viernes, 21 de agosto de 2015

Iron Butterfly - In A Gadda Da Vida (1968)

Hoy traigo esta reliquia del rock progresivo y psicodélico de finales de los 60s, el segundo álbum de estudio de Iron Butterfly y su más popular trabajo, con el tema de "In A Gadda Da Vida" que ocupa una cara entera del LP y dura 17 minutos de pura psicodelia pesada y un sonido progresivo e innovador para su época. La otra cara del disco contiene temas más cortos y cercanos al pop rock y rock sinfónico pero también buenas piezas.

Es un disco absolutamente necesario para comprender los 60s... Iron Butterfly posteriormente perdería fuerza con su album de 1969 "Ball" más orientado hacia el pop rock y a partir de 1970 con nuevas formaciones entre las que destaca el guitarrista Mike Pinera o el bajista Philip Taylor Kramer y se orientarían más hacia el blues y el rock n roll, pero lo que es la esencia del grupo donde mejor viene reflejada es en sus 2 primeros albunes de 1968 "Heavy" e "In A Gadda Da Vida".













In A Gadda Da Vida

FULL ALBUM

El LP es edición española prensado en 1982 y perteneciente a Atlantic Records que sacó su edición de este disco en 1974 (180 gram). Es popular y no muy dificil de encontrar en tiendas o por internet.




Def Leppard - Adrenalize (Mercury Records, 1992)


Este verano estoy dedicando buena parte de mis escuchas a rescatar álbumes de una época de mi vida ciertamente confusa en lo personal y en lo musical, los primeros noventa, donde atravesé por todas las fases de odio-amor posibles. Por aquí ya he rescatado algo (Firehouse, por ejemplo) y seguro que en rockologia.com aparecen cositas en cuanto lo reactive (el verano se alarga para bien). 
Viene a cuenta esto porque llevaba ni me acuerdo los años sin escuchar este vinilo, que en su época menosprecié al compararlo con las obras anteriores (Pyromania, Hysteria) y porque me pilló más cerca de Pantera o Pearl Jam que de los sonidos melódicos de los ochenta.

Al volver a poner la oreja en las diez canciones de Adrenalize me he llevado una grata sorpresa. No hay pelotazos a la altura de sus obras anteriores, pero contiene algunas buenas canciones. El principal problema del álbum es su perfección técnica, tanto en los arreglos como en la producción: suena artificial y sin la sustancia de años anteriores. En esto seguro que tuvo que ver la muerte de Steve Clark, guitarrista y compositor principal del grupo, y la falta de garra de muchos pasajes, demasiado autocomplacientes quizá.

El álbum lo grabaron como cuarteto Joe Elliot a la voz, Phil Collen a las guitarras, Rick "Sav" Savage al bajo y Rick Allen a las baterías. Cuentan con las programaciones de Pete Woodroffe, la producción de Mike Shipley y la ayuda en la composición y los créditos como "compositor ejecutivo" de Robert "Mutt" Lange, el mago de sus anteriores trabajos.

En cuanto al contenido, comienza con un single de gran vídeo que contó (aún) con el apoyo de la
MTV de título Let's get rocked, correcto, predecible, con algunas partes chulas, un estribillo pegadizo. Sigue Heaven is, un tema flojo, sin magia ni nada destacable. Make love like a man redunda en el pop-metal de Hysteria pero esta vez está bien acabado, con un estribillo y arreglos apetecibles. Tonight pasa por una balada flojita, olvidable, y White lightning, que cierra la cara A, resulta atractiva por momentos, pero se hacen largos sus más de siete minutos. 

La cara B comienza con otro tema rescatable, Stand up (kick love into motion), brillante y luminoso, hubiera encajado bien en Hysteria. Por contra Personal property fuerza un poco el propio estilo del grupo y aunque el riff es bueno y el fraseo de Collen está bien, flojea en el puente-estribillo, raro para estos fabrica singles. La balada del álbum, también muy parecida a composiciones de años anteriores, se titula Have you ever needed someone so bad, bien trabajada y con excelentes arreglos, pero un poco falta de empatía con el oyente, demasiado monumental y perfecta. Las finales I wanna touch U y Tear it down tienen un tufillo seventies agradable y se estructuran y arreglan de forma más básica, lo que, al darles un punto diferencial respecto al resto las hace amenas.

Si has leído hasta aquí, no puedes dejar de revisar (o descubrir) este disco. No es más que un álbum flojo con buenos momentos pero tiene el empaque de una gran banda... en un mal momento (en realidad, no llega a ser tan flojo como los malos momentos de otros grandes del rock, y no señalo a ninguna banda mítica que os gusta, pero poner aquí el nombre de quien queráis Iron Maiden, Metallica, Judas Priest, Scorpions, Black Sabbath, etcétera.). Adrenalize debutó en el número 1 a ambos lados del Atlántico y mantuvo buenas ventas en medio de la explosión grunge y del metal cada vez más extremo, alcanzando los nada despreciables 3 milloncejos despachados en los USA. Se llegaron a editar siete singles en poco más de un año. Algo tendrá el Adrenalize...

El vinilo es el original de la época, uno de los últimos que compré en muchos años, dejando el crecimiento de mi discoteca al cedé. Bien acabado, contiene un encarte con una breve crónica de los años anteriores al álbum, una nota que os adjunto porque me parece muy interesante.


Pasad buen fin de semana.

Def Leppard - Let's get rocked 



Def Leppard - I wanna touch U



Def Leppard - Stand up (kick love into motion)



Varios – Kung Fury Original Soundtrack (2015)


Amiguitos, seguidores míos y amantes del soporte vinílico varios que tenéis a bien pasaros por aquí viernes a viernes, hoy –día escogido para retomar mis colaboraciones en este blog divulgativo a la par que ameno– no os voy a hablar de un álbum ochentero de hard-rock del bueno. Bueno, digamos que no del todo porque, aunque definitivamente no estamos ante un elepé de metal y se trata de una obra calentita –tanto que me acaba de llegar, subsanados unos problemas de fabricación que por poco me dejan sin ella–, en realidad tiene mucho de ochentero. Y es que este friki que os escribe tuvo las santas pelotas de comprarse el disco en vinilo de la banda sonora original de esa bizarrada titulada Kung Fury, un cortometraje del que ya os hablé aquí –donde incluso podréis ver la películilla si lo deseáis– y no es cuestión de repetir. Si, amigos, synthwave total, musiquillas de sintetizador con regusto a Karate Kid, Starfighter, Tron, War games, Weird science o la serie Street Hawk. Los OCHENTA a todo trapo, tíos. 


