaria "Lady Spilletto", y no podía ser de otra manera estando dedicada a la gran Patti Smith.

Otro doblete, ahora con "Isadora's Dancer" y "You Never Know What You're in For":



Y "Lady Spilletto" en homenaje a Patti Smith:



Mas ágil, jugetona y multicolor, con esas teclas que la hacen inmortal por divertida y deseable, por disfrutable y desenfadada, otro respiro al humo y polvo de la oscuridad del lado salvaje, hablamos de "Looking For a Hero".
Tristeza para el final, porque el final de una obra maestra como lo es este disco solo puede ser triste, la encargada de hacer de pañuelo es la radiante "Never As Old As You", y hace bien su papel, porque este temazo es terapéutico y mezcla en su píldora anti-tristezas a los Stones con Bob y los hace bailar al ritmo de los días felices de los veranos de nuestras infancias, así pues, final feliz.
Lp que sugiero escuchar a los que ponen en duda el talento y clase de un artista como Elliott, un tipo digno, sincero y capaz, que lo fué, de facturar maravillas como este vinilo que engrandece mi colección.

viernes, 3 de octubre de 2014

Kadavar "Kadavar" (2012)


Excelente vinilo que tuve la oportunidad de comprar hace algunos meses a través de una distribuidora especializada en Rock y Metal cerca de mi lugar de residencia. Valió la pena comprar este trabajo de edición limitada ya que es considerado ahora una obra "masterpiece" debido al estilo que le imprimieron para reflejar un sonido adictivo en este disco. Esto es para los fans y melómanos del Heavy Metal y Stoner Rock de los años 70´s. 

Déjenme introducir una breve remembranza de la banda, corría el año de 2010 cuando unos jóvenes músicos de Berlín, Alemania se encontraban en la búsqueda de composiciones creativas como hobby para pasar el tiempo, eran Phillip Lippitz apodado "Mamut" en las guitarras y Christoph "Tiger" Bartelt en la batería, improvisando temas basados en el Stoner Rock y psicodélicos, luego de un demo publicado en ese mismo año se les unió en el bajo y como cantante Christoph "Lupus" Lindemann. Aunque luego de varias sesiones optaron porque Lippitz pasará al bajo y Lindemann se hiciera cargo de las guitarras y permaneciera en la voz de la agrupación. Así daría comienzo la historia de KADAVAR.

Así la simpatía y empatía que la banda tenía por el rock de los 70´s principalmente en las venas de Black Sabbath aunque habría que decir su propio estilo se impuso, puesto que no usarían notas vocales o timbres como las del mítico Ozzy Osbourne. Así consiguieron en el año del 2012 publicar a través del sello independiente The Charming Records/ Tee Pee Records su álbum debut ante la audiencia que disfruta este tipo de Rock y Heavy Metal al mismo tiempo, marcado con un oscuro toque gracias a las letras y los rifs de la banda. Buenos compases de la batería y de las estructuras de la guitarra con una singularidad en el sonido que te hace sentir adicción a estar escuchando sus piezas sin descanso. Vaya que una banda actual es difícil que logre tener este impacto, pero ellos son de los pocos que lo han conseguido.


























La banda basó su estilo de grabación a la vieja usanza de las grabaciones de los años 70's donde en el estudio se distribuían las guitarras en el canal izquierdo, el bajo a la derecha, la batería en la parte interior derecha y la voz en el centro; con este tipo de "paneo" de la grabación se recogía a esencia de lo que sería los conciertos de la banda, según palabras de la propia agrupación. Y en verdad que en este disco puede sentir la esencia de aquellas bandas gloriosas de los años 70´s y casi principios de los 80's. 

Edición de lujo con este vinilo que en total trae 6 canciones todas con muy buena manufactura sin embargo debemos hacer mención de algunas de ellas como himnos sobresalientes que sin duda, te harán rememorar a las grandes agrupaciones oscuras de los años donde el Heavy Metal y el Rock de corte "oscuro" apenas empezaba a despuntar con bandas como Black Sabbath, Hawkwind, Witchfinder General o Grand Funk Railroad por mencionar algunas. 

Estupenda coloración del vinilo rojo y con la decoración del logo de la banda en el centro del mismo. Le da un toque de los vinilos que salían en aquellos años como de las bandas mencionadas con anterioridad. Vaya que recordarás a más de una edición en vinilo con la misma característica.

Para empezar a con las buenas canciones que trae este disco se encuentra "All Our Thoughts" con ese peculiar sonido en las guitarras con los rifs densos a lo largo de la pieza que empiezas a decir: "Oye esto es la esencia de los años 70's!!", "¿es un grupo perdido de la época?" o "¿Serán los hijos perdidos de Black Sabbath?". En fin que te sorprendes con el estilo de esta banda actual alemana en ésta pieza inicial. Desde este momento ya eres bienvenido al mundo de la banda, las letras que hablan del oscurantismo suenan malévolas en cada uno de los pasajes de la canción.



