jueves, 2 de julio de 2015

Roxy Music - "Manifesto" (1979).


Roxy Music es una banda que durante las últimas tres décadas ha estado yendo y viniendo en mis escuchas, lo mismo me he pasado semanas escuchando sus discos compulsivamente que he pasado meses e incluso años sin escucharlos.
Cuando los conocí, fue el álbum "Avalon" el que me engancho al glamouroso modo de ver la música de Ferry y compañía, me gustó el grupo desde el principio, siempre me hizo sentir un 'no se que' de artificial postmodernidad, como una trascendencia vanguardista que enarbolaba mi snobismo intelectual, que me hacían sentirme un dandy interesante y distante como Bryan, como los maniquíes que bailan en la portada de "Manifesto", y eso con 15 años, pues que quieren que les diga, tiene su aquel.
Fueron pasando los años y este sentimiento tan idiota se fue difuminando, pero la música de los ingleses me seguía gustando, es posible que "Manifesto", que fue mi favorito durante la adolescencia fuera pasando a un segundo plano con el paso del tiempo, decantando mis escuchas en estos últimos años hacia trabajos anteriores como "Siren" o "Stranded", incluso "Avalon" seguía quitando minutos a otras bandas, pero "Manifesto" ya no.
Así a sido hasta este domingo, el motivo es que ojeando vinilos en el mercado que se monta en Bilbao los últimos domingos de mes, en las instalaciones que en Zorrozaure ocupa el grupo de artes Pabellón-6, me tropecé con un ejemplar en perfecto estado y a inmejorable precio (3 pavos) de este disco, no lo pensé ni una décima de segundo y me lo llevé.


Y claro, he dedicado estos días a escucharlo, a recordarlo. "Manifesto" llega tras varios años de silencio del grupo, con una formación integrada por Bryan Ferry, Phil Manzanera, Andy Mackay y Paul Thompson, con alguna colaboración extra como la de Paul Carrack a los sintetizadores.
El cumplir años yo creo que levanta una cortina de humo en la memoria que impide que veamos las cosas con claridad cuando de observar por el retrovisor del pasado se trata, pues no es la primera vez que discos que he pasado años sin escuchar al repescarlos me parecen distintos, llegando a dudar de que el disco del pasado se corresponda con el que ahora estoy escuchando, esto me ha pasado con este: "Manifesto".
Es evidente el cambio de vestimenta que le ponen a las canciones los chicos de Roxy Music, el estilo glam que domina sus cortes en la primera mitad de los setenta, influenciados en primer lugar por el encanto electrónico de Eno, y tras su marcha romantizados por la elegancia sensual de Ferry, ha desaparecido en este final de década transformándose sus temas en galmorurosos cortes destinados al baile y al hedonismo, siempre que este se entienda de chaqué y con una copa de champán en la mano claro.


El eclecticismo es el que reina en el sonido del trabajo, bajo la ínfula de la música disco, el pop sintetizado que estaba por llegar empieza ha hacer aparición en algunos temas fusionandose con un funk blanco y la actitud superficial y cosmopolita de siempre en los trabajos de Bryan Ferry.
El álbum se vió respaldado por dos éxitos comerciales absolutos como: "Angel Eyes", un tema bailable, de ritmo intenso y muy epatable con lo que en aquel 1979 gustaba, y "Dance Away" un tema de sublime melodía y contagioso estribillo que invitaba al baile y a la sensualidad, entre el pop, el disco y el funk, suena ya a nuevos románticos, en ambas gran trabajo al saxo de Mackay.
El resto de cortes es un batiburrillo desordenado pero de forma muy metódica, momentos mas interesantes como la inicial "Manifesto" o "Trash", mas rockera y directa.





También es interesante "Stills falls the rain", música mucho mas industrial dentro de un estilo que recuerda a esa suerte de funk que practica el Bowie de la época de Berlin.
En la cara B destaca la inicial y elegante "Ain't that so", romántica y lírica, premonizando el sonido de "Avalon", la divertida: "My little girl" y el funk adictivo y discotequero de "Cry, cry cry".
Me ha gustado recordar este disco, genial portada y algún momento más que notable pero no comprendo, desde mi realidad actual, como pudo ser mi favorito de la banda, ahora suena y gusta, siempre que no pretendas profundizar en él de modo mas íntimo, pues creo que tras la capa de maquillaje de ellas y el smoking de ellos el disco pierde fuelle, mucho mejor bailarlo y aprovechar para otros menesteres en pareja (o solo).




viernes, 26 de junio de 2015

Meliah Rage - Kill to survive (1988)


Amigos del soporte vinílico, un viernes más dejo por aquí mis impresiones sobre uno de los discos que poseo. Esta vez, el protagonista de mi entrada es el que os muestro en la cabecera de la entrada, con esa pegatina de Precio redondo CBS en la portada –ojo, también en casette– que ya sabéis que, aún siendo antiestética, a veces era más indicado dejar ahí que intentar sacarla, por el peligro que eso conllevaba para la capa brillante de la carátula. Seguro que todos tenemos alguna mala experiencia en ese sentido ¿no? Recordad que WEA tenía otra de esos adhesivos para sus promociones, otro círculo con un símbolo de admiración blanco sobre fondo amarillo. Total, que –recuerdos aparte– hoy os quiero hablar del debut de los norteamericanos Meliah Rage y este más que aceptable exponente de thrash ochentero titulado Kill to survive del que os traigo la reedición española de 1992, algo que sabemos tanto por la mencionada pegatina de los coj... de las narices, como por la franja negra añadida a lo bestia en la contraportada con los datos de la distribuidora, y la desafortunada reimpresión que hace del todo imposible leer absolutamente ni uno sólo de los créditos. Y aún gracias a que, al menos, se ha conservado el diseño original y no hemos sufrido –como por ejemplo en el British Steel de los Priest o el Lovedrive de Scorpions– que se dejase la contraportada en una, supongo que más barata, irrespetuosa versión en blanco y negro. Pero disculpadme, que me estoy yendo por las ramas. 


