viernes, 14 de julio de 2017

King King - Reaching for the light (Manhaton Records, 2015)


Para este viernes caluroso me apetece compartir un disco de blues que llevo escuchando una temporada (aunque últimamente lo he abandonado, quizá por cansinismo). King King y su Reaching for the light. Alan Nimmo es el crack tras el nombre de King King: cantante y guitarrista, demuestra un gran nivel técnico, una furia y un sentimiento con la guitarra y una corrección vocal por encima de sus homólogos (entiéndase: blues guitar hero frontman).

 Por momentos me recuerda a Paul Rodgers (Rush hour). El guitarreo épico de Take a look o las iniciales Hurricane (ese toque hard) y You stopped the rain, con su pegajoso estribillo, bastarían para calificar este disco como excelente. Pero el resto no desentona. Lay with me con su adorable piano y la final Stranger to love demuestran la sensibilidad de este tipo. Le acompañan Bob Fridzeman a las teclas, Wayne Proctor a la batería y Lindsay Colson al bajo. 

La producción, por cierto, la realizan el propio Nimmo y su batería Proctor. El artwork lo firma Barrie Dunwell.

La edición en vinilo es bastante sosa, sin letras interiores ni fotos. Tan solo una pequeña historieta en la contraportada. El vinilo suena muy bien aunque sea moderno. A buen precio merece la pena.

Buen fin de semana.






Judas Priest - Stained Class (1978) UK CBS + Heavy Metal Cómic.


Buenos días FFvinilo hoy traigo al hermano del hijo de puta, el hermano de aquel muñeco fetichista de aquella tienda erótica y exoterica de disfraces del Londres de finales de los 70s de donde proviene gran parte de la estética heavy, del fetichismo gay 😆😆😆 nunca me canso de hacer "la broma" pero es verdad, el estilismo fetichista ese de la época es brutal y me encanta. Bueno aquí tenemos el 4º album de estudio de la banda de hard rock y heavy metal británica Judas Priest grabada a finales de 1977, ya he hablado mucho de la historia de la banda en anteriores reviews y hoy me voy a centrar en hablar más bien solo de este disco y de esa época de la banda en la que cada vez se hacian más populares y llevando la cabeza de la NWOBHM o segunda generación del heavy metal en la que este subgénero del hard rock se haría cada vez más famoso y sobretodo con la eclosión de heavy metal magazine en 1977, el '78 fué el año de máximo debut de la banda depsués ya se que experimentarían su climax en los 80s y 90s, incluso en la actualidad pero en el '78 fué donde más famosos se hicieron, de hecho tocaron ese año en la tele. Para la crítica utilizare mucho curviva texto prestado de El Portal del Metal, muy buenas críticas le gustan tanto los Judas que hace unas pedazo de críticas, se le va la olla escribiendo tochacos y hoy no me siento demasiado inspirado a escribir así que me dedicare más bien a editar las fotos, pero lo que este hombre se podría dice resumiendo en su alargada y poética critica viene a ser que a finales de los 70s se deja atras ese nihilismo que caracterizo años pasados y la música hard rock con Judas priest a la cabeza en relevo de black sabbath se volvió más vitalicia, más enérgica pero conservando ciertos rasgos de la oscuridad de años pasados, la oscuridad de siempre creo que ya lo dije en la crítica de Killing Machine. También como ya dije en anteriores críticass Judas presentan un trabajo lleno de efectos y sintex que aportan ese toque de rock progresivo o experimental sin llegar a serlo, ese heavy metal tan técnico.

Aquella portada, diseñada por el artista Roslav Szaybo (autor también del nuevo logo), desbordaba clase y brillo sin renunciar a la dureza y poder de tal metal maleable del que estaba hecho ese maniquí de otra era, siendo esa efigie y su haz fiel ejemplo visual del ámbito sonoro… Riesgo, vanguardia, magia, lustre, dureza, elegancia y vigor repartidos con equidad en esas nueve pistas que dieron cuerpo a una de las mejores y más inspiradas obras del Sacerdote, el mejor álbum de sus ’70 fuera de la eminente sombra de las Tristes Alas del Destino…
Una de mis fantasías más favoritas escuchando este album es sentirme como si me echaran un cubo de hierro líquido y me convirtiera en un muñeco de esos, con una espada encima atravesándote no se como el Iron Man de Black Sabbath a su regreso al presente, podría ser perfectamente ese muñeco. (además de imaginar cosas fetichistas jajaja)

