viernes, 12 de septiembre de 2014

Mercyful Fate "Don´t Break The Oath" 1984





Este es el segundo disco de esta agrupación danesa de culto que ya había sorprendido al mundo del heavy metal ochentero con su primer material titulado "Melissa".
Conseguirlo para mi en formato análogo fue toda una sorpresa por que en verdad creí que nunca lo haría y sobretodo en segunda mano bien conservado(lamentablemente así se consiguen de este tipo de discos en mi país), me imagino que el primer dueño habrá tenido alguna urgencia para deshacerse de él. En fin que le agradezco a lo historia que haya ocurrido antes para que lo pudiera conseguir, aunque a decir verdad espero que no haya sido como las tétricas historias que nos canta King Diamond.
Aquí la música habla de cosas bien malévolas, líricas bien encaminadas al ocultismo y a lo relacionado con el "maligno", habitual entre la discografía de King Diamond tanto en esta banda como en su propia agrupación.





























Este vinilo que adquirí es de la edición de la Roadrunner Records que en verdad salió en aquellos años. Porque hasta la fecha aún se encuentran en planes de reeditar este material. Ojalá se reedité para todos y todas aquellas que en verdad aprecian este estilo de Heavy Metal.
La música no te deja indiferente, el disco de 12 pulgadas perfectamente bien conservado con pocas rayaduras pero que aún es audible todas las pistas de los dos lados del disco te deja en verdad satisfecho de haberlo adquirido. En verdad es de los discos de vinilo que más me agradan por su diseño de la portado, cubierta interior y el disco del álbum. 





























Dos lados de buen Heavy Metal ochentero, lo que hace un disfrute este disco es la composición instrumental de la agrupación sumado a la voz de "sirena maligna" de King Diamond, tremendamente aguda a lo largo de todas las piezas. Acompañan al master Diamond, los guitarristas Hank Sherman y Michael Denner, el tándem bajista Timi Hansen y en la batería Kim Ruzz. Que la verdad son de gran nivel por haber realizado este estupendo trabajo. Cabe mencionar que el disco fue producido enteramente por Hendrik Lund, un gran trabajo en la mezcla de las voces e instrumentos de la banda, memorables los solos de guitarra. Como dato adicional este álbum fue el último de la agrupación debido a que se separó temporalmente luego de su publicación hasta su regreso en 1993.










Parte de la cubierta interior del disco de vinilo.

Este disco lo hizo grande las canciones, debido a que varios de ellas se convirtieron en grandes himnos del "Heavy Metal" ochentero y de todos los tiempos.
























El disco inicia con una gran pieza titulada de manera amenazadora "Dangerous Meeting" con toda su potencia guitarrera del duo Sherman - Denner. La voz de Diamond cantando con todo "Tonight the circle is meeting again" vaya todo un himno de ese heavy metal con letra tenebrosa pero con mucho feeling, una cualidad de la composición de esta agrupación.



Pasamos a la pieza tres que es de los himnos totales de la banda con la que se titula "Desecration Of Souls", con esta pieza este disco te conquistará por sus buenos rifs y pegajosos coros en toda la composición, esta canción es habitual en los conciertos de la agrupación y de las más celebradas por todos los fans en sus directos.


El quinto track de este disco es una obra de terror y con mucha lírica bastante polémica ya que si prestas atención a la letra te darás cuenta en que sentido va y hacía quién va dirigida, no contaré más para no herir susceptibilidades y no caer en la polémica(siempre bienvenida). La pieza se llama "The Oath" y en si es una pieza muy buena, con grandes arreglos de las guitarras y los solos de los guitarristas.  


"Gypsy" es una pieza que en verdad disfrutas por el feeling que mantienen las guitarras a lo largo de la canción, es tan buena que ha sido versionada por varias bandas del metal de todos los subgéneros. Nuevamente te sorprende el nivel de composición del grupo porque ya haz llegado al track 6 que es la segunda el lado B del disco y te ha dejado impresionado este trabajo porque ya vas más de la mitad y estas a gusto con lo escuchado hasta ahora.


Finaliza este trabajo "Come To The Sabbath" un himno que seguramente habrás escuchado alguna vez porque ha sido cover varias veces en los distintos subgéneros del Heavy Metal. Una estupenda pieza de lo mejor del estilo y suena tan actual que ha trascendido la barrera del tiempo, habitual entre los conciertos de Mercyful Fate y de King Diamond. 



Para finalizar los comentarios de este gran trabajo, cabe mencionar que se volvió a reeditar en 1997 en formato CD por la Roadrunner Records con una pieza extra titulada "Death Kiss" que en realidad era un demo de esta pieza no publicada en otros discos. Además el portal "Metal Rules" nombró a "Don´t Breath The Oath" como el mejor álbum de metal extremo de la historia.




























Aquí la banda Mercyful Fate en una vieja foto del año 1985. Al centro King Diamond precursor de lo que hoy se conoce como "Corpse Paint" en las bandas de Black Metal.


Saludos a todos y todas, nos leemos la otra semana y muy agradecido por cada comentario a mis publicaciones.