Los Meliah Rage son una banda de thrashers de Boston –el hogar de Aerosmith o Extreme, por citar dos grupos conocidos– que se formaron en 1987 y un año después lograron un contrato con Epic records. En teoría y según cuentan todas las crónicas a las que he tenido acceso, el nombre lo sacaron de una tribu india –los meliah– que tenían por costumbre drogarse con opio antes de iniciar sus batallas. Sin embargo, por mucho que he buscado en varios registros de las tribus indias norteamericanas, no he sido capaz de encontrar referencia alguna a esos tales meliah. Sea como sea, la idea no está mal y al menos les sirvió a John Niccolls –diseñador– y Jim Meehan para crear una estupenda portada. Grabado en los Normandy sound studios bajo el mando de la propia banda a la producción con la ayuda de Tom Soares y Tony Mousalli, el line up formado por Mike Munro a las voces, Jim Koury y Anthony Nichols a las guitarras, Jesse Johnson al bajo y Stuart Dowie a la batería dio forma a un álbum de poco más de media hora que tenía el siguiente track list

A 
Beginning of the end 
Bates motel 
Meliah rage 
Deadly existence 

B 
Enter the darkness 
Impaling doom 
The pack 


¿Y qué puedo contaros de este álbum?, pues que el riff inicial de Beginning of the end me evoca al comienzo de Two minutes to midnight de los Maiden. Sin embargo, pese al aroma a NWOBHM que desprenden estos chicos, ahí finalizan las similitudes. Claro que, cuando comienza Bates motel, parece que estemos escuchando Damage inc. El tema título es una estupenda instrumental que me recuerda a Megadeth a ratos, aunque después tampoco es tan obvio el parecido. A partir de ahí y en general, el resto de temas son thrash ochentero puro a lo Megadeth, Metal Church o Metallica... e incluso Mercyful Fate, como en el caso de Impaling doom (¿os habéis fijado que todas las bandas mencionadas comienzan por M?). Es decir amigos, que los Rage eran definitivamente unos thrashers que recogían influencias de aquí y de allá, llegaron tarde al reparto de fama y nunca fueron tan conocidos como la primera hornada de bandas norteamericanas del género –al menos por estos pagos–, pese a ser unos músicos notables que fagocitaron de todo lo que se cocía en los ochenta aunque sin encontrar un espacio y estilo personal que los diferenciase del resto. Por eso –en mi opinión– facturaron un par de álbumes de gran calidad a finales de la década de los ochenta que, sin embargo, no aportaron nada nuevo al panorama metalero y tras los cuales siguieron una carrera errática que, si bien no les hizo desaparecer –de hecho, el año pasado sacaron nuevo álbum que debieron comprar familiares y vecinos-, les apartó, al menos en Europa, de los primeros puestos de la liga del METAL. 

De todas formas, los encontré lo suficientemente interesantes como para hacerme también con su segundo Solitary solitude. Así que no puedo hacer otra cosa que recomendaros la escucha de esta, su opera prima. No os arrepentiréis. 

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

Pentagram "Relentless" Peaceville Rec (1993)


El álbum "Relentless" es el debut de la banda estadounidense Pentagram que se realizó de manera independiente durante el año de 1985, pero que fue reeditada en el año de 1993 por la emblemática disquera Peaceville Records con un track list acomodado de manera diferente al original. En un principio el material llevaba el mismo título de la banda pero los originarios de Washington, D.C. decidieron que en las reediciones apareciera distinto. La label editó este material en vinilo, en un doble CD y en digipak con asombrosas ediciones. La agrupación se encargó de regrabar el material que contenía su demo "All Your Sins" publicado en 1982 por lo que se decidió que las voces y guitarras se grabarían de nuevo con la publicación que realizarían en 1985 para la reedición las voces y el sonido fueron restaurados con una mejor calidad de audio.

Ésta banda son unos excelentes alumnos avanzados de los míticos Black Sabbath, la portada del disco luce bastante cutre y bien podría pasar como la típica tapa de una banda de Black Metal o totalmente underground. La primera edición sólo contenía el nombre de la banda pero en la que editó a Peaceville Records, vemos un pentagram haciendo referencia al nombre de la banda con un fondo oscuro, además del nombre "Relentless" (Implacable), fue un gran acierto relanzarlo en ese año de 1993 en pleno auge de la música extrema nórdica con letras basadas en el ocultismo, satanismo y los rituales. Así muchos metalheads que tenían su preferencia en el metal extremo se dieron la oportunidad de conocer una banda basada en el Doom Metal y el Stoner, además son contemporáneos de los ingleses Cathedral quienes también poseen un estilo similar. Así los Pentagram se convirtieron en una banda referente para la generación de metalheads entre los años 1990 y 1994. A pesar de que su historia nos remite a la segunda mitad de los años '80s.


La banda posee su mejor arma en los rifs densos que nos aplastan como un mazo encima de nosotros sin duda la banda integrada por Bobby Liebling en las vocales, Victor Griffin en las guitarras inspiradas en Tony Iommi, Martin Swaney en el bajo y Joe Hasselvander en la batería; se encargaron de ofrecernos un repertorio de lo mejor de la vieja escuela del Doom y Stoner haciendo de éste trabajo un álbum disfrutable para todos los fanáticos del género o a los que sigan a bandas con fuente de inspiración en el rock setentero como los míticos Black Sabbath. 