FULL ALBUM
Volviendoa 1978,  el tema que da nombre al album, seguimos a la escucha de la obra para asistir a su tema-título. Stained Class despierta con un frenético puntear de guitarra que se revuelve en entrecortados arrebatos, hasta dejarle el terreno libre a un marcado trote de riff muy en la onda de aquel Diamonds And Rust que también los ingleses tomaron prestado, de Joan Baez esta vez, para ser ‘customizado’. Rob Halford emprende en este tema una original gesta vocal llena de matices al son de las gruesas guitarras de Tipton y Downing, con unos versos muy incisivos y de una expresividad que a veces roza lo esquizoide. Y volviendo a los efectistas métodos de aquellos estribillos de Tyrant y Dissident Aggressor, en la segunda vuelta del primer verso el estudio le concede a Halford el don de la bilocación en función de coro y voz principal, completando Rob desde una distante retaguardia las frases que inicia su voz líder, hasta alzar su majestad y señorío en un solemne estribillo que sobre la instrumentación gravita resplandeciente, y que por distinción, textura y palabra parece plasmarnos el eco de una civilización superior que estudió nuestra decadente Humanidad desde sus albores, escribiendo nuestra historia para ilustrar a sus generaciones. Con ello vuelve a mi mente esa efigie de la portada, que parece ocultar una sapiencia y arte supraterrenos, teniéndola más presente al ser este tema el que da nombre a la obra, un sermón de carácter social a nuestra especie entonado por Halford, esa voz que nos apabulla luego con otro de sus primeros trabalenguas (célebres acabarían siendo), de acertadísima métrica y ritmo, emprendiendo su retahíla verbal hasta llegar a un momento en el que parece masticar con ansia lo que articula, dando paso luego a un ceremonial riff que inaugurará el inminente nacimiento de un trepidante solo de Tipton. Elaborada y sólida pieza, con un final intenso donde un imperial Halford se recrea y nos recrea alargando con potencia cada sílaba de ese penetrante “Stained class king” con el que da muerte a la pieza, canción que como un poderoso púlsar va muriendo lentamente entre zumbidos electromagnéticos hasta apagarse de súbito como un fuego fatuo.
Esa innovación de la que hacía gala la banda se vuelve a manifestar en su primer jugueteo con los rudimentarios sintetizadores de la época, creando ambiente para volver a abrir telón con Invader, cuya música va emergiendo de ese hervidero electrónico hasta hacerse corpórea, una canción que sin ser de las mejores del álbum consigue atraparnos por su sugerente atmósfera y su línea vocal del verso, misteriosa y atractiva, que al acecho avanza hasta toparnos con su sobrio, aséptico, pero profundo estribillo, de añejo timbre y textura de gong. La canción narra en primera persona la tensión que genera un avistamiento ovni y el descubrir que sus tripulantes no vienen en son de paz precisamente. Un interesante tema, que se me antoja como un antepasado secreto de Turbo Lover.
En el album como cabía de esperar también se pueden encontrar referencias satanistas porque es la esencia de la banda y aunque el título no es stanied glass que son las vidrieras de las catedrales que desde siempre se usaron para fascinar y engañar al creyente, stanied class con su vidriera fetichista personalizada del obispado de judas hace referencia a eso.

”Largo tiempo atrás, 
Cuando el Hombre era rey,
Su corazón era limpio,
Ahora…” 

Sin abandonar aún tanto la épica como el contenido social de sus primeras letras, Judas Priest dieron un paso más en su propia evolución presentando en Febrero de 1978 su Stained Class, quizá el álbum más inspirado y poético en texto (despues de Sad Wings of Destiny), y uno de los más sublimes en partitura, también mostrando una vez más la naturaleza camaleónica de esta banda británica, que de nuevo nos brindaba algo diferente a lo conocido de su catálogo, pero sin perder los elementos esenciales de su identidad legítima, una tradición que afortunadamente siguió vigente con muchos más éxitos que fracasos hasta nuestros días.