ANTON

Lääz Rockit - Know your enemy (Enigma Records, 1987)


En el cocedero metálico que fue San Francisco la primera mitad de los ochenta muchas bandas quedaron relegadas a un segundo y hasta tercer escalón de popularidad. No voy a elaborar aquí un tratado de las mismas, ni yo mismo soy capaz de ello, pero entre los grupos semidesconocidos de aquella explosión hoy os traigo a Lääz Rockit y su tercer largo titulado Know your enemy.

Los californianos grabaron este su tercer álbum en los estudios Prairie Sun Recorders de California a las órdenes de Roy M. Rowland (Kreator, Testament, Sabbat). Consiguió equilibrar unas canciones veloces, machaconas, con algunos arreglos acertados y, sobre todo, una batería estupenda y dos guitarras que intercambian riffs y solos perfectamente enmarcados en el estilo Bay Area.



La banda la formaban Michael Coons a la voz (responsable de las letras apocalípticas, llenas de destrucción y agresividad), Aaron Jellum y Phil Kettner a las guitarras, Willy Lange al bajo y Victor Agnello a la batería.

Temas directos como Last breath, I'm electric (la mejor voz del disco) o Euroshima (vaya doble bombo, vaya guitarras) junto con otros más extensos y de estructura muy currada, como Most dangerous game o Shot to hell. En conjunto, un álbum muy digno de thrash metal, que no puede faltar en la discoteca de ningún aficionado al género.

La edición que traigo hoy es la española de 1987 editada en españa por Dro. La portada la realizó Jeff Sadowski y las fotografías de la contraportada son de Keit Madigan y Neil Zlozower.

Pasad un fin de semana agitando las cabezas y con los puños al aire. Long live metal!!!!

Lääz Rockit - Euroshima



Lääz Rockit - I'm electric



Lääz Rockit - Most dangerous game



Laaz Rockit – Annihilation principle (1989)


Amigos melómanos, regreso a este espacio vinílico con un álbum de puro thrash metal clásico. Ahora os será fácil porque ya habéis leído el título y habéis visto la fotografía de la portada. Aún así, os pediría que fuéseis sinceros conmigo. Si os digo Bay Area, seguramente os vienen a la memoria nombres míticos como Testament, Metallica, Exodus... incluso quizás Forbidden. Pero ¿alguien acostumbra a recordar a Laaz Rockit? Yo no y supongo que la mayoría de vosotros tampoco. Sin embargo estos tipos de San Francisco editaron con Enigma Records –tras un dignísimo Know your enemy- este fantástico Annihilation principle. Cuarto álbum de la banda, se grabó en los Prairie Sun Recorders –habituales estudios utilizados por los grupos y guitarristas del sello Roadrunner en la época- y contó con Roy M. Rowland en los controles de producción. Mi copia es la edición española distribuida por DRO
La portada de Jeff Sadowski llamaba la atención y el vídeo de Fire in the hole que algunos programas de videoclips –por aquel entonces se podían contar con los dedos de una mano, ya lo hemos comentado en otras ocasiones- nos permitían disfrutar, mucho más. En efecto amigos, ese tema fue el que hizo que me comprase este disco aunque la portada del Know your enemy me atraía mucho más y aún hoy en día es una de mis canciones preferidas del thrash metal


Es precisamente con Fire in the hole con la que comienzan Laaz Rockit de manera inmejorable su Annihilation principle. Mob justice sigue la estela del anterior tema, speed/thrash auténtico. Y si compré este vinilo por la primera canción, fue la genial Chain of fools la que me reafirmó en el convencimiento de que había adquirido un elepé estupendo. El inicio de Shadow company no presagia que en pocos segundos da inicio otro trallazo de gran calidad, segundo tema en longitud del disco y preámbulo a la extraordinaria cover de Holiday in Cambodia de los Dead Kennedys

La cara B se inicia con Bad blood, otro tema speedico ochentero que invita al moshing, algo que –debo confesaros- en mi juventud probé un par de veces, aunque la experiencia me dejó para el arrastre. Una ensalada de disparos sirve de intro para Chasin’ Charlie otro tema sin desperdicio de old school thrash metal. Mirror to madness es más de lo mismo y el final llega con la “balada” The Omen, un tema lento –el más extenso de todo el vinilo con más de seis minutos y medio- que me recuerda mucho a Testament cuando se ponían suaves, un indicadísimo broche de oro para un álbum imprescindible y que –tal como he comentado al principio- uno nunca encuentra en las listas Top de los vinilos de thrash ochenteros. 


Y los culpables meritorios de tal obra de arte no fueron otros que Phil Kettner y Aaron Jellum a las guitarras, Willy Lange al bajo, Victor Agnello a la batería y las voces de Michael Coons, artífices todos ellos de un disco que deberíais escuchar aunque a ningún periodista musical se le ocurra nunca ponerlo en una lista junto a Slayer, Metallica o Anthrax. Por si aún no habéis tenido el placer y queréis seguir mi recomendación, os acompaño la grabación enterita de Annihilation principle. Si acaso, después me comentáis qué os ha parecido. 


¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

Johnny Winter "Step Back" (2014)


Johnny Winter, el albino más famoso del blues, nos dejó el pasado 17 de julio. Sin duda Winter deja un vacío enorme en la comunidad bluesera tras más de 40 años de impecable carrera musical.
Winter estaba preparando un disco de versiones con diferentes colaboraciones estelares que se iba a editar en setiembre de este año. El disco se ha editado, efectivamente, este mes de setiembre pero, desgraciadamente, como disco póstumo. Step Back es el regalo que Johnny Winter nos trae desde el paraíso del blues. Allí donde estés Johnny Winter, gracias!!.  

The Band - "Northern Lights - Southern Cross" (1975).


La historia de The Band desde el punto de vista biográfico no difiere demasiado de la de cualquier otra banda de rock de las muchas que han pisado la piel del planeta.
Agrupación acontecida en parte por gracia del azar, sus primeros pasos vienen presididos por la unidad, la juventud con sus irresistibles ganas de vivir y jugar, y la química haciendo explotar matrices de creatividad, después la maduración, proceso individual que hace cargar con glorias o con cruces dependiendo de quien se trate, y finalmente la dispersión, en especial en lo que a sentimientos se refiere, luchas de egos y cuentas pendientes que se vuelven fuertes en corazones que se sienten dolidos por mil y un motivos seguramente mucho menos importantes de lo inicialmente percibido.
El caso es que en 1975 la formación canadiense sumaba cuatro años sin grabar temas nuevos, los últimos habían sido de trabajo acompañando la grabación del "Planet Waves" de Dylan con su posterior gira, (primera en ocho años del genio de Duluth), y la grabación del disco de versiones "Moondog Matinee".


En 1975 se trasladan a Malibú y allí graban en los recién inaugurados estudios del paraíso californiano: Sangri-La su séptimo álbum de estudio, este "Northern Lights - Southern Cross", de incuestionables excelencias artísticas pero de amargo poso sentimental por significar desde su nacimiento el claro principio del fin de una de las formaciones mas sublimes y perfectas de la historia de la música americana.
Y es que al entrar en los estudios apenas queda grupo, apenas queda nada de The Band, por primera vez la composición recae en exclusiva sobre los hombros de un único componente: Robbie Robertson, el resto de miembros no aportan apenas nada, y esto se nota en el sonido, o en la falta del terciopelo típico de las composiciones amargas y melancólicas de Richard Manuel, en la ausencia de enraizamiento que usualmente aportaba el inolvidable Levon Helm a la actitud del conjunto, que parece oficiar aquí únicamente como batería y voz; y tampoco se encuentra el tono country de fuertes colores crepusculares que aportase en otras empresas Rick Danko...lo dicho, el espíritu del disco, lo que se oye, o no se oye detrás de los instrumentos es lo que de triste tiene este disco, el silencio oculto en la música, fabulosa eso si, que podemos escuchar a lo largo y ancho del vinilo.
Otra evidencia de lo comentado es el papel creciente en importancia y empeño que desarrolla el académico Garth Hudson, músico de docta formación que hasta la fecha había sublimado a propios y extraños con su inapelable virtuosismo con tantos instrumentos como pusiesen a su alcance, oficiando incluso de profesor del resto de los componentes del grupo, pero su implicación en asuntos creativos nunca había sido excesiva.
En este disco en cambio la utilización por parte de Hudson de sintetizadores y el empleo para la creación del sonido de un magnetofono de veinticuatro pistas son determinantes para que los temas de este trabajo tengan ese sonido neutro pero profundo, rockero pero clásico, sin rastro de hermanamiento pasional con ningún estilo, un sonido como definió Colin Larkin: exhuberante y panorámico.
En cuanto al tracklist,  poco que decir, una colección de temas de perfecta construcción melódica, con un aire de evidente nostalgia y una perfección y redondez en el resultado final como la banda no conseguía desde los tiempos de sus tres primeras masterpieces.
Si el sonido resulta sinuoso y con una especie de remembranza de efectos psicodélicos ya caducados unidos a un cierto sabor soulero y jazzistico de tradición americana, las letras se muestran maduras y elaboradas, intelectuales unas, como en "Jupiter Hollow" de temática mitológica griega y sin el uso de ninguna guitarra en el planteamiento sonico de la misma, o con acontecimientos históricos presentes en los textos de la fantástica "Acadian Driftwood" levantada sónicamente sobre una base de acordeones o incluso reflexiones autobiográficas del propio Robertson en cortes como "Rags and Bones".
Son por supuesto temas muy destacables la hermosa y melodramática "Hobo Jungle" exquisítamente cantada por Manuel, el Dixieland Nueva Orleanesco de la grandiosa "Ophelia" o el soul bailable y ácido, casi funky (y sin casi) de "Ring Your Bell".
Extensas y definitivas resultan la apertura del LP con la psicodélica y mas ortodoxa a lo genuino e intrínseco de la banda: "Forbidden Fruit" y la maravillósamente envolvente y emotiva "It Makes no Difference" autentica favorita de un servidor.