Muchos consideran a éste trabajo una verdadera obra maestra para las nuevas generaciones de bandas que actualmente se encuentran teniendo mucho éxito en varias partes del mundo basando su sonido como el de la banda. Por ejemplo los Kadavar de Alemania y los suecos Spiritual Beggars (Ya reseñados aquí), Orchid, Saint Vitus o los españoles Black Smoke Dragon. También es necesario recordar a las bandas que en los años '90s tuvieron éste sonido pero combinado con el sonido alternativo como los Fu Manchu o Monster Magnet. Así podríamos seguir enumerando bandas cuya fuente de inspiración sin duda tuvo como referente el disco publicado de manera independiente en el año de 1985.  


Edición de 1985 del disco de PENTAGRAM.

La banda nos cuenta la biografía pasó por diversos cambios de alineaciones hasta que decidieron que su carrera debería ser tomada más en serio por lo que estabilizándose como cuarteto grabaron de mejor manera sus demos permitiendo que el sonido fuera ecualizado para hacer que se caracterizará por la distorsión en las guitarras, la voz melodiosa de Liebling no desentona para nada con el estilo del grupo dando un toque distintivo frente a sus fuentes de inspiración musical ya mencionadas.

El track list de la reedición que es el vinilo que conseguí es el siguiente: 
Lado A
1. Death Row
2. All Your Sins
3. Sign Of The Wolf
4. The Ghoul
5. Relentless

Lado B
6. Run My Course
7. Sinister
8. The Deist
9. You're Lost, I'm Free
10. Dying World
11. 20 Buck Spin


Desde el inicio del disco nos encontramos con una banda que sus irfs son densos y muy oscuros acompañados de unas letras que parecieran ser inspiradas en bandas de Black Metal de aquella época como los Venom, Bathory, Mercyful Fate o los mismísimos Slayer. Sin duda es una gran overtura con "Death Row"(como se llamaba en un principio la banda)  poniéndonos en la sintonía de que la melodía puede ir acompañada de letras que inspiran terror hacía lo desconocido, lo oculto; como si nos adentráramos en algún ritual en medio de la nada. "All Your Sins" nos canta lo que se conoce en las sociedades conservadoras  llamarle "pecados" son fuente de inspiración para que nos dieran a conocer una gran canción con melodía adictiva en los riffs de la guitarra para saber que ya nos encontramos en territorio del más malévolo stoner y doom que podamos conocer. La pieza que a continuación viene es una de las más adictivas que podamos escuchar de la banda se titula "Sign Of The Wolf" donde dan rienda suelta a su tremenda creatividad en el estilo, bien liderados por la guitarra en todo momento aquí se escucha varias veces mencionar la palabra "pentagram" y es la que tiene mayor inspiración en las guitarras de los Black Sabbath, es de esas piezas que puedes pinchar una y otra vez sin descanso. La última que les recomendaría es la que lleva el nombre del disco, "Relentless" es una composición rápida para demostrarnos que en el Doom y Stoner Metal no sólo las piezas lentas son las que dominan, la voz de Liebling nos sigue hipnotizando a pesar de su tono, bien estructurada en los cambios de ritmo y en los coros. Gran trabajo de la guitarra faltaba más decir. 



Basta de más decir que con la imagen de la banda, que el frontman Bobby Liebling es un auténtico "show" en vivo con sus gesticulaciones que no puedes dejar de verlo en el escenario comiéndose a todos sus compañeros excepto en las partes donde el guitarrista realiza los solos de guitarra. Muchas bandas manejan imagen pero como ellos muy pocos incluso en la actualidad. Les dejo unos links para que escuchen un poco de la discografía de los emblemáticos PENTAGRAM


"Death Row"


"All Your Sins"


"Sign Of The Wolf"


"Sign Of The Wolf" Live 1983


"Relentless"

En resumen que éste trabajo es para que nos demos una idea del rock de corte oscuro que venía cocinándose desde los años setenta que más tarde influiría en las bandas de metal extremo de los años '80s para dar paso a los subgéneros como el que ocupa ésta grandiosa banda que no debe faltar en tu colección estoy seguro que no los van a defraudar, pueden escuchar el resto de su discografía de ésta agrupación. Hasta la próxima semana amigos y amigas del blog continuamos con más rock y metal en éste blog.


Buen fin de semana.

SHALOM - SHALOM (1989 – Barrabás)





Ha llegado el verano, y con él las vacaciones. Es el momento de desconectar, de dejar atrás la rutina y de rebajar el nivel de estrés, cada uno como buenamente pueda y donde pueda. Yo suelo hacerlo disfrutando un puñado de días de la gente, gastronomía, paisajes y playas gaditanas, cerca de Algeciras, ciudad en la que surgió la banda que pone fin, por mi parte, a la temporada 2014-2015 de entradas en el blog.

SHALOM fue una joven banda formada en 1987, en la barriada algecireña de La Granja, por Sebas M. Guerrero (voz),  Juan J. Tamayo (guitarra), Tony Jurado (batería), Rubén J. Tamayo (bajo) y Chico Valdivia que se incorporó más tarde a los teclados que toda buena banda bajochentera debía tener.

La pasta conseguida por ganar un concurso de rock organizado por el Ayuntamiento de su localidad, la emplean en grabar en 1989 y en los Estudios Central de Sevilla su primer trabajo bajo la batuta de Mariano García, lo que les permite girar por todo el país tanto teloneando como en solitario. Recuerdo que el single promocional del disco con la festiva y pegadiza “Buscando rollo” tuvo cierta repercusión en emisoras de radio nacionales.