El álbum está compuesto y producido mayoritariamente por Mitch Murder –¿Mitch, como Mitch Buchannon?–, que es en realidad el pseudónimo de Johan Bengtsson, un intérprete de música electrónica natural de Estocolmo. Suya es la música del tema estrella del álbum, ese pegadizo True Survivor cantado por –sonrisa cómplice y lagrimilla nostálgica– el mítico David Hasselhoff. Sin embargo, colaboran en varias canciones otros artistas que también autoprodujeron sus temas. 


El track list es: 

A 
Kung Fury (Mitch Murder
True Survivor (David Hasselhoff
West Side Lane (Lost Years
Redlining 6th (Betamaxx
Face Puncher (Mitch Murder
The Final Stretch (Mitch Murder
Careful Shouting (Highway Superstar

B 
Enter the Fury (Mitch Murder
Power Move (Mitch Murder
Phoenix Rising (Lost Years
From the Future (Mitch Murder
Barbarianna (Christoffer Ling
Nuclear (Lost Years

Musicalmente hay poco que decir de este trabajo. El synthwave es un estilo retrofuturístico inspirado en las bandas sonoras ochenteras y la música de videojuegos, casi siempre instrumental, con profusión de baterías electrónicas, bajos y sintetizadores. Definitivamente, no es el estilo que más me guste... pero esta edición en vinilo rojo de 180 gramos conteniendo esas tonadas ochenteras, el temazo de Hasselhoff y la estupenda portada de Andreas Bennwik no la podía dejar pasar. Y si os soy sincero, algunos pasajes resultan de lo más entretenido. Aplicando un término que acostumbro a utilizar en mis reseñas cinematográficas, este Kung Fury Soundtrack es un álbum palomitero de calidad. Por cierto, en la funda interior encontramos transcrito el guión completo del cortometraje. Una pasada. 


Y poco más, amigos. Aunque a lo largo del disco podemos escuchar lo que parecen guitarras –caso de la hardrockera Barbarianna o Power Move, por ejemplo– e incluso un saxo, lo más seguro es que toda la música se haya hecho con teclados o músicos de sesión sin acreditar. Eso sí, además de la identidad de Bengtsson, investigando un poco se puede descubrir que Highway Star es el pseudónimo del intérprete y productor israelí Alex Karlinsky –aquí acompañado en la producción por Ilia Skibinski–, Lost Years es el músico sueco Magnus Larsson, un coleccionista compulsivo de Roland que en los años 80 y 90 tocaba la guitarra en bandas hardcore, Betamaxx es el apodo de Nick Morey, un músico de Pittsburg que se declara un enamorado de la synthwave ochentera y –cómo no– de los Roland, y por último Christoffer Ling es un cantante semidesconocio de Malmö que en 2013 ganó el concurso estival de música de la localidad de Kalmar. Ahí es nada. 

Como no podía ser de otra manera, os adjunto la grabación completa para que os deis un atracón. 


¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán - "Señora Azul" (1974)


Tras la fugaz experiencia que para Jose Mª Guzmán y Rodrigo García supuso el grupo Solera que compartieron con los hermanos Martín, y que produjo un solo disco de título homónimo que ya fue comentado aquí, ambos artistas decidieron, una vez roto el mencionado proyecto sin ser bendecido con el éxito, unir sus fuerzas a otros dos consolidados músicos como eran el ex batería de Módulos Juan Robles Cánovas y el antiguo guitarrista y cantante de Los Iberos Adolfo Rodriguez.
El nombre de la banda se le ocurrió a Jose Mª Guzmán con el propósito de que cada uno de los miembros pudiese conservar su autonomía y personalidad propia.


Poco tardan en grabar para Hispavox su primer trabajo, este vinilo que bajo la excepcional producción del gran Rafael Trabucchelli comentamos hoy, y que fue bautizado con el nombre del que a la postre sería el tema más famoso del grupo: "Señora Azul".
Basando la acción musical de la formación en un folk de esencia hispana con claro protagonismo de las armonías vocales, unas perfectas construcciones melódicas y letras agudas, ingeniosas y poéticas, todo ello ensamblado por el fino y en ocasiones aparatoso trabajo en la producción de Trabucchelli, el resultado es una maravilla que no puede evitar la comparación (como ya ocurría con Solera) con bandas folk américanas en la onda de CSNY, a los que poco tienen que envidiar al menos en el presente catálogo.


Sorprende el psicodélico uso de sintetizadores para el tema compuesto por Rodrigo y Cánovas que da inicio al disco, la excelente "Carrusel", a la que sigue la excepcional y maravillosamente orquestada: "Solo pienso en ti", en la que el autor: Rodrigo, canta con entregado tono y redondea con las líricas notas de su piano, un gran texto y un gran tema.
Jose Mº Guzmán compone y canta con su hermoso instrumento el folk-pop de encendido estribillo "El Río".



El vodevil llega a este disco con la divertida historia del huraño "Don Samuel Jazmín", estupendos coros y extraordinaria interpretación principal de Adolfo quien la compone junto a Rodrigo.
"Si pudieras ver" es un tema precioso articulado por un piano y un quejido de violín que es cantada con pasión y bella voz de prominentes agudos por Adolfo.



La cara A es cerrada por el folk acústico y de apropiados arreglos que canta y compone Rodrigo titulada "Nuestro problema".
El pop "Buscando una solución", con esencia de calipso y obra de Guzmán abre la cara B con ritmo y swing; el mismo componente deja el enraizado folk de inevitable poso costa oeste de imponente trabajo coral llamado: "Supremo director".
Valiente texto sobre dos lesbianas adhiere Rodrigo a una hermosa melodía para "María y Amaranta", y rubrica una crítica a la vida burguesa en el country: "El vividor", de encendida armónica.
Finaliza este enorme Lp con la célebre y maravillosa "Señora azul", texto que aún no esta claro si es una crítica a la nefasta institución franquista de la censura o como en su día dijo la banda (y que remedio) a la crítica...escuchémosla una vez más.