Disco agridulce para el que suscribe, hasta la preciosa portada me arrastra a pensar en una despedida aún no decidida pero si intuida y conocida por todos los miembros del grupo que junto a la hoguera parecen dejar volar sus pensamientos a miles de km. de allí, de este disco grandioso y de The Band"Northern Lights-Southern Cross" es, a pesar del falso "Islands" el último disco de los gloriosos The Band y lo considero una de las joyitas de mi colección.


viernes, 5 de septiembre de 2014

Alice Cooper "Trash" 1989



Saludos amigos y amigas del blog, dejen comentarles lo bien que me sentí cuando adquirí este vinilo del gran maestro Alice Cooper, el amo del “Shock Rock” (debido a una tremenda anécdota ocurrida en un concierto, se las contaré algún día) una verdadera joya de su discografía y de todo el rock que lo llevaría a catapultarse entre los grandes referentes del final de los 80´s.

Para empezar el análisis de este trabajo titulado “Trash” cabe mencionar que es el 18º álbum de Alice Cooper, salió a la venta en 1989 a través de Epic Records en formato Lp. Yo lo conseguí en el año 2000 en esa edición que salió en los años ochenta. Una verdadera pasada cuando abres el disco y vez el diseño, pero vayamos a la música del amo del “Shock Rock”.
Aquí la cubierta de mi vinilo de Alice Cooper.
Con la producción de Desmond Child, además Trash contó con la participación de figuras del rock estadounidense como Steven Tyler, Joe Perry, Jon Bon Jovi, Richie Sambora, Steve Lukather, Kip Winger o el músico punk Stiv Bators, entre otros, Bators fallecería pocos meses después de la edición del álbum.

Para empezar el disco incluyó el tema Poison, el que da inicio al álbum y el primer hit de Cooper en alcanzar el "top ten" desde 1977. Que buen inicio con esta excelente pieza se te quedará el coro “you are poison!!!”. Ya saben una balada irónica de esas que tanto le gustan a Mr. Cooper. Grandiosa para los “muy enamorados”.
Aquí les dejo el vídeo de esta gran pieza, una de las emblemáticas de Cooper

Continuamos con la segunda pieza que lleva por el jocoso título “spark in the dark” una pieza rápida de buen rock que seguro funciona muy bien en los directos del señor Cooper. Excelentes coros y solos de guitarra encontrarás.

La pieza 3 del disco cuando suena sabes que es una de esas baladas que pasaron mucho en su tiempo transmitidas por las radios de la época y de los incipientes canales de música cuando eran eso. “House Of Fire” un tremendo hit en la discografía de señor Cooper para ponerte a escucharlo en esos momentos románticos con tu chica y dejar que te cuente esa historia que viene en la canción. Así ya llevas tres piezas de este disco y ya sabes que invertiste bien tu dinero con este trabajo.
Tremendo vídeo del maestro Cooper, en este temazo. Buenos recuerdos!!!
Nos seguimos con esa romántica pieza titulada “Only My Heart Talkin” a dúo con el maestro Steven Tyler esta canción es de las mejores logradas y sin duda una de esas llamadas “power ballads” de los años 80´s muy bien trabajada desde el principio. Ustedes dirán pero que romántico es el señor Cooper y si al parecer tiene su lado amoroso pero siempre se deben analizar sus historias porque con él nunca se sabe.

De ahí nos saltamos a la pieza no. 6 titulada “Bed Of Nails” otro de sus hits de este disco (en total tuvo 4) que por supuesto siguiendo con la misma temática del álbum habla del amor al estilo Alice Cooper, de esas relaciones tormentosas que parece ser disfruta el máster. Bueno la pieza te pone las pilas con los coros y los rifs pegadizos de la guitarra que cuando termina quisieras que no lo hubiera hecho y a pinchar de nuevo (un efecto que varías de las piezas de este disco tienen sobre tí).

Para cerrar los comentarios de este gran trabajo les comento que la pieza que da título al disco a dúo con Jon Bon Jovi. Vaya selección de cantantes que tuvo el señor Cooper con alguna de las piezas y en verdad que es funcionó muy bien, aunque personalmente no es de las mejores piezas del disco si mantiene el nivel de este gran trabajo. Una verdadera pasada no sé si concebida en la cabeza de Cooper o del productor Desmon Child o de ambos.


En conclusión aquí esta una joya de los años ochenta que debes tener sin duda en tu discografía y escucharlo con las personas que más aprecias o bien sólo, la situación es la misma. Este disco te va a hacer aflorar tus sentimientos (aún no logro descifrar de que tipo ya que son una mezcla para mí) sin duda alguna.  

Hasta el próximo viernes amigos y amigas, espero lo hayan disfrutado.
Anton 

The Clash "Live At Shea Stadium"

El 13 de octubre de 1982, en el Shea Stadium de New York, The WhoThe Clash y David Johansen tocaron ante una audiencia de unas 50.000 personas. Un sueño hecho realidad para un grupo como The Clash, que nunca hubiesen ni tan siquiera llegado a imaginar que podrían conquistar el mercado americano con tanto éxito. Pocos podían vaticinar que sería el principio del declive y posterior disolución de The Clash.

The International Submarine Band - "Safe at Home" (1968).