Compuesto por 10 temas, uno de ellos “Seheherezade” instrumental, Shalom es todo un discazo lleno de matices que te hará disfrutar del rock más melódico y vocal. Yo lo pondría muy arriba entre los mejores álbumes del hard rock español de los ochenta.

Basado en un buen trabajo compositivo e instrumental, destacan unos solos muy trabajados, una potente batería y la espectacular voz de Sebastián, que brilla cantando de chicas, alcohol, rock y mucha fiesta.

Buena muestra de ello son “Noches”, “Gente sin fe” donde Sebas emplea todo su poderío vocal; “Cógeme” de lo mejorcito del vinilo y tema con el que debutaron en el programa de tve “A tope”; “No me olvidarás” otra excelente composición en la que las guitarras proporcionan buenos momentos; “Que es mejor” con unos solos y estribillos de lujos; la divertida “Buscando rollo” o “Si quieres rock” que cierra el álbum a un ritmo pegadizo y endiablado. Únicamente el medio tiempo “Solo en la tiniebla” da un poco de respiro a tanto guitarreo y movimiento.





A pesar de su calidad, con la discreción que llegaron estos chavales, salieron de la escena rockera nacional. Unos años más tarde, de la mano de la granadina Big Ban Producciones, logran reunirse y sacar al mercado Séptimo cielo, trabajo póstumo que pasó por la misma escena sin pena ni gloria. 

Peña, qué tengáis un buen verano!!, nos vemos en septiembre con nuevas propuestas y vinilos.

Cara A:
                 1. Shalom                 
2. Noches
3. Gente sin fe
4. Cógeme
5. Solo en la tiniebla

Cara B:
6. No me olvidarás
7. Seheherezade
8. Que es mejor 
9. Buscando rollo
10. Si quieres rock















Bang Tango "Dancin' On Coals" (1991)


Bang Tango siempre ha quedado relegado un grupo de segunda fila pero se ha de reconocer que contribuyeron a darle un poco de aire fresco a un género, el sleazy rock, que a finales de los 80 y principios de los 90 se estaba convirtiendo en poco más que una parodia de si mismo.
Bang Tango combinaban el viejo hard rock de la escuela Aerosmith con el ritmo funk del bajo, metales aquí y allá y guitarras roqueras. Una combinación que en esos años estaba muy en boga.  

Danny & The Champions of The World - "What Kind of Love" (2015)


No es frecuente en los tiempos que corren, que ante la aparición de un disco deseado de forma intensa, se tenga la paciencia de esperar a que éste se encuentre en casa en formato físico, teniendo ocasión de escucharlo con anterioridad a que este hecho se produzca por los innumerables cauces de que se dispone. Si como en este caso, el disco ha sido solicitado por internet, en vinilo, y tarda varios días en llegar, el esfuerzo de disciplina es mayor aún si cabe.
Pues por una vez y sin que sirva de precedente, un servidor ha acometido tal hazaña ante la primera escucha de este: "What Kind of Love", el esperadísimo nuevo trabajo de Danny Wilson, tras el maravilloso "Stay True" que a tantos encandilo hace dos ejercicios.
Y es que a pesar de las grandes expectativas depositadas en él, que estas se venían convirtiendo en realidades a tenor de lo comentado por amigos que ya lo habían escuchado y que lo elogiaban sin amago de duda, y que los temas (excelentes) adelantados hacían mas lujurioso el deseo de echarse el artefacto a los oídos, termina venciendo en mi el oscuro interés en cazar el disco en primera escucha por medio de aguja y surco, en casa, de forma virginal, como la primera noche de amor compartida por dos amantes aún sin mácula de pecado en sus cuerpos y almas.
Y justo es decir que el estreno no pudo resultar mas placentero y candoroso, desde el primer contacto se impuso el exquisito tacto instrumental de los maravillosos sonidos que visten unas emotivas composiciones, sonidos confeccionados en base a una compacta y deliciosa sección de viento formada por el Champion of The World'Free Jazz' Geoff Widdowson (saxo) y los excelentes músicos acompañantes: Gram 'Canyon' Trelford Davies (trombón) y Kris Jones (trompeta y flugerhorn) y un equipo coral de primer orden, además de la consabida sapiencia de aroma soulero de los virtuosos: Chris Clarke (bajo), Paul Lush (guitarra), Steve Brodkes (bateria), y Henry Senior jnr (pedal steel guitar), que conforman junto a Danny Wilson y el ya mencionado 'Free Jazz' a los impresionantes Champions of the World, responsables de la maravillosa brisa de latidos elegantes y emocionantes que rememoran a Ottis o Cooke, y que empastan con la voz quebradiza, agridulce, hermosa y honrada de del jefe de forma natural y casi mágica para crear esos momentos sublimes que se incrustan en almas y corazones, moldeando penas y acariciando sentimientos.


Y es que todo el disco es un escaparate de bonituras, de suspiros hechos corcheas y sentimientos que se extienden sin vergüenza de mostrarse en su apabullante desnudez.
Desde las engalanadas voces de viento que nos dan la bienvenida en ese canto primaveral mojado de rocío que es: "Clear Water" y que firma una declaración de intenciones que no se traiciona en ningún momento del álbum.
"Precius Cargo" es romántica y presenta una paleta tan repleta de matices que se adaptan intuitivamente los unos a los otros, que el cuadro resultante es delicioso, colorista y en pastel, voces, latidos, un saxo que resurge de un mar de guitarras y aullidos de steels...escucharla es sentir el aliento de lo bonito de la vida.