Mítico disco que como es habitual en esta España no es reconocido como debiera, llueve sobre mojado y desgraciadamente no es novedad, los que por aquí acostumbramos a pasear nuestros corazones sabemos ante lo que nos encontramos cuando decidimos pinchar una obra tan sublime como este "Señora Azul" de CRAG.

viernes, 14 de agosto de 2015

Black Sabbath - Master Of Reality (1971)

Hoy traigo este álbum que me acaba de llegar esta semana, tercer álbum de estudio de Black Sabbath publicado en 1971, una obra maestra de puro metal pesado, como casi todos sus albunes de principios de los 70's, pero este en concreto podríamos decir que es "el más oscuro de todos" con canciones como "Children of the grave" o "Sweet Leaf" entre las más destacadas y "Orchid" una excepción  de rock sinfónico con guitarra acústica que es una delicia y "Solitude" también muy sinfónico con la ayuda de músicos de sesión introducen una flauta, muy medieval esta canción. Si la saga el señor de los anillos hubiera salido en película en 1971 probablemente esta seria la banda sonora de mordor, para que os hagáis una idea de como es el disco jejejeje.
Se podría decir que este disco es una prolongación del primer disco pero más oscura.







FULL ALBUM

Que decir del LP, es bastante popular, fácil de encontrar por tiendas y por internet, no más de 20 euros en reedición.


Firehouse - Firehouse (CBS, 1990)



Una banda de hard rock comercial en 1990 tenía los días contados a nivel comercial, aunque nadie lo sabía aún. Fue un año donde comenzó el cambio de gustos en las emisoras y los despachos de las compañías musicales, donde todos los grupos de Los Ángeles y New Jersey que en los ochenta se había subido a las listas de éxito eran mirados con desgana. Sin embargo, algunas buenas bandas del estilo debutaron en aquellos años, como Tyketto o Firehouse.

La banda la formaban C.J. Snare a la voz y los teclados, Bill Leverty a la guitarra, Michael Foster a la batería y Perry Richardson al bajo. Este su debut, Firehouse, contiene doce cortes con una producción limpia a cargo de David Prater (y mezclada por el propio Prater con Doug Oberkircher) quien trabajó también con Dream Theater o Nightranger. Canciones de cuatro minutos ensambladas para resultar amables al oído, sin estridencias ni lujos pirotécnicos, pero de estructura firme, guitarras técnicas, una voz especial que maneja estupendamente los agudos y el fraseo y una pareja rítmica cumplidora.

El álbum tardó en subir en las listas de venta (mala elección de primer sencillo) pero alcanzó el doble platino el año siguiente. Firehouse recogió el premio a la mejor nueva banda de heavy/hard rock en los American Music Awards de 1991, galardón que refrendaron en 1992 con el de mejor banda de
heavy/hard rock de aquel año (sí, por delante de Nirvana y Alice in Chains). Consiguieron mantenerse en listas incluso hasta mitad de década, y aunque a partir de su tercera obra decayó el interés en el mundo anglosajón, en Asia se  mantuvieron firmes, explotando mercados desconocidos para otras bandas como Corea, Tailandia o India hasta bien entrado el siglo XXI. 

El disco comienza con Rock on the radio y su invitación a subir el volumen para disfrutar del álbum. La canción muestra algunos detalles de lo bueno de la banda, con un juego de armonías voz-guitarra bien conseguido y un estribillo pegón. La siguiente All she wrote es uno de los platos fuertes: el álbum está lleno de canciones de desamor, pero esta se lleva la palma; el protagonista llega a casa y se encuentra una nota de despedida. Buen riff, estribillo grande, letra sencilla y bien interpretada. Falta el tercer pilar de temáticas para cualquier disco de hard rock de la época: fiesta, desamor y sexo, más o menos. Este tercer pilar lo pone Shake & tumble, que ya no estamos solos, que ahora hemos pillado y vamos a sacudirnos juntos, nena. Aunque aceptable, no es de lo mejor del disco, y por eso extraña que la eligieran de primer single, cuando suena mucho mejor para esta labor Don't treat me bad. Con esta despegaron en las listas, pues contiene los elementos de toda buena canción-single: una historia bien cantada (melodía pegajosa), buena guitarra, buen estribillo y buena construcción. Con los arreglos del puente y los coros a mitad del estribillo resulta un bocado muy apetecible. Hasta ahora queda claro que Snare y Leverty son los protagonistas absolutos, pero el apoyo de la batería de Foster en la producción resulta fundamental. Las siguiente Oughta be a law sigue los mismos parámetros, con un riff elemental y estribillo a dos voces, resulta algo sencilla pero resultona. Lover's lane cierra la cara A con una vuelta a la fiesta; tiene un ritmo sincopado que mueve los pies en seguida, arreglos a dos voces, el mejor solo del álbum y a darle al tema en el motel. Acertado y luminoso. 


Home is where the heart is abre la cara B y resulta un medio tiempo que se acelera, canción muy comercial de arpegios sencillos pero muy bien arreglada en el puente y el estribillo. Buen trabajo de guitarras, desde luego. Otra de mis favoritas se titula Don't walk away. Se arrastra como un blues bastardo pidiendo a la amada que no se aleje (qué poco éxito tiene este hombre); grande el ritmo que nos lleva hasta un estribillo a varias voces. Tras el breve instrumental Seasons of change aparece otro plato gordo. Overnight sensation suena a lo mejorcito de un álbum bastante completo, con un fraseo vocal apoyado en voces dobladas y otro estribillo bien elaborado, en este caso sin tanto alarde armónico pero con la dureza adecuada. Guitarras algo más rudas que en los demás temas (sin enloquecer). Por fin llega un poco de calma. Firehouse se mantuvieron durante los años del boom grunge en las listas yanquis gracias a sus canciones lentas. Esta primera no es la mejor pero encaja bien en el conjunto del álbum. Love of a lifetime resulta un poco pastelona, con Snare más calmado, sin impostar tanto la voz. La melodía está bien pero creo que los arreglos "orquestales" son un poco simples. Sin embargo, fue el single más exitoso y despachó medio milloncejo en el mercado yanqui, alcanzando el número 3. La final, Helpless, redunda en las estructuras anteriores sin aportar nada más, un tema correcto para cerrar el disco.