Con tan solo 21 años de edad un joven Gram Parsons ya estaba a la cabeza de un grupo de músicos que tenían en común su querencia por los discos country grabados por los pioneros del genero durante los lustros anteriores.
En julio de 1967 el bisoño Parsons decide entrar en los estudios de grabación LHI Records, propiedad de Lee Hazlevood, con cuatro temas de composición propia bajo el brazo, sin banda, exceptuando la compañía del guitarrista John Nuese.
La necesidad hace ponerse en movimiento al joven Parsons y pronto se incorporan al proyecto el amigo de Gram John Corneal a la batería y el bajista Joe Osborn, junto a estos hacen su aparición el pianista Earl "Les" Ball y el guitarrista de pedal steel Jay Dee Manes. La novia de Lee Hazlewood Suzi Jane Hokon lleva a cabo las labores de producción.
Esta formación empieza a trabajar en el estudio y graban los dos primeros temas que serían presentados en un single de 45 rpm: "Blue Eyes" y "Luxury Liner", ambas compuestas por Gram Parsons.



En estos dos primeros cortes ya se puede vislumbrar lo que será la sonoridad típica de Parsons, un country de esencia racial atenuado por delicadas melodías y decorado con aderezos sónicos de origen mas rockero, con acústicas stonianas sustentando la fibra sónica de los cortes.
Tras este lanzamiento se producen los primeros cambios en la banda, Bob Buchanan se incorpora a las guitarras y Chris Ethridge al bajo completando la definitiva formación del grupo junto a Gram, Corneal, Dee Manes, Ball y Nuese.
El resto fue coser y cantar, completaron el disco con otras dos composiciones de Gram, la luminosa y animada "Strong Boy" con sabor a domingo y olor a costilla a la brasa con el conveniente lubricado a base de cerveza de trigo y licor de zarzaparrilla.


Con la romántica y melancólica "Do You Know How it Feels to Be Lonesome?", tema aderezado con coros a lo Everly Brothers y piano de esencia mas rock que country y brochazos eléctricos a base de steels se completa la cota de composiciones propias del joven Parsons.
Con un estilo claro que acerca tonadas enraizadas en el género oriundo de Nashville al rock mas clásico que se mira en los primeros discos de Rolling Stones o en los ya clásicos de los pioneros cincuenteros, el disco va forjando un sonido característico en los lanzamientos que posteriormente protagonizase el inolvidable Gram Parsons con The Byrds, The Flying Burrito Brothers y en sus producciones en solitario acompañado de la encantadora Emmylou Harris, sonido considerado a día de hoy como pionero del country-rock, etiqueta cuya creación es adjudicada al prematuramente desaparecido músico de Florida.
Versiones de clásicos como el medley formado por el clásico "Folson Prison Blues" de Cash y el tradicional inmortalizado por Elvis entre otros "That's Allright" al que la ISB sabe dar un giro haciendo mirar a estos temas a un horizonte rockero en ritmo e instrumentación y country en espíritu.
Otros cortes como la silvestre tonada "Millers Cave" de Jack Clement mas ortodoxa en su reconstrucción o la excelente "I Still Miss Someone" del gran Johnny Cash, cuya esencia avanza pisando la linea divisoria que separa country y rockabilly, completan junto a otros clásicos idónamente revisitados un disco que es origen del llamado country rock y que sirvió de plataforma para el definitivo despegue de Gram Parsons, quien apenas duro unos meses en la formación, pues poco tiempo después de la publicación de este LP en marzo de 1968, abandonaría a sus compañeros para enrolarse en The Byrds y llevar a la veterana formación por caminos mas countryrockeros hacia el controvertido "Sweetheart of the Rodeo"...pero todo eso ya es historia, otra historia...
Hoy toca disfrutar de este excelente e histórico disco de 1967 de The International Submarine Band que dio origen al country rock y que se titula: "Safe at Home".




Hamlet - Sanatorio de Muñecos (Reedición 2014)

Saludos después de tanto tiempo amigos del vinilo! Acaba el verano (por fin) y vuelven las buenas costumbres como la de compartir con vosotros un nuevo vinilo de mi siempre escasa colección; y digo escasa por que esto nunca tiene fin, siempre necesitas más y más, aunque qué os voy a contar yo; creo que todos los presentes aquí sufrimos del mismo síndrome.

Hoy os traigo un vinilo que compré allá por abril y que me ha llegado a casa hace menos de una semana, por lo que podréis entender que estaba ya un tanto 'nervioso', por suerte la espera ha valido la pena y es que esta es una de esas reediciones que merece la pena tener.
 
A principios de abril Hamlet se embarcaron en un crowdfunding para publicar su nuevo DVD 'Vivo en él' y una reedición remasterizada de su disco Sanatorio de muñecos. La campaña resultó altamente exitosa y es que el grupo alcanzó rápidamente los 9.000 € necesarios para llevar a cabo el proyecto, alcanzando la cifra final de 23.765 € entre aportaciones que iban desde los 5 hasta los 300 euros. Aunque, para que engañarnos, está claro que Hamlet son hoy en día uno de los grupos más en forma del panorama nacional, que tienen una buena hora de seguidores y que son unos monstruos en directo, sólo hay que ver su actuación en el Resurrection Fest de este año.