Una balada soul que se deja amar por el rock nocturno y lírico de los songwriters bohemios de otros tiempos, hablo de: "This is not a Love Song".
Cohesión de una banda que demuestra un impresionante dominio del espacio sónico en la fabulosa versión: "Can I change my Mind" de Tyrone David.
Y termina esta primera parte del vinilo con el corte que titula el disco, una arenosa voz desglosa palabras en idioma canoro Dylaniano mientras steels comparten besos orquestales con acústicas y teclas, preciosa.


Con ímpetu en percusión, hammonds pidiendo protagonismo y guitarras soul-blueseras nos recibe la cara B con la bailable y mas eléctrica: "Words on the Wind" que nos lleva a los brazos de otra bonita balada de acentos cabareteros y suntuosos vientos titulada: "Just be Yourself".
Seca y sureña, con un aire que me suena muy "Dixie", muy The Band, muy seria pero amiga, otro tema de impronta genuina con un solo de guitarra definitivo y que recibe como título: "It's Be All Right in the End".



Otro canto fresco como  la primavera, feliz como la sonrisa de un niño es: "Thinking About my Friend", nuevamente cantada con linea y voz inconmensurables como si Otis dejase su podio en el cielo para tocar la garganta de Danny.
Y nos dicen adiós estos tipos con otro soul de dorado cuño, mas costa oeste, mas soleado y cálido, nuevamente cantado con linea impoluta y timbre dulce, nos dejan los campeones con "The Sound of a Train".





Auguro que este disco será uno de los álbumes del año para muchos, por bonito, por emocionante, por candoroso y por que es una obra exquisita de sensibilidad, riqueza sonora y adhesión de componentes sónicos de irresistible sensualidad de las que no se dan siempre, en el caso de estos señores la costumbre empieza a hacerse ley, que siga.

viernes, 19 de junio de 2015

Heavy Load "Death Or Glory" Thunderload Rec (1982)


Ésta banda es de las que más injusticia han recibido debido a que es una banda sueca y para el tipo de Heavy Metal que practican deberían de haber sido más reconocidos en los años que publicaron sus obras discográficas. Ellos practican un estilo orientado en lo que se conoce como New Wave Of Heavy Metal British (NWOHMB), ya que desde su fundación en el año de 1976 se influenciaron en los discos de Deep Purple y Blue Öyster Cult, pero que adoptaron un propio sonido que se mostraba en a línea de bandas como Judas Priest, Saxon y Angel Witch en sus inicios, lamentablemente con su primera publicación en 1979 pasó desapercibido en Europa ante el embate de las bandas inglesas que venían con todas sus fuerzas creativas en lo musical. Señores y señoras les presento a Heavy Load.

Éste material el cual compone el segundo de su obra discográfica se titula "Death Or Glory" la cual parece ser una auténtica declaración de derechos, venían por todo y vaya que elaboraron una estupenda obra. Salió publicada en octubre del año de 1982 por la label sueca Thunderload Records en un excelente formato vinilo de 33⅓ rpm. La alineación del álbum la componen Ragne Wahlquist en las voces principales y guitarras, Styrbjörn Wahlquist en la batería, Torbjörn Ragnesjo en el bajo y Eddy Malm en la segunda guitarra. Bastante aceptable el nivel de la agrupación sueca en pleno auge de las bandas inglesas y norteamericanas. 


Éste es un clásico entre los clásicos, para amantes del metal clásico no sólo las bandas que cité con anterioridad, representa lo que era el underground de los años '80s en cuanto a Heavy Metal se refiere es lamentable que no sean parte de la ola del NWOHMB por ser de otro país, sin embargo al escucharlos no cabe duda que su sonido los relaciona y aproxima enormemente con las bandas que pertenecieron a esa oleada. La portada es realmente épica porque tiene un vikingo y un oso polar peleando a muerte en medio de un paisaje nevado. Quizás haciendo referencia en lo que ellos pretendían para su carrera, ellos como el vikingo que busca conquistar nuevos lugares peligrosos en otras partes del mundo lo cual es representado por el oso polar. En fin que las interpretaciones sobran ante lo que nos espera musicalmente hablando.

El track list es el siguiente: 
Lado A
Heavy Metal Angels (In Metal and Leather)
Might for Right 
Something New 
Bleeding Streets 
The Guitar Is My Sword 

Lado B
Trespasser 
Still There Is Time 
Traveller 
Little Lies 
Daybreak Ecstacy


Con "Heavy Metal Angels", ya nos ponen en sintonía al Heavy Metal 100% de la vieja escuela, con esas guitarras que son más potentes que nunca, y ese cambio de ritmo melódico que se escucha brillante. Este trabajo lo cantan los dos hermanos Wahlquist. El tema "Might For Right", es una oda a los Judas Priest, con ese toque del metal, practicado por bandas underground de aquellos años, grandes estribillos, base rítmica rápida y a todo galope con las dos guitarras desde el inicio hasta el fin, siempre con esos punteos que parecen sacar fuego.
La pieza "Something New", tiene ese inicio con esas guitarras épicas, y ese ritmo de batería lento, tremendo, un tema adictivo de inicio a fin, estamos ante un tema clásico entre clásicos de las bandas más reconocidas, con un estribillo entre lo melódico y lo épico, con un solo con efecto muy groove, que es una maravilla. Un gran trabajo de los hermanos quienes aparecen como cabezas visibles de la banda.
Continuamos con "Bleeding Streets", la cual no baja el listón siguen con la caña, y esta vez más veloces y más potentes, con guitarrazos más crudos, muy en la vena del NWOHMB, de las bandas como Saxon, Diamond Head, Tank, por mencionar algunas.
"The Guitar Is My Sword" este tema resume lo que son los suecos como agrupación, el heavy metal es su religión, el éxito, o que consideremos este álbum cómo una joya global del underground, es el status de culto al que tanto crítica cómo público avezado de los bajos fondos del metal los ha destinado con merecimiento, ellos creen ciegamente en lo que hacen, otro gran tema con coros y basados en un ritmo lento, que da gusto escuchar. Una y otra vez se los apuesto.