                                                       KADAVAR "All Our Thoughts"

Como segunda pieza a destacar esta la titulada "Black Sun" una verdadera adicción al sonido de las guitarras que desprende la banda en ésta composición. Sin duda se llevan las palmas los integrantes de la banda y es que la grabación a 33 1/3 en que está realizada se puede apreciar la claridad de los instrumentos, todas las estructuras de la guitarra en sus tonos sostenidos y densos pero con muy buen "feeling" en todo momento, grandiosa la voz de Lindemann te lleva por toda la canción a sentir adicción al escucharla, sumado a esto las guitarras como ya hemos mencionado es uno de los puntos fuerte de la agrupación. Sin duda que bien podría confundirse con alguna pieza de Black Sabbath pero cuando parece suceder su estilo se hace presente llevando los rifs y cambios de ritmo en el momento exacto que te encuentras absorto con esta canción. Un nuevo himno del Rock contemporáneo? Tu tienes la palabra



                                                              KADAVAR "Black Sun"

Finalmente se encuentra la pieza titulada "Creature Of The Demon" es la número 5 del álbum, un composición donde suben la intensidad del tratamiento de las guitarras haciéndolas más densas y pesadas, nuevamente el nivel de la banda es impresionante al plasmar una canción con todo el toque del estilo de los años 70's. En verdad que te imaginas en esa época y este track en particular sin duda hubiera pasado fácilmente como uno de aquellos años sin ningún problema para el grupo. Nosotros agradecemos infinitamente y damos la bienvenida a la creatividad moderna rescatando lo mejor del estilo de antaño en las composiciones modernas.



                                               KADAVAR "Creature Of The Demon"

En fin que para que disfrutes de principio a fin todo este trabajo te recomiendo conseguir en alguna reedición este trabajo de la banda alemana ya que su popularidad ha subido bastante a raíz de la publicación de este álbum y de su siguiente material, por supuesto que hay bandas que tienen actualmente un sonido parecido pero no igual al de éste grupo además que superó con altas expectativas en el nivel compositivo al resto de ellas. Kadavar supo conjuntar un  buen estilo en su primer trabajo que lo llevó a ser fichados por la Nuclear Blast una label especializada en el metal extremo también de su país, una vez que pasó un año la publicación de este trabajo. Sin duda el primer paso estaba dado la banda que empezó a vestirse con usanza de ropas de medio uso en boutiques especializadas en vestimentas de años anteriores se había posicionado muy bien entre el gusto del publico.


























Aquí la edición de la This Charmingman Records/Tee Pee Records en el 2012.

Espero que esta pequeña reseña te haga involucrarte en la música y estilo de la banda, vamos que date una oportunidad para conocer que tanto puede aportar una agrupación actual a un estilo que se viene manejando desde los años 70´s. Para rematar todo esto la banda no se considera parte del movimiento "oscurantista" o "satanista" a pesar de las letras de sus canciones. Hasta la próxima reseña amigos y amigas del blog.

ANTON.



Ozzy Osbourne - No more tears (Epìc Records, 1991)



Sexto album de Ozzy Osbourne, segundo con Zakk Wylde, publicado en septiembre de 1991. Para mí, la última obra maestra del loco y uno de sus dos mejores álbumes (ya le ponéis al lado el que os apetezca). En menos de un mes despachó un millón de copias y alcanzó los cuatro millones en Yanquiland allá por el año 2000. Solamente Blizzard of Ozz ha despachado más.

La banda que aparece en la foto del disco, que apareció en los vídeos, que hizo la primera parte de la
gira, la componían, además de Ozzy a las voces, el gran Zakk Wylde con las guitarras, Michael Inez al bajo y Randy Castillo a las baterías. En el álbum colabora con las teclas John Sinclair y el mercenario "paratodo" Bob Daisley, quien mete casi todos los bajos y compone (y esta vez fue acreditado) la mayoría de las letras. 

La historia de amor-odio de Ozzy (y Sharon) con Bob Daisley da para un culebrón. Le (re)contrataron para ayudar a terminar las canciones, meter letras, arreglos; después le llevaron al estudio a grabar los bajos; cuando faltaban unas semanas para finalizar, fue despedido. Michael Inez entró en su lugar. Lo bueno o lo malo es que ya le había pasado en otras ocasiones. Curioso trío.

En lo musical, pues una pasada de álbum. 

La cara A me parece perfecta, con Mr Tinkertrain abriendo y esas cuatro maravillas de seguido: I don't want to change the world, Mama, I'm coming home (dedicada a su mujer), Desire (en estas tres ayuda en la composición Lemmy Kilmister, sí, el de Motorhead) y No more tears, que fue el primer single.

En la cara B, encontramos otros cuatro pelotazos: Hellraiser (también con Lemmy), Time after time (segundo single), Zombie stomp y Road to nowhere, junto a otros dos temas algo más flojos, en comparación con los otros, para mi gusto: A.V.H. y S.I.N.

La producción a cargo de Duane Baron y John Purdell muy limpia y la mezcla del gran Michael Wagener perfecta. La guitarra de Zakk suena más limpia que en el anterior No rest for the wicked, la voz muy melódica y pulida, los teclados no empalagan y la sección rítimica se queda algo oculta en el conjunto.

La portada y el artwork general lo realizaron Nancy Donald y David Coleman con fotografías de Matt Hahurin. No es su mejor portada, desde luego.

La edición vinílica que traigo es la original española de 1991 editada aquí por Epic. El vinilo se dobla con mirarlo, finito, finito, pero suena bastante bien (y eso que ha dado muuuuuchas vueltas). 

Disfrutad del Madman y volveos un poco locos el fin de semana.

Ozzy Osbourne - No more tears

Ozzy Osbourne - Mama, I'm coming home

Ozzy Osbourne - Hellraiser