Con Stained Class, la banda redimensionó su sonido a un espectro más lumínico en atmósfera y más dinámico en composición, con una versatilidad con la que ganó sofisticación a la vez que dureza, sentando cátedra para las corrientes venideras del Metal al sentirse latir en ellos el germen del Speed Metal (Exciter) y los contundentes mid-tempos de aquel Thrash Metal también por nacer (Saints In Hell). Aquellas letras góticas con las que presentaban su nombre fueron transmutadas a un diseño más afilado pero no exento de elegancia, con esos acerados caracteres cursivos ensamblados a ese zigzagueante subrayado tan característico, convirtiéndose ese nuevo logo en el emblema definitivo de la banda, una banda que había depurado su sonido emprendiendo un itinerario evolutivo muy personal en pos de convertir al Heavy Metal en un estilo ya independizado del Hard Rock, un género ya definido y con nombre propio, escrito con letras de acero. ElPortalDelMetal


BETTER THAN YOU BETTER MY ME
"Better By You, Better Than Me" es una canción de la banda británica de hard rock y rock progresivo Spooky Tooth, escrita por Gary Wright para su segundo disco de estudio Spooky Two de 1969. En el mismo se lanzó como único sencillo del álbum, que a su vez se convirtió en el primero de la banda. En 1970 la banda alemana de kraut rock Armageddon tamibén hizo su versión. En en '77 los Judas sacaron su versión que ya la solían versionar desde 1975, una versión que vió la luz en este gran album y que veinte años más tarde tuvo problemas con la ley luego del suicidio de uno de sus fanáticos, adoro a esos jebis colgados fanáticos, la culpa la tuvo la sociedad de mierda no ellos.

Y el éxtasis eléctrico continúa con esa versión que hizo la banda a Spooky Tooth, ese radiante Better By You, Better Than Me, una marchosa canción de amor con grata sorpresa, pues durante su garboso verso, movido por esa juguetona cantinela que puntean las guitarras, nunca intuyes el estremecedor as que guarda en su ancha manga, preludiada la sorpresa por ese contundente ”Everybody, everybody knows…” de chispeante delay que Judas añadió a la versión original a modo de bridge para hacer más efectivo el contraste, el contraste de sentir explotar de súbito esa nebulosa de sentimiento traída por las espectrales guitarras y por un emotivísimo Halford que nos estremece hasta cotas que no aguanta alma humana, para luego retomar el festivo verso y su pícara cantinela guitarrera, como si no hubiera pasado nada, pero teniéndonos ya avisados para agarrarnos donde podamos y tener pañuelos cerca cuando nos abrace por segunda vez ese esplendoroso estribillo, con más intensidad aún que antes. Sin duda una de las más gratas sorpresas que me ha dado esta banda en toda su discografía, pudiendo decir que es sublime, pero siendo ésta una palabra demasiado terrenal para intentar abarcar la grandeza de esos momentos cumbre del tema.

En fin, un verdadero crimen hacia el arte mismo el usar la música como chivo expiatorio de actos tan macabros, aunque menos mal que la banda al final no se lo tomó tan mal, al menos Halford así se defendió: ”Si nosotros hubiéramos puesto mensajes subliminales suicidas en nuestras canciones aquello hubiera matado nuestro propósito, si nosotros hubiéramos puesto mensajes subliminales aquello podría haber sido ‘compra más discos’”. Bien dicho, Rob, ni cantado hubiera sonado mejor. He de matizar que aquel supuesto mensaje oculto decía “Do it” (“Házlo”), con lo que me asalta una duda: ¿No llamaron a juicio a Nike?, pues su famoso slogan ya estaba en la calle, y más claro y enfático. “Mejor hecho por ti que por mí”, diría la misma canción a la célebre marca de ropa deportiva, añadiendo y como anillo al dedo ese “Tú puedes decir lo que sólo ellos pueden ver”. ¡Qué mundo éste!. Excusas para prohibir el heavy metal, hoy en día parece inpensable pero desde sus inicios fue brutalmente atacado por todo tipo de asociaciones y grupos.