Si de velocidad hablamos la pieza que se titula "Tresspaser" es el tema más veloz del trabajo, de nuevo muy NWOHMB, que tiene un riff absolutamente alojado en el "British Steel" de los Judas, los amantes del sonido más añejo están de enhorabuena, de nuevo estribillo con coros melódicos. la mejor sorpresa es el pedazo que se marcan en el punteo, la construcción que hacen hasta llegar a el, con ese riff que es de Judas priest, cómo escuché decir a unos fanáticos del grupo. Pero aquí no están los agudos de Halford.
En resumen tenemos que las mejores armas de la banda son la distorsión, punteos rápidos, la lección que nos dan a la guitarra es tremebunda. no dejan títere con cabeza, basan su Heavy Metal por completo en la guitarra, el poder de sus hachas son los que llevan los temas en todo momento y acordes con el estilo musical, fabrican estribillos adictivos muy en la línea de los primeros grupos de esa oleada que surgió en Inglaterra.


Una pequeña obra maestra del underground, que este si que lo tengo en vinilo una auténtica rareza conseguirlo en estos tiempos, aunque la edición es una obra maestra, tremenda, es lo mínimo que puedo decir por ejemplo de la contraportada.

Les dejo algunos links de las piezas de éste grandioso material de los suecos.


"Heavy Metal Angels"


"Traveller"


"The Guitar Is My Sword"


"Something New"

Feliz fin de semana amigos y amigas del blog para que lo disfrutes con un buen vinilo.

viernes, 12 de junio de 2015

Heavy Pettin – Lettin loose (1983)


Amigos, el álbum Rock ain’t dead de los Heavy Pettin –en concreto, el tema título y Angel– fue el culpable de que me fijase en esta banda, unos infravalorados escoceses que aparecieron en la eclosión de la NWOBHM pero definitivamente no consiguieron el éxito de masas de otros colegas de su tiempo, algo que –por otra parte– le pasó a varios grupos de esa época. Pero la verdad es que no os puedo hablar de ese trabajo, porque no lo tengo en vinilo. Así que me ceñiré a su opera prima, este Lettin loose del que sí poseo el plástico. Y es que estos chicos de Glasgow que en 1981 lanzaron un EP con Neat records –sello de Newcastle que dio a conocer a Venom, Raven, Blitzkrieg y otros conocidos grupos de la incipiente escena metalera de principios de los 80–, consiguieron dos años después ser fichados por Polydor records y editar el mencionado Lettin loose, además de colocarse en el cartel de Reading junto a Black Sabbath, Anvil o Marillion

Y eso no fue todo. La ya por entonces estrella Brian May, en su primer trabajo como productor fuera de Queen, los eligió para –con la inestimable ayuda de Mack– producirles el disco en los descansos de grabación de su fantástico The Works. Así, a caballo entre los londinenses The Townhouse y los Union studios de Munich, Heavy Pettin dieron forma a este Lettin loose con una portada ideada por ellos mismos y confeccionada por Green Ink

El line up de la banda estaba formado por Steve Haymen a las voces, Brian Waugh al bajo, Gordon Bonnar y Punky Mendoza a las guitarras y Gary Moat a la batería y el track list de este debut fue: 

A 
In and out of love 
Broken heart 
Love on the run 
Love times love 
Victims of the night 

B 
Rock me 
Shout it out 
Devil in her eyes 
Hell is beautiful 


En fin, amigos, una banda poco afamada, con un sonido que recuerda bastante a Saxon –sobre todo en la voz, en temas como Hell is beautiful es obvio– a la que, si no conocíais, debéis darle una oportunidad porque valen mucho la pena. Os acompaño una selección de los temas de este, su primer disco –Broken heart, Victims of the night, que es mi preferida, Rock me, Devil in her eyes y Hell is beautiful– pero os recomiendo que no dejéis escapar tampoco los de su segundo álbum que os he mencionado al principio. 

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla





Rock D.A.M. – Llévatelo (1992 – Edigal)





ROCK D.A.M. (De Aquella Manera) ganaron en 1991 la categoría de rock duro de la 3ª edición del Concurso Pop-Rock Villa de Bilbao. Los premios, telonear a Los Suaves y algo de pasta que emplean para grabar y sacar al mercado su primer larga duración.

Desde 1986 Roberto LLave Aguillo "Potis" (voz y guitarra), Samuel López-Molina "Sam" (guitarra), llevaban dando caña por los locales de la capital vitoriana haciendo un hard rock de corte más urbano que metálico, pero a pesar de su calidad pasan desapercibidos al no lograr tener una base rítmica sólida. Tras varios cambios, fue con la entrada de Manolo González Sánchez (bajo) y Pedro Fernández Iradier (batería) cuando las cosas empiezan a rodar.