La edición en vinilo que traigo la compré hace poco tiempo de segunda mano. Contiene el encarte con las letras, los créditos y alguna foto. La portada, llamativa pero normalita, la realizó Tony Sellari.

Un álbum de hard rock melódico muy completo para mi gusto. Dadle una escucha y disfrutadlo este fin de semana. Rock on!

Firehouse - Don't treat me bad


Firehouse - All she wrote 


Firehouse - Don't walk away 


Firehouse - Home is where the heart is




jueves, 13 de agosto de 2015

T. Rex - "Electric Warrior" (1971)


Estoy seguro de que en pleno verano no os apetece ni lo más mínimo leer una vez más  las eternas disquisiciones sobre si fue primero la gallina (Marc Bolan) o el huevo (David Bowie) en esto del glam.
Realmente tampoco parece que a día  de hoy tenga  demasiada importancia, lo importante es la herencia que a modo de discos hemos recibido las posteriores generaciones tras el deceso del denominado glam-rock, (deceso sujeto a continuas resucitaciones).
Pero tampoco es cuestionable que Marc Bolan puso una piedra que actuó como cimiento antes de la llegada de otros históricos trabajos y formaciones que se adhirieron a aquello del glam, esta piedra es el álbum que hoy traemos aquí, el inmortal (aunque no tan beatífico como otros, incomprensiblemente): "Electric Warrior".



Ahora que lo pienso no me parece ni este género ni este Lp el más adecuado para un verano de altas temperaturas como éste, no considero que en estos surcos se pueda encontrar nada que resulte refrescante o relajante, todo lo contrario, si tendría que poner sobre la  mesa algún adjetivo que definiese el sonido y atmósfera de este disco, éste sería claustrofóbico, como permanecer en un espacio pequeño, rodeado de aparatos eléctricos despidiendo calor y un manto de sudoroso hechizo lumínico que penetra en cuerpo y alma; un aislamiento espacial (evidente influjo de la odisea llevada al cine por Kubrick un par de años antes), se impregna en textos y ruidos que aderezan las canciones, y en la base los principios básicos del rock y el rhythm & blues al servicio de unas melodías de corte pop y unos arreglos en muchos casos barrocos y densos, en definitiva un disco excitante como una luz roja sobre la cama de unos amantes veteranos.


A todo esto contribuyen decisivamente Tony Visconti, productor del trabajo y Roy Thomas Baker, ingeniero, además por supuesto de las sublimes composiciones del imborrable Marc Bolan.
Sin complejos define el sonido del disco el primer corte, el denso y oscuro "Mambo sun", una especie de funky eléctrico en el se ponen sobre la mesa las cartas con las que va a jugar la partida este guerrero eléctrico, los coros, las baterías y el sonido de las guitarras, todo viscoso y sugerente, rodeado de fantasía y el modo sensual de catar de Bolan, con este tema se puede explicar todo el trabajo.
Pero es que además de este excepcional inicio, los influjos galácticos nos llegan con la genial "Cosmic dancer", bonita melodía y tremendo trabajo de teclados, cuerdas y batería.
"Jeepster" viene pegada a un riff y un ritmo que es puro rhythm & blues pero ácido y con etiqueta propia. Vuelven sonidos cósmicos, coros de gracia, ritmo seco y guitarras infectadas y delirantes con "Monolith", gran melodía y otro tema perfecto.
Más bues, este menos disfrazado y sin apenas maquillaje para cerrar la primera cara con "Lean woman blues".





El comienzo de la segunda cara estalla con la inmortal "Get it on", con ese riff árido y esos vientos, los teclados de Rick Wakeman, con el susurro tóxico en la voz de Marc y el estribillo que se clava al cerebro, un clásico que marca el núcleo del glam.
Sigue la onda espacial en "Planet queen", y llegamos a la balada del disco, acústicas para variar, una melodía irresistible, una vocalidad etérea... "Girl" es una canción maravillosa.
Guitarras mas claras y abiertas en un tema de sencilla aceptación melódica, bailable y suntuosa: "The motivator", que conduce a otro tema sugerente y bonito que sería punto de encuentro de temas posteriores: "Life's gas" es otro tema de corte futurista inmenso.
Rabiosa, adictiva y casi punk "Rip off", el guerrero nos despide con ferocidad eléctrica y derroche de teclas, guitarras y amígdalas.






"Electric Warrior" es, bajo mi prisma, una obra maestra total, iniciática, un disco que se escucha y se siente en la piel, los poros no pueden permanecer ajenos a su deflagración sónica y la influencia que ejerció hizo que muchos vampirizasen partes de su contenido, pero esto ya hemos dicho que no nos apetecía debatirlo otra vez.

viernes, 7 de agosto de 2015

Trouble "Psalm 9" Metal Blade (1984)


De antemano sabemos que el Stoner Rock y su tremendo estilo de riffs aplastantes hicieron que bandas como Black Sabbath, Pentagram, Saint Vitus o Witchfinde General sean consideradas leyendas por demostrar el poder de la guitarra en su canciones, de ese estilo del rock surgió otra rama dentro del heavy metal al combinar el sonido de esas bandas con el NWOBHM y el heavy tradicional de finales de aquellos años '70s cuando surgió la banda que hoy nos ocupa: TROUBLE.

Una agrupación que en principio fue catalogada por el dueño de la label Metal Blade records, Brian Slagel como "White Metal" por sus líricas en sus primeros discos; aunque en realidad la propia banda no se identifica con ello. Para la banda su estilo encaja dentro del sonido de las primeras bandas de Doom Metal, a pesar de que muchos críticos han hecho notar las influencias del Stoner mezclado con los estilos del Thrash Metal y Heavy Metal. Hoy toca que hablemos del álbum debut publicado el 10 de marzo de 1984: Psalm 9". Aunque cabe mencionar que éste primer álbum de la banda salió con su nombre homónimo, fue hasta el año de 1990 que se decidió poner el nombre de "Psalm 9". 