Yo, como es normal, aporté mi granito de arena al proyecto para hacerme con una copia en vinilo del Sanatorio de Muñecos, primer discos del grupo (según ellos) y segundo según su discografía, parece ser que el grupo no quedó muy contento con sus inicios hardrockeros y aquel Peligroso de 1992. Para quien no conozca el disco le diría que es una muestra del sonido que el grupo mantuvo hasta el disco negro, metal alternativo con toques de rap, funk y voces guturales, lo que vendría a ser nu metal a la española; con unas letras repletas de crítica y denuncia social que, por desgracia, siguen muy vigentes hoy en día.
El disco ha sido remasterizado por Alex Cappa de The Metal Factory Studios que ha trabajado con otros grupos del estilo como Skunk D.F. o Inbred. El artwork del disco ha sido totalmente rediseñado por Victor García-Tapia basándose en una escultura de Antonio Corradini, para mí todo un acierto. Además, por los escasos 20 € de aportación, la edición incluye una púa, un encarte firmado por los componentes del grupo y un DVD con su actuación en el Hellfest de 2012. La cosa no acaba ahí y es que el nombre de todos los mecenas que aportamos dinero para el proyecto aparece en la funda del vinilo junto a las letras de las canciones, lo que hace de esta edición algo especial para los fans del grupo.



Setlist
1. Irracional
2. Perdón por vivir
3. Reza
4. Ceremonia T.V.
6. Qué voy a hacer
7. Sacrificar (sacrifícame)
8. Al Lado
9. Coeficiente deprimente
10. Quien
11. Repulsa total
12. Basta
13. Eso sí lo haces bien
14. Discriminación




En general, una muy buena y cuidada edición que sin lugar a dudas habrá gustado a la gran mayoría de fans del grupo. Buen finde y como siempre, salud y vinilos!




viernes, 29 de agosto de 2014

Thunder - Laughing on Judgement Day (EMI, 1992)


En este álbum de Thunder hay una inscripción que dice: para disfrutar este disco en auténtico estéreo nuestros ingenieros recomiendan que salgas y compres otra copia. Sin llegar a esta duplicidad, una gran colección de canciones como esta no puede faltar en ninguna estantería roquera, en vinilo, en cedé, en digital, en fin, cada uno como pueda o quiera.

La banda británica había debutado con exitazo a comienzas de la década tras años de dar botes por los garitos del Reino Unido. Llegaron a Donington en el verano del 90 como invitados y se lo comieron todo. Tras girar sin descanso, se metieron en el estudio con Andy Taylor (Duran Duran), quien había producido su debut, y tras varias semanas de duro trabajo eligieron catorce temas para conformar este artefacto de rock atemporal. Porque esto es Thunder en Laughing in Judgement Day, una mezcla de rock ochentero con una bestial base de blues y un conocimiento profundo de los clásicos del hard de décadas anteriores. Entre estos tres pivotes se mueven las canciones que estos cinco colegas se marcaron: Luke Morley y Ben Mathews a las guitarras, Danny Bowes a la voz, Harry James, batería, y Snake al bajo.



Los temas hard se llevan la palma. Everybody wants herLaughing on Judgement Day, por ejemplo, combinan un buen riff melódico con pasajes solistas interesantes, una buena batería y esa particular forma de Bowes para dejar su voz al borde de la rotura sin perder la melodía. Igual podríamos decir de Today the world stopped turning (algo más floja a pesar de un soberbio inicio y estribillo), Fire to ice (pedazo de riff) o Flawed to perfection (quizá la más americanizada de todas). Y enorme el cierre con Baby I'll be gone, hard rock blues de guitarras interpretado con cojones.

En cuanto a las baladas, sin duda Empty city gana por su ambición, por su profundo sentimiento, por su ejecución. No se quedan atrás A better man, quizá de mis favoritas, con una armónica muy bien metida y arreglos vocales de primera o Low life in high places.

La edición en vinilo es la original de EMI, editada en 1992. Álbum doble, con una carpeta muy bien trabajada a cargo del genio Storm Thorgerson: imágenes oníricas marca de la casa. Los dos vinilos vienen en fundas de papel con las letras correspondientes y los créditos y agradecimientos. Un buen paquete en una época en la que el cedé se comía el mercado del vinilo descaradamente y ya comenzaba a ser raro el cuidado por el formato grande. Una pequeña joya por fuera y por dentro.

Pasad buen fin de semana y disfrutad de este pedazo de banda.


Thunder - Everybody wants her



Thunder - Low life in high places



Thunder - Feeding the flame




sábado, 16 de agosto de 2014

Homenaje a Elvis, "La Voz del Rock" (1992) - Elvis Presley.


Ya se que hoy es sábado y no viernes, pero el motivo por el que me voy a saltar las normas espero que sea entendido, hoy hace 37 años que nos dejó Elvis, el rey se fue montando un barullo tremendo y dejando tras de si una estela de grandeza artística, material para un ciento de novelas noir y mil y una elucubraciones sobre su vida y su muerte.
Pero dejó su música, y un icono insuperable y mítico, a veces empalagoso, pero no por su culpa...y cine, y discos, cientos de discos.
Yo, como todo el mundo imagino, he tenido momentos mejores y peores, muchos mas mejores por fortuna, pero en los peores el rock, la música en general ha sido siempre un apoyo y una terapia...
En unos días oscuros ya superados, Elvis tubo a bien con la música de este vinilo echarme un cable, lo agradeceré siempre, y así lo escribí en su día.