Tras meter un par de temas en el recopilatorio Descarga Norte (1988), del que ya te hablé en la entrada de los también gasteiztarras UTM, y grabar las maquetas Rock Dam Roll (1989) y Sin mentir (1990) que les lleva al Villa de Bilbao, la gran oportunidad les llega de Llévatelo a través de sello gallego EDIGAL que fue grabado en septiembre de 1991 en los estudios Tio Pete de Bilbao. Estamos ante un trabajo que recopila alguno de los temas más destacados de la banda con temas nuevos. Un álbum cargado de buenas melodías confeccionadas con un rock que desprende energía, con un claro y limpio sonido de las guitarras y letras que invitan a la reflexión, el cachondeo y cómo no el compromiso social. Diez cortes hechos con sentimiento y carentes de todo adorno y artificio.






Cara A:
1. Día tras día 
2. Perder o ganar 
3. Solo una ilusión
4. Un lugar en la historia
5. De aquella manera

Cara B:
6. Llévatelo
7. Debiste esperar
8. Haciendo tiempo
9. Que me escondo
10. La víbora (mejor que te pique)




Un trabajo variado que desprende energía y del que no te destaco ningún tema ya que espero le pegues más de una escucha al disco entero -no es difícil de encontrar en la red en digital e incluso alguno queda en venta en vinilo- pero no me resisto pegaros unos temitas abajo y comentaros que esta gente se atrevieron a hacer una versión de “Doing Time” (Haciendo tiempo) que apareció en Defender décimo álbum de estudio del gran guitarrista irlandés Rory Gallagher. Ya me contaréis.




















Black Sabbath featuring Tony Iommi "Seventh Star" Warner (1986)


En principios de cuentas éste disco parece un álbum más personal de los que hemos conocido a Tony Iommi, porque se encuentran muy pocas reminiscencias de lo que conocemos como Black Sabbath, un disco muy diferente incluso de los que se grabaron con la etapa del mismo Ozzy, Ronnie James DIO y el máster Ian Gillian, ahora le tocaba el turno a un vocalista totalmente diferente que se ponía al frente de los micrófonos para darle voz a cada una de las composiciones. Todo el álbum nos pone a recordar que en ocasiones es mejor y más fácil sustituir a cualquier otro integrante de una banda menos al vocal.

"Seventh Star" es el duodécimo disco de la legendaria agrupación británica, fue publicado el 28 de enero de 1986, a través de la conocida label Warner y su filial Vertigo en todo el mundo. Así llegamos a conocer una más de las historias de la agrupación, porque sólo se contaba con Tony Iommi de la formación original y en mi opinión el legendario guitarrista quería grabar un álbum personal con su propio nombre. Resultó ser cierta la historia de querer grabar su primer disco en solitario pero por órdenes de los ejecutivos de la label, se decidió que se incluyera el nombre de los Black Sabbath en la portada anexando el nombre del músico, con lo que quedaría finalmente "Seventh Star feat Tony Iommi". La portada no tiene nada que ver con el arte macabro y cutre de las anteriores obras, ya que era muy sencilla donde aparece en ella una foto del emblemático guitarrista. 


El track list del disco quedó organizado de la siguiente manera:

Lado A
In for the Kill
No Stranger to Love
Turn to Stone
Sphinx (The Guardian)
Seventh Star

Lado B
Danger Zone
Heart Like a Wheel
Angry Heart
In Memory ...

El line up de los Black Sabbath estuvieron con Tony Iommi en las guitarras, el ex integrante de la banda Deep Purple Glenn Hughes en la voz principal, Dave "the beast" Spitz en el bajo, Eric Singer ex integrante de los KISS en la Batería, Geoff Nicholls en los teclados y como músico de sesión a Gordon Copley en el bajo en "No Stranger to Love". En ésta ocasión las letras y música completamente estuvo a cargo de Tony Iommi, algunas letras adicionales fueron incluidas por Glenn Hughes, Geoff Nicholls y Jeff Glixman. Como podemos leer un banda bastante respetable por los integrantes que contenía. Se hizo cargo de la producción el mismo Iommi en compañía de Jeff Glixman, fue grabado en los Cheshire Sound Studios en Atlanta, Georgia en 1985.


Toda la estructura de las canciones bebe de las fuentes de lo que conocemos como Hard Rock y el Heavy Metal de aquella época, tratando de encajar por aquél año entre la popularidad de muchas bandas que tenían su sonido basado en los subgéneros mencionados. Así que nos esperaba un disco automáticamente ochentero tanto en las letras como los arreglos de las guitarras. Para darle realce al trabajo se realizó una gira promocional con la agrupación, aunque cabe mencionar que al gran Glen Hughes lo despidieron al quinto show debido a los excesos que recurría por aquellos años en cuanto a la bebida y otras sustancias. Fue una gira junto a los Anthrax que por aquél entonces gozaban de una excelente popularidad con su Thrash Metal. 


En principio de cuentas se filmó un videoclip promocional para la canción "No Stranger to Love", con una versión más corta y con armonías vocales extra para hacerla más radiable, la cual también fue lanzada en formato single. El video fue protagonizado por Tony Iommi y la actriz Denise Crosby, quien más tarde actuaría en "Star Trek: The Next Generation".

De las canciones que más me gusta del disco precisamente es de las que cautiva con esos delays de las guitarras, donde ponía toda su creatividad el maestro Iommi, es una piezza al estilo "Power ballads" de aquella época que parecía funcionar casí con cualquier grupo, por ello no había duda que sería una de las más representativas del disco. Se disfruta ésta pieza de principio a fin aunque aquí no se presentan los riffs densos a los que nos tenían acostumbrados si te cautiva al oído con su estructura. Les aseguró que podrá sonar a otra banda de las que conocen menos a los Black Sabbath, pero ello no demerita una excelente composición. Enorme Iommi con ésta canción cantada de manera excelsa por Hughes. 