El line up de la banda luego de haber realizado 3 demos en los años 1980,1982, 1983 de manera consecutiva, fue el siguiente Eric Wagner en las vocales, Bruce Franklin en las guitarras líder y Rick Wartell en las guitarras acompañantes, Sean McAllister en el bajo y Jeff Olson en la batería. Todos ellos fueron producidos por el reconocido Bill Metoyer (Slayer) grabaron en los Track records de Los Angeles, Estados Unidos. Tengo una edición de aquellos años que se consiguió en segunda mano.


El track list se compone de las siguientes pistas:

Lado A
"The Tempter" 
"Assassin" 
"Victim of the Insane" 
"Revelation (Life or Death)" 

Lado B
"Bastards Will Pay" 
"The Fall of Lucifer" 
"Endtime" (instrumental)
"Psalm 9"


Se considera una de las primeras grabaciones de Doom Metal por los especialistas y críticos del rock de la época, Una excelente demostración de creatividad musical de los norteamericanos que junto al disco homónimo de los Saint Vitus son consideradas piedras pilares de lo que conocemos en lo referente al estilo mencionado. El vocalista Eric Wagner es reconocido por sus distintas tonalidades de voz que ayudan a entender como cada canción se acopla a sus notas vocales, ya que no utiliza las tonalidades guturales que más tarde añadieron las posteriores agrupaciones que se encasillaban en el estilo, sino las que son propias del Heavy y Thrash Metal. Muchos vocalistas de Rock Alternativo lo mencionan como una de sus grandes influencias, entre ellos podemos nombrar a Dave Grohl (Foo Fighters), Chris Cornell (Audioslave) o el difunto Layne Stanley (Alice In Chains) así que la banda nos demostró desde un principio un poco de lo que vendría a cambiar en los estilos musicales de las futuras bandas. 

Y la mejor prueba es este debut, editado en 1984, en pleno apogeo del Glam californiano, en pleno boom de los leggins, los pelos platinados y despeinados, los excesos, la fiesta, el Rock & Roll simple en su estado natural y todo lo que caracterizó a los 80s. Trouble remaron contra la corriente y editaron un disco de otro tiempo, en el momento en el que las bandas metalheads (la mayoría de ellas) le gritaban al diablo, le aullaban a la luna y se enfervorizaban gritando: ¡Quiero Rock!, la banda con títulos de canciones en tono oscuro y de letras rayando en ser cristianas, decidieron ser una de las excepciones de la época. Hoy sobran los grupos que se suben al carro del Doom, pero en aquellos años nadie se animaba a desarrollar un sonido como el de la agrupación referida. 


Entre las piezas que siempre se han destacado en éste disco ya sea por programadores de radio o por los seguidores de la banda desde aquellos tiempos se encuentran; "The Tempter" donde los sintetizadores iniciales son absorbidos por la gran fuerza de las guitarras y batería a ritmo semilento al estilo de las leyendas Black Sabbath, la voz sobrenatural de Wagner nos introduce de lleno al mundo "Trouble" para luego dar paso a un estilo 100% del sonido Thrash Metal. Brillantes cambios aderezados por los punteos de guitarras a lo largo de la pieza. Buena pieza abridora de un álbum, a partir de acá ya estás enganchado con el disco. 

Enseguida la pieza titulada "Assassin" abre con unas guitarras rapidísimas enraizadas en la vena del heavy metal 100%, muy buena influencia de los Judas Priest podríamos decir. mientras la voz de Wagner no desentona para nada con sus grandes dotes de agudos y cambios de tono cuando la pieza lo requiere así nos vamos con una canción rápida de poco más de 3 minutos de duración que es una de las más emblemáticas del disco.

"Victim Of The Insane" nos introduce al estilo Doom Metal con ese ritmo semilento, de batería con diversos compases entre cada cambio de ritmo y la voz del cantante con esa desgarradora tonalidad nos entregan una pieza de las más tétricas del álbum, en la vena de lo que sería una de las características de éste estilo. Nos cierran con una sección rápida del ritmo haciendo que la pieza resalte aún más entre sus composiciones.

A ritmo semilento entre los instrumentos de la canción titulada "Revelation (Life Or Death)" en la tonalidad de la pieza anterior con esas atmósferas desoladoras y tétricas que escuchamos con la densidad de la ecualización de las guitarras. "Bastard Will Pay" nos entrega una canción rápida en las guitarras lideradas muy bien por el duo de la banda, la voz sigue dando muestras de un enorme nivel al adaptarse muy bien en los cambios de ritmo realizados. Aquí se nota más la influencia del NWOBHM hasta que la mitad de la canción es sesgada por el ritmo semilento y la pesadez de unas guitarras saturadas, para dar paso a un buen solo de guitarras. 

"The Fall Of Lucifer" una pieza que hizo persignarse a los adeptos de Slayer, Venom y Bathory de aquellos tiempos, cuando las letras oscuras dominaban en la mayoría de las líricas de las bandas de metal extremo de esos años, los Trouble se engancharon con contarnos a ritmo de guitarras 'heavies' lo que es la historia del mítico ángel caído, basado en los textos de la biblia. Una pieza rápida con las venas del heavy metal de los '80s en las notas, grandioso aporte de la banda con cambios semilentos que no desentonan en lo absoluto con las demás canciones. Una canción que hasta a los más blasfemos les pareció excelente. 

"Endtime" y "Psalm 9" nos entregan lo mejor de la escuela Doom de los primeros tiempos con lo mejor de las 'armas' que posee el estilo, es decir las guitarras rápidas y acústicas del heavy metal, cambios de ritmo con notas de rifs semilentos del stoner y una batería muy similar a las utilizadas en el Jazz con tantos cambios de ritmo pero todo ello con la ecualización de las bandas de metal de los años '80s lo cual hace de la producción algo grandioso desde el principio. Un enorme talento demostrado con estas canciones que posee el álbum debut. Recomendada ésta masterpiece titulada "Salmo 9" para todos aquellos metalheads seguidores de las obras de los años '80s. 