Es por eso, que este vinilo, que no tiene nada de especial, me sea tan grato y querido.
Hoy como homenaje a Elvis y en recuerdo a él, quiero si me lo permitis rescatar aquel post del pasado como recuerdo de algo que ocurrió y que gracias a Elvis (entre otros) acabó bien.
Hasta siempre Rey y feliz sábado a todos.

El Día que Elvis me echo un cable. (17/05/2013 -Rock and More By Addison de Witt)

Algunos días uno se siente raro, no sé, igual es algo que me pasa a mi que muy normal no debo ser, pero sin responder a nada me levanto y me siento como fuera de mi cuerpo, da la sensación de que observo el mundo desde fuera de mi estructura, como si mi cuerpo estuviese en una pantalla de cine y yo viendo mi realidad sentado en una butaca, desde fuera, no sé , que me siento raro.
Es como una sensación de soledad, de tristeza que te atenaza y no te deja ser feliz, te mantiene inapetente ante todo, y no es que yo sea una persona solitaria que no lo soy, ni estoy solo, que tampoco, ni me sienta solo, que no tengo motivos, pero a veces...
Lo suelo achacar al tiempo, (le echamos la culpa de todo), lo cierto es que siempre me suele ocurrir tras levantar la persiana y encontrarme con un cielo color estaño y un suelo oscurecido por el agua de lluvia, no recuerdo que me haya pasado en uno de esos días que eres abofeteado nada mas levantar la persiana por un sol cálido y amarillo que inunda tu cuarto  y tu vida, llenandote de vitaminas, especialmente para el alma.
El otro día tube uno de esos días raros, estaba muy nublado y me desperté demasiado temprano, seguramente sin llegar a descansar las horas que debía, que necesitaba.
Había quedado con la familia al mediodía, era muy pronto y estaba en casa solo, sentado en la mesa delante de unos cereales y una taza de café, sin pensar en nada, con una sensación de peso encima de mi, que además de rara era molesta, incluso dolorosa.
Tristeza injustificada, soledad insolidaria, pesadumbre inexplicable... No pintaba bien el día, no parecía que fuera a levantar cabeza.
Entonces hice lo único que se puede hacer en estos casos, buscar ayuda en la estantería de los discos, me dirigí a los vinilos y empecé a repasarlos, pinchemos algo, que por lo menos se rompa el silencio espeso que cubre de forma casi sólida, mas que gaseosa el espacio de mi casa.


Entonces lo vi, y supe que podía ser mi salvación... era un vinilo precioso, me lo acababa de regalar un íntimo amigo (soledad injustificada insisto), responde al titulo de "La Voz del Rock". Se trata de un recopilatorio del "Rey" con los 35 temas mas "famosos" de Elvis, todo lo clásico, lo imprescindible, sin ningún tipo de sorpresa ni corte que de una especial enjundia a la recopilación, un grandes éxitos de tantos...pero se trata de un vinilo precioso, con una foto difuminada de Elvis sobre un elegante fondo color marfil, sonriendo, moreno y en esa mediana edad de principios de los setenta, con traje blanco de gala, y ¡todo en castellano!, de verdad un vinilo doble precioso, muy bonito.
Lo pinche y empezaron a sonar los temas uno tras otro: "That's all right mama""Mystery Train""Heartbreak Hotel"... Me puse a fregar las tazas del desayuno y poco a poco mis pies empezaban a desperezarse, una barridita a la sala al ritmo de "Hound Dog" y su posterior fregado bajo la influencia del adictivo meneo pélvico que provoca "Teddy Bear". Incluso pasé el polvo de forma relajada con la ternura de "Love me Tender", dejé de acusar al tiempo de crueldad mientras sonaba "Don't Be Cruel" y cuando acababa el primer vinilo al son de "Stuck on You" el día se había arreglado.
Estaba triste y gracias al Rey ahora estoy bailando el segundo vinilo, primero romántico con "It's Now or Never" después melancólico y ensoñador... tenue disfrutando de "Are you Lonesome Tonight", y de aquí al final eufórico hasta el final con "Promise Land".
Finalmente baje a Bilbao con la familia totalmente eufórico, con una sonrisa en los labios y de buen humor...se había hecho el milagro, esos milagros que solo los ángeles pueden hacer, que solo los Dioses hacen tan rápido, que solo hacedores de prodigios como el "Rey" consiguen, gracias amigo mio por el cable, el día que nos veamos en donde quiera que vayamos los súbditos del rock and roll tendré el honor de agradecertelo en persona, tantos buenos ratos (especialmente en estos últimos tiempos), tanta buena música, tanto amor.
El resto del día fue genial.
Cuando os despertéis sin ganas de nada, tristes y solitarios, bajos de todo... Acordaros de los ángeles, acordaros de "El Rey".









Este post fue publicado en Rock and More by Addison de Witt y recuperado hoy aquí con motivo de homenajear a Elvis Presley en el 37 aniversario de su muerte, para consultar el post original pinchar en el enlace.

viernes, 8 de agosto de 2014

Aerosmith "Pump" 1989



Decidí publicar este vinilo porque es uno de los que más reciente adquirí, y uno de los más difíciles de encontrar, tanto que es la primera vez que veo este vinilo por estos rumbos. Debo mencionar que es de segunda mano pero muy bien conservado por ello decidí hacerme dueño de este disco con el fin de no perdérmelo, ya que no lo he vuelto a ver en este formato a diferencia de otras publicaciones de la banda. Imagínense nada más.