La pieza "Turn To Stone" parece beber en las venas del sonido de los Motörhead con ese tratamiento de las guitarras y el bajo, así como de la batería sin duda una de las composiciones rápidas de los Black Sabbath en su discografía. Una típica pieza de los años '80s con lo que nos quedaba claro que no encontraríamos nada de los anteriores Sabbath y en cambio escuchamos el sonido fresco de la agrupación en ofrecernos una pieza de ésta naturaleza. Vaya nivel de los muchachos de Iommi!!

La última pieza que me gustaría destacar es la que lleva el título del disco "Seventh Star" y la que se titula "Danger Zone" donde nos enseñan dos estilos diferentes de componer por parte de Iommi pero que encajan muy bien con el disco. Para los fans de los primeros Sabbath quizás les resulte muy difícil asimilar que lo que escuchan forma parte de la discografía de la agrupación británica. Pero resulta que la banda y en particular Iommi se lucieron en estructurar canciones que encajaban perfectamente con el sonido de muchas bandas por aquella época, todo lo que envuelve al disco nos entrega lo que las bandas de aquellos años venían realizando en cuanto al estilo y sonido, por lo tanto surgió en el momento indicado podría decirse con todas las excepciones que hemos mencionado anteriormente. Se deja disfrutar el disco desde mi punto de vista.


Black Sabbath "No Stranger To Love"


Black Sabbath "Turn To Stone"


Black Sabbath "Seventh Star"


Black Sabbath "Danger Zone"

Quizás no fue un acierto lanzar el disco bajo el nombre de Black Sabbath pero en ese entonces tuvo que hacerse para que pudiera editarse de otra manera no sabemos cuanto tiempo tendría que haber esperado el guitarrista para poder grabarlo y editarlo bajo el sello de alguna label. Aunque para muchos éste disco es el primero de Tony Iommi y no tanto de la legendaria banda. Espero que éstas sinceras opiniones en cuanto al disco les ayuden a darle una buena oída el fin de semana y comenten que les pareció. 

Saludos a todos por aquí y buen fin de semana.

Jared James Nichols "Old Glory & The Wild Revival" (2015)


J.J.Nichols empieza a no necesitar presentación pero, por si alguien no lo sabe, se trata de un joven guitarrista de power blues de Wisconsin de tan sólo 27 años que esta dando mucho de que hablar. Su paso por la ciudad de Barcelona (y supongo que por el resto de ciudades de su extensa gira española) fue un torbellino. Cierto que no consiguió llenar apenas 100 personas en la Sala Rocksound de Barcelona pero él tocó como si estuviese frente a una gran audiencia.

Sostiene una guitarra desde los catorce años y ha teloneado a lo más grandes: B.B.KingLynyrd SkynyrdGlenn Hughes… El productor Eddie Kramer (HendrixLed Zeppelin) le ha producido el disco e incluso ha colaborado en la composición de algunos de los temas. Jonathan Mover, un músico cuyo currículum de colaboraciones necesitaría de todo un blog entero, toca en un par de temas a la batería. Nada de todo esto es casualidad y es que Nichols demuestra en este debut que va sobrado de técnica guitarrera, feeling, talento y buena voz.

viernes, 5 de junio de 2015

Metallica - Garage Inc. (Elektra Records, 1998)



Los recopilatorios tiene su gracia y su trampa. La gracia es que puedes juntar en un solo paquete tus canciones favoritas. La trampa es quedarse solo con ello. En este caso, Garage Inc. es un recopilatorio especial, pues contiene la (casi) totalidad de versiones editadas por Metallica hasta la fecha. Y lo hicieron en una época de controversia (con lo que vino después, aquello resulta una tontuna), pues habían girado su estilo hacia el metal de los noventa, con dos álbumes consecutivos (Load/Reload) que dejaron tantos fans descontentos como sorprendidos. Sin embargo, la máquina seguía en buena forma y se decidieron por un álbum nuevo-viejo, donde recrear su pasión por bandas más o menos conocidas y mezclarlo con antiguas grabaciones.


El vinilo, triple, contiene tres caras de nuevas covers, un total de once, entre las que destacan Whiskey in the jar (Thin Lizzy), Die, die my darling (The Misfits), Sabbra cadabra (Black Sabbath) y Tuesday's gone (Lynyrd Skynyrd), todo ello producido por Bob Rock. La cuarta cara se rellena con una remasterización del EP de versiones Garage days Re-revisited de 1987, donde debutó el bajista Jason Newsted. El último vinilo contiene golosas sorpresas. Primero, las más antiguas, las primeras versiones de Metallica, con Clive Burton al bajo, editadas originalmente en 1984 bajo el título de Garage days revisited. Después, cinco cortes que habían formado parte de diversos singles, entre ellas el Stone cold crazy de Queen y el So What, excelente recreación de Anti-Nowher League. El final guarda los cuatro temas que Metallica y Lemmy Kilmister (Motorhead) se marcaron en el cincuenta cumpleaños de este último, grabadas para la ocasión en directo pero en el estudio.


La edición que tengo, original de la época, se presenta en carpeta doble, triple vinilo, como os digo, y una separatas donde se narran las peripecias de Metallica con la grabación de los temas (por qué los eligieron, anécdotas, curiosidades) y algunos datos de las bandas originales, que tampoco está mal.


Como supongo que todo el mundo por aquí conoce a Metallica y la mayoría de estas canciones, no me enrollo más y os pido que repaséis el contenido de este álbum, la última grabación decente con Newsted en sus filas.

Metal Up Your Fucking Weekend!!!!

Metallica - So what


Metallica - Whiskey in the jar


Metallica - Too late too late


Metallica - Am I evil?