"The Tempter"


"Assassin"


"Revelation (Life Or Death) 


"The Fall Of Lucifer"

Joe Satriani "Shockwave Supernova" (2015)


A estas alturas todos los seguidores de Joe Satriani sabemos que es incapaz de facturar un disco mediocre y este Shockwave Supernova no iba a ser la excepción. Cuando parecía que ya había exprimido todas las notas de su IbanezJoe Satriani vuelve a sorprender con un buen puñado de melodías de aquellas que se te clavan en la cabeza y no las puedes olvidar durante un largo tiempo. En Shockwave Supernova, su quinceavo disco en solitario, volvemos a encontrarnos con el Satriani más melódico de composiciones brillantes y magistralmente ejecutadas.

sábado, 1 de agosto de 2015

Los Secretos - "El Primer Cruce" (1986)

Aunque hoy es sábado, espero que me disculpéis que publique esta entrada que ayer no pude colgar por motivos logísticos, en cierto modo es una calurosa forma de empezar agosto con un disco crepuscular y muy de este tiempo.
Gracias.


Tras el enorme éxito que consiguieron los Urquijo con su primer disco bajo el nombre de Los Secretos a principios de los ochenta, la banda se vió encerrada en una espiral de acontecimientos que les hicieron pasar por una auténtica travesía por el desierto, tras la cual la idea de Enrique era formar un nuevo grupo con carácter más americano y tendencias mas countries para la que no pensaba contar con su hermano Alvaro.


Finalmente es convencido de continuar con Alvaro y manteniendo el mismo nombre, para ello la pareja de hermanos se enriquece con tres músicos excepcionales: Steve Jordan a la batería, Ramón Arroyo a la guitarra y Nacho Lles al bajo formando un conjunto realmente sobresaliente.
De esta manera con formación nueva, sello nuevo (Twins) y productor viejo: Juan Luis Izaguirre graban en 1986 un mini-Lp: "El primer cruce" que supuso la vuelta al meollo de la banda, cierto que de forma tímida, pero lo suficientemente firme para asegurar la continuidad de la formación.


Queda claro que el proyecto corresponde a la idea de nuevos aires de Enrique, pues él es quien compone cuatro de los temas del disco, el instrumental enraizado: "San José" corresponde al nuevo guitarrista Ramón Arroyo y "Cerrar los bares" es una adaptación brillante del tema de R. Simpson a cargo del propio Enrique, que consigue crear un corte de country nostálgico y etílico de desamor que conjuga de forma notable el americanismo de la textura del tema con un sentido muy local de la historia.



El country es el género que domina estilísticamente el trabajo, con cierto color de ranchera en algunos momentos, como en la sublime balada: "Quiero beber hasta perder el control", convertida en clásico total del grupo y que se trata de un nostálgico corte, de preciosa melodía y letra de desamor mezclado con whisky, un grandioso tema.
También hay momentos mas inspirados en sonidos de carretera como "El primer cruce", magnífico tema de encendidas guitarras y melodía fluida y soleada sobre los furtivos amores nocturnos de una pareja joven que se veía cada noche, a espaldas de sus familias en el primer cruce, deliciosa, y con un irresistible encanto romantico-adolescente.



El disco lo abre "No me falles", en la misma tónica estilistica que la anterior, otro corte excelente y digerible en clave de country-rock que sabé no quedarse desubicado, mismo análisis se puede hacer a propósito de otro clásico de este breve álbum, el popular "Sin dirección".



Magnífico mini-Lp que supone la vuelta de los hermanos a la primera división de la música española y lo que es más importante, la consolidación del grupo que tras este y el posterior directo de 1988 depararía en los noventa una tripla de magníficos discos por todos conocidos.
Sigo recuperando discos en castellano, actuales y preteritos que entiendo merecen más y mejor crédito del que se les concede.

viernes, 31 de julio de 2015

The Rolling Stones "Beggars Banquet" ABKCO (1968)


"Por favor,déjame que me presente
soy un hombre de riquezas y buen gusto
Ando rodando desde hace muchos años,muchos años
He robado el alma y la fe de muchos hombres.
Yo estaba allí cuando Jesucristo tuvo su momento de duda y dolor
y me asegure por los infiernos que Pilatos se lavara las manos 
y sellara su destino."

Una traducción de una pieza que viene en una de las obras del rock consideradas polémicas desde su concepción, ya que la banda venía por una revancha musical después del fracaso que significó su álbum Their Satanic Majesties Request de 1967, The Rolling Stones se habían tomado unas vacaciones. A principios de 1968 el cantante Mick Jagger decidió que la banda debería reforzar la producción de sus discos de estudio. Para ello se dice que Jagger charló con el ingeniero de sonido Glyn Johns por lo que éste último le recomendó a Jimmy Miller, quien había trabajado anteriormente con las bandas The Spencer Davis Group y Traffic para darle más realce a las composiciones de la agrupación y que representarán el sonido que deseaban. Además querían que el status de "Sus Majestades Satánicas" no quedará en burla por parte de la prensa musical y seguir alterando a los sectores conservadores. Aquellos tiempos eran diferentes a comparación de hoy en lo relacionado al rock.

Ésta es una reedición en vinilo del año 2002 por parte de la ABCKO records de la grabación que salió publicada el día 6 de diciembre de 1968, en su tiempo el lanzamiento fue planeado originalmente para el 26 de julio de ese mismo año, pero fue postergado por varios meses por su disquera, Decca Records, debido al polémico arte del disco vemos la portada que debió salir en aquel año donde vemos el interior de un baño público con las paredes pintadas con nombres emblemáticos del rock y blues así como de algunos políticos de los años '60s, nada de otro mundo pero que en aquel año fue considerado de mal gusto por los ejecutivos conservadores de la disquera y se vieron obligados a cambiarla, Jagger afirma que estaban conscientes de ello por eso sólo mostraban la mitad de la altura de la pared del baño, aunque jamás pensó que eso fuera a ser censurado. Finalmente salió a la venta el 6 de diciembre de 1968 con una portada totalmente blanca como una servilleta de lujo y con sólo el nombre del disco escrito con letras doradas como se pone en las mesas adornadas elegantemente reservadas para alguien importante (por cierto tiene un aire del "álbum blanco" de The Beatles). Me gusta más la portada y contraportada de la reedición, pero cada quien tenemos nuestros gustos en lo que se refiere al arte de portadas.