Este disco es el nombre del décimo álbum de estudio de la banda de Hard Rock estadounidense Aerosmith, Fue lanzado al mercado por Columbia  el 12 de septiembre de 1989. El álbum fue remasterizado y reeditado en 2001.

Este disco fue muy aclamado por los críticos especializados en Rock y por la música en general, una muy buena selección de canciones del mejor Hard Rock que los originarios de Boston, por lo cual se les llama también “los chicos malos de Boston”.



El álbum incorpora muchas curiosidades en las canciones sino es por el uso de instrumentos es por las letras que las componen, haciendo de este disco un referente de la época de los 80´s. Reconocido como uno de los mejores trabajos de la banda por los fans algo de lo cual la banda siempre agradece, sin embargo entre los premios y logros que tiene este álbum están el haber vendido siete millones de copias nada más en los E.E.U.U., tener su primer premio Grammy por la pieza “Jannie´s Got a Gun”, en tanto el track “Love in a elevator” obtuvo el puesto #1 en Mainstream Rock Tracks, asimismo estuvieron entre los primeros 10 lugares 3 singles que lanzaron de este álbum; entre otros logros.

El disco abre con una pegajosa canción de Hard Rock que se te queda en la mente “Young Lust”, que buen coro para una canción inicial se te queda la pieza vamos, seguidamente se encuentra otra de sus canciones con mucho feeling la que se titula “F.I.N.E.” excelente pieza con ese sonido guitarrero gracias al trabajo de Perry. Aquí les dejo una muestra de esas piezas.



Enseguida viene uno de sus singles que se desprende de este disco “Love In Elevator” que como dice el título es de las canciones que se destacan por el contenido de la misma, funcionó tan bien que hasta un videoclip se tiene elaborado de esta pieza, muy bueno por cierto. Aquí les dejo el videoclip para su disfrute, cabe mencionar que esta edición es la que se transmitió luego ya que durante esos años sólo se hizo pero con algunas escenas editadas, cosa normal ya que hablamos de hace poco más de 20 años y se percibía diferente los vídeos musicales.



Para la quinta canción tenemos a la muy polémica (una más de este disco) “Janie´s Got a Gun” una pieza que habla del incesto, brujería y de asesinato ya se imaginarán la reasgadura de vestiduras que se habrá desatado en esa época. Este track tiene un buen coro y sobretodo una buena historia que contar, es de las mejores canciones compuestas por la banda a lo largo de su prolífica carrera. También se tiene un vídeo producido para este track un año después el cual tal y como lo menciona la letra de la canción contaba la historia de una joven que sufre de incesto, practica la brujería para poder vengarse y al final comete un asesinato, dramática historia muy bien contada en el vídeo el cual les dejo. Nota: fue hasta 1994 que pudimos ver el videoclip de esta pieza.



En la pieza número 6 se encuentra “The Other Side” excelente composición de Hard Rock que te transmite esa buena vibra que todo buen disco debe presentar, excelentes coros a cargo de Hamilton y Perry acompañando muy bien la voz de Tyler aquí se hace uso de teclados y una sección de vientos para acompañar a la pieza las cuales encajan perfectamente, vamos que como todo en este álbum se nota que fue muy bien pensado y con la mejor idea para plasmar la pieza en su edición final.



Las siguientes 3 piezas conservan esta tendencia de hacer del disco un archivo sonoro agradable para todos los escuchas, con lo que ya hemos mencionado coros pegajosos y rasgueos de la guitarra que te atrapan, así llegamos a la última pieza de este trabajo otro de los singles que se desprendió de este álbum, hablamos de “What It Takes” una balada que debe ser de las mejores composiciones de la banda, fue escrita por Desmond Child, Perry y Tyler. Estupenda pieza, es de esas canciones que todo buen álbum debe tener sin duda, hasta la fecha esta pieza atrapa a nuevos seguidores de las nuevas generaciones tal como lo hizo en su tiempo. Sin duda que fue muy bien pensada creativamente también se cuenta con un vídeo el cual les dejo.



Este álbum “Pump” fue producido por Bruce Fairbairn y los ingenieros Mike Frazer y Ken Lomas en los The Little Mountain Sound Studios en Vancouver, Canadá. Todo el proceso de grabación quedo inmortalizado en el documental “The Making Of Pump” donde nos muestran como fue todo el proceso creativo de este trabajo, así como la vida de la banda en sus típicos días de trabajo.

La alineación de este disco fue Joey Kramer en la batería, Tom Hamilton en los coros y bajo, Brad Whitford y Joe Perry en los coros y guitarras eléctricas, y el gran Steven Tyler en las voces, teclados y armónicas. Vaya alineación de Aerosmith.


 Aquí el arte del vinilo amigos, los dejo y nos leemos la próxima semana que el trabajo que se reseñará sin duda hará que "llueva caña" como dicen en algunos lados.

Anton