La preproducción comenzó a mediados de febrero de 1968 en la casa del guitarrista Keith Richards ubicada en Inglaterra. Luego de la contratación de Jimmy Miller para los coros las grabaciones iniciaron el 14 de marzo en los estudios de grabación R.G. Jones con las ausencias constantes del bajista Bill Wyman y del guitarrista y multi-instrumentista Brian Jones. Ante esta situación Mick Jagger se vio en la necesidad de tocar la guitarra por primera vez aparte de poner la voz para la banda. La alineación de la banda de aquel año se completo con el maestro Charlie Watts en la batería.


El track list (compuesto en su mayoría por Jaggers y Richards) de la grabación fue el siguiente:

Lado A
1. «Sympathy for the Devil»
2. «No Expectations»
3. «Dear Doctor»
4. «Parachute Woman»
5. «Jigsaw Puzzle»

Lado  B
6   «Street Fighting Man»
7. «Prodigal Son»
8. «Stray Cat Blues»
9. «Factory Girl»
10. «Salt of the Earth»

La producción cuenta con canciones con base en el rhythm & blues que tanto le gustan a Jaggers y Richards, lo que marcó el regreso de la banda a sus raíces después de un disco experimental como lo fue su producción anterior, "Their Satanic Majesties Request"(1967) en la que ensayaron otros estilos musicales, como el rock psicodélico y algunas enraizados en la música country. La letras tenían temáticas centradas en la crítica social, inspiradas en las revueltas y conflicto de esos días, y filosóficas, por la gran cantidad de libros sobre filosofía y poesía que leía Jagger durante ese momento, que sirvieron para plasmar las letras de la obra y que formarían parte de la polémica por su contenido "explícito" para algunas personas conservadoras de aquel año y en años posteriores que hicieron que la banda se vieran envueltos en algunos escándalos, como a continuación relataremos.





















En primer lugar tenemos una canción de las catalogadas como "malditas" para la música rock debido a todo lo que envolvió su creación y su interpretación tanto en el vinilo como cuando se tocaba en vivo, hablamos de la mítica "Sympathy For The Devil". Esta canción está inspirada en la novela 'El maestro y Margarita' del escritor ruso Mijaíl Bulgákov, obra que la grandiosa cantante Marianne Faithfull le regaló a Jagger. En este libro se produce la aparición del diablo cometiendo asesinatos en la Rusia de los años treinta. La canción escandalizó a parte de la sociedad de aquel entonces, que acusó a la banda de practicar satanismo e invocar a ya saben "quién", que por eso se habían ganado el mote de "Sus Majestades Satánicas", que por eso tenían éxito vendiendo discos, que eran una mala influencia para la juventud de la época, etc. 



Sin embargo otro elemento que vino a causar más daño a éstas acusaciones ocurrió un año más tarde, en diciembre de 1969, cuando se produjo el asesinato del joven negro Meredith Hunter en el concierto que la banda ofreció en Altamont Speedway Free Festival, Estados Unidos a cargo de un grupo de guardias de seguridad llamados "Hells Angels"(contratada por los Stones), se responsabilizó al tema de haberlo provocado (a pesar de que en el momento de la tragedia la canción que se interpretaba era "Under My Thumb"). A consecuencia de ello, el grupo dejó de tocarla en sus actuaciones durante ocho largos años. La pieza era en sus primeras versiones una canción de folk, pero a sugerencia de Richards se le fueron añadiendo elementos de la samba, como la inclusión de bongos y congas. Haciendo de ella una buena canción que combina el folk y blues con elementos latinos de buena manufactura que por su simpleza en los instrumentos llega a ser hipnótica para el que lo escucha por primera vez, te induce a un trance a través del ritmo y las letras, tal vez te sientas poseído por la calidad musical. Gran tema, un clásico del rock sin duda, pero calificado como "maldito" aún en diversas partes del mundo.


"No Expectations" es una balada cuyas letras hablan sobre desamor y soledad. Esta canción mezcla los géneros country y blues, destacando la instrumentación acústica y la guitarra de Brian Jones. En verdad se nota que la banda buscaba trascender ya que los punteos de guitarra acústica están hechos con mucho "feeling" y se deja disfrutar de principio a fin por parte de los músicos.  Una de las composiciones que realmente valen oro puro para la música.

"Dear Doctor" es otra canción de country acústico en la que el tono vuelve a ser paródico. En el libro 'According to the Rolling Stones' Mick Jagger se plasman sus declaraciones con respecto a ella: "las canciones country, como Factory Girl o Dear Doctor realmente eran temas que combinaban varios estilos" (como los ya comentados), comentaba que existía cierto sentido del humor en la música country y aprovechaban ello para plasmar las diversas temáticas que abordaban en su álbum. Si, la base era el country pero adornado con los elementos psicodélicos que las bandas practicaban en los años '60s. 


Por su parte "Street Fighting Man" un tema inspirado en los incidentes de mayo de 1968 y las manifestaciones contra la Guerra de Vietnam. En ella no intervienen instrumentos eléctricos, a excepción del bajo. Para la grabar las partes de la guitarra acústica, Keith Richards empleó una de las primeras grabadoras de cassette. Comentó en entrevistas posteriores que usó este aparato para sobrecargar la guitarra y conseguir un sonido a medio camino entre lo considerado puramente acústico y el eléctrico. Con la percusión se hizo algo similar: se amplificó el sonido obtenido inicialmente por Charlie Watts a partir de una batería de juguete. Dando como resultado una composición de muy buena manufactura donde las guitarras juegan un papel primordial con sus sonidos adictivos de esos que te catapultan a un trance. La canción tampoco estuvo exenta de la polémica, cuando se publicó como sencillo pocos días después de la Convención Nacional Demócrata de aquel año, en la que tuvieron lugar importantes protestas. En este contexto, canción fue señalada de subversiva y el boicot estuvo presente en varias emisoras importantes de radio de los Estados Unidos. Ante estas acusaciones, Jagger en sus clásicas entrevistas de aquellos años declaró: "Por supuesto que opinamos que la canción es subversiva. Es estúpido pensar que puedes empezar una revolución con una grabación. ¡Ojalá se pudiese!". Ante ésto comenzó a considerarse aún más "peligroso" el rock de las bandas de aquellos años (particularmente el de Sus Majestades Satánicas). Imagínense ustedes!!

"Parachute Woman" es un buen tema clásico de blues y rock psicodélico donde lucen mucho las guitarras de Richards y Jones, la banda por fin pudo plasmar una excelsa combinación de notas que se escuchaban como una amalgama perfectamente aceitada. Me gusta como las guitarras te van conduciendo al ritmo cadencioso de la pieza como si fueran las formas del cuerpo de la mujer. Excelente trabajo de las mentes maestras de The Rolling Stones. Sin duda que es uno de sus temas memorables desde aquellos años. 


En resumen que es una obra recomendada para los amantes del rock de los años sesenta y para entender la evolución de la música, en ella sin duda debemos incluir a The Rolling Stones que con ésta obra nos introducen a la creatividad del sonido en base a las guitarras y a las buenas letras. Además de ser una de las obras más polémicas de toda la historia del rock por lo que hemos expuesto de algunas canciones del álbum, pero que se dejan disfrutar para todos los amantes de la música. Les dejo algunos links de las canciones del disco. 



"Simpathy For The Devil"




"No Expections"




"Street Fightning Man"




"Dear Doctor"




"Parachute Woman"

Buen fin de semana a todos y todas que nos leen semana a semana, todos sus comentarios son bienvenidos, espero que si tienen éste clásico del rock en su colección lo pongan a todo volumen.

Circus Of Power "Circus Of Power" (1988)


Mientras que a mediados de los 80s la escena musical de los Angeles estaba dominada por la estética naïf y colorida del sleaze rock más cantón (spandex por doquier y enormes pelos crepados) en New York se respiraba otro ambiente. Una escena musical mucho más real con una actitud que salía de unos barrios castigados por la falta de trabajo y la dura lucha por ganarse la vida día a día. El caldo de cultivo perfecto para dar rienda suelta a los grupos de rock'n'roll directo y sencillo, sin grandes florituras. El telón de fondo ideal para grupos como RamonesRaging SlabSmashed Gladys...y por supuesto Circus Of Power.

viernes, 24 de julio de 2015

Rainbow – Bent out of shape (1983)


Amigos, estamos a finales de julio y la mayoría de vosotros estáis de vacaciones. Eso sólo puede significar una cosa y es que ha llegado el momento de abrir un paréntesis. Así pues, hoy me despido hasta septiembre –aunque seguiré entrando a leeros– y lo hago con este álbum de Rainbow, ni más ni menos que el primero que compré de la banda de Blackmore. Y llegué a ellos porque un compañero me había dejado un bootleg del grupo titulado Lost in Hollywood del que recuerdo aún su portada –un Cadillac y una rubia en bolas, para qué os voy a contar más– y lo mucho que me gustó. Así que corrí a comprarme algo de ese grupo escogiendo su último álbum, este Bent out of shape al que tengo especial cariño, además de por la calidad de sus temas, por que como os he dicho es el primero que tuve de los Rainbow


Evidentemente, luego caerían todos los demás porque –como sabéis–, Bent out of shape es la séptima obra de estudio de la banda que montó Ritchie Blackmore en su primera espantada de Deep Purple. Grabado para Polydor records en los Sweet silence studios de Copenhague, era el tercero con Joe Lynn Turner como vocalista y el cuarto con Roger Glover a los controles, el bajista del grupo y también antiguo miembro de Deep Purple junto a Blackmore, quien a esas alturas ya gozaba de buena reputación con su carrera paralela como productor para –entre otros– Nazareth, Judas Priest, David Coverdale en solitario, Michael Schenker Group, la Ian Gillan Band o los mismos Rainbow

El line up de la banda por entonces –Ritchie no se caracterizaba precisamente por mantener el mismo equipo de músicos entre cada álbum y cuando no cambiaba el cantante hacía lo propio con un teclista o un batería– estaba compuesto por Mr. Blackmore a las guitarras, Roger Glover al bajo, Joe Lynn Turner a las voces, Chuck Burgi a la batería y David Rosenthal a los teclados. Como anécdota, deciros que ejerció labores de ingeniero de sonido un joven Flemming Rasmussen que el año siguiente se convertiría en productor de Metallica, en la primera de sus tres colaboraciones con la banda. 


Con portada de Derek Burnett bajo la dirección artística de STd, el track list de este impresionante disco era: 

A 
Stranded 
Can’t let you go 
Fool for the night 
Fire dance 
Anybody there 

B 
Desperate heart 
Street of dreams 
Drinking with the devil 
Snowman 
Make your move 

Stranded es un temazo en el que la voz de Turner y la guitarra de Blackmore –machacón riff e impresionante solo marca de la casa– demuestran una vez más el porqué ese tándem fue tan exitoso. Y si la primera canción dejaba un buen sabor de boca, Can’t let you go y su inicio de teclados es una de las imprescindibles de la historia del grupo. Aquí, además del dúo dinámico, Glover y –sobre todo- Rosenthal también tienen protagonismo. Y después de este temazo en el que Turner y the man in black se lucen de nuevo, Fool for the night nos ofrece más de lo mismo... y es que es una tontería analizar uno a uno los cortes de este enorme álbum del todo imprescindible, que además de poseer tonadas impresionantes sin desperdicio ninguno –dos de ellas instrumentales– tiene como exponente ese pelotazo radiofónico que fue Street of dreams que se coló en el Billboard Hot 100 y llegó al número dos en su lista Mainstream Rock


Más orientado a la melodía radiable que al hard rock clásico que sus predecesores, hay que decir que aunque gozó de un enorme éxito –sobre todo gracias a sus dos pedazo de singles–, las maniobras de los managers de Deep Purple para reformar el Mk.II de la banda obtuvieron su fruto y se puede decir que con Bent out of shape el grupo murió en su mejor momento comercial. 

Como bonus os acompaño la grabación de Stranded, el clip de Can’t let you go, la emocionante intrumental Anybody there –aún hoy me pone la piel de gallina–, el clip de Street of dreams y la rápida Make your move






A mediados de los 90, un desigual Stranger in us all se editó bajo el forzadísimo epígrafe de Ritchie Blackmore’s Rainbow... pero a Ritchie ya le había embrujado esa especie de Yoko Ono del hard rock llamada Candice Night y el genio de la guitarra se vistió de bardo y se retiró a tocar acústicas, mandolinas y zanfonas.

Y ahí sigue, para verguenza ajena de muchos. En fin.

¡Felices vacaciones! 
@KingPiltrafilla