EXCITER
Excitante forma de empezar el album, abriendo telón, solitaria se adentra la batería, pilotada a gran velocidad por el nuevo miembro Les Binks para traernos el vivaz y veloz Exciter, un clásico que es vertebrado por dos elementos clave que lo definen que son el doble bombo y el fiero riffeo que lo arropa, fundamentos cruciales que lo hacen trascendental a la hora de valorar a este tema en su tiempo. Su letra lo presenta como una entidad de fuego de naturaleza cósmica que llega a nuestro planeta a modo de mesías severo, haciendo justicia en el Mundo con su ígneo poder, adaptado cómodamente a una música con nervio que le da el cuerpo y brío adecuado a ese sabio cometa, bello a la vez que destructor.

WHITE HEAT, RED DOT
La temática es tan variada y fascinante que cada tema es digno de explicar pero solo vamos a explicar unos cuantos al azar, este es uno de ellos y su temática a parte de hacer referencia tanto a la movida heavy como a la punk por lo de white heat es un tema que básicamente crítica todo lo críticable xDD es un éxtasis eléctrico.


Pistas
1 Exciter
Written By – Tipton*, Halford*

2 White Heat, Red Hot
Written By – Tipton*

3 Better By You, Better Than Me
Producer – James Guthrie
Written By – G. Wright*

4 Stained Class
Written By – Tipton*, Halford*

5 Invader
Written By – Tipton*, Hill*, Halford*

6 Saints In Hell
Written By – Tipton*, Downing*, Halford*

7 Savage
Written By – Downing*, Halford*

8 Beyond The Realms Of Death
Written By – Binks*, Halford*

9 Heroes End
Written By – Tipton*
Impuesto de lujo a metallico jajaja \m/!!

Créditos
Bass – Ian Hill (2)
Concept By [Re-Masters Cover] – Judas Priest
Coordinator [Remastering] – Jayne Andrews
Design, Artwork By – L-Space Design
Drums – Les Binks
Guitar – Glenn Tipton, K. K. Downing
Producer – Dennis Mackay, Judas Priest
Remastered By – Jon Astley
Vocals – Rob Halford

Notas
The studio bonus track FIRE BURNS BELOW was recorded during the earlier years of our career.
BETTER BY YOU, BETTER THAN ME was recorded during one of our many world tours.
ORIGINALLY RECORDED 1978.




Respecto al LP relativamente fácil de encontrar, es muy popular y creo que incluso en reedición, no mas de 20€, a mi me costo 10, mi edición es una reedición española de 1982 vendida en el corte inglés de la época, la calidad del sonido es buena como en sus anteriores obras.


--> clase tintada @320 tambíen he metido ahí el comic algunas de la viñetas de una historia de Zona 84 (heavy metal magazine en español) que me recordaban mucho a los judas priest y ese fetichismo del que hablaba xDD, del pintor Giovanni degli esposti venturi que murio a principios de este año 2017, la verdad es que son viñetas bestiales de bien hecha hasta tienen sensación de 3d que se salen de la hoja.


Aquí teneis la crítica completa de el portal del metal, se ve que es de sus discos favoritos, tiene un montón de texto y tan bueno que decidí usar gran parte del mismo para esta entrada y decorarlo con el contenido audiovisual que es lo único de lo que carece ese blog.


Salurocks!!




Slayer - Hell awaits (Metal Blade 1985)


Amigos, es hora de finalizar el curso y darse un respiro en esto de reseñar vinilos para poder regresar con mayor ímpetu tras el parón estival, por lo que pretendo despedirme por todo lo alto con una obra imprescindible del thrash de los 80, ni más ni menos que el mítico Hell awaits de Slayer. Después de ser fichados por Brian Slagel –un antiguo periodista musical que había fundado su propio sello– que había editó la primera grabación autofinanciada de los californianos, el éxito fue tan grande que Slagel contrató a Ron Fair como productor y a Bill Metoyer –que ya había participado en el debut de la banda– para grabar y mezclar su segundo álbum entre los Eldorado studios y los Track records studios. El line up fue el mismo que grabó su predecesor y que se convertiría en la formación clásica y habitual de la banda, con Kerry King y el malogrado Jeff Hanneman a las guitarras, Tom Araya al bajo y voces y Dave Lombardo a la batería.


Con portada de Brian James y Albert Cuellar, el track list del disco fue: 

A 
Hell awaits 
Kill again 
At dawn they sleep 

B 
Praise of death 
Necrophiliac 
Crypts of eternity 
Hardening of the arteries 


El álbum se inaugura con un satánico inicio, distorsión guitarrera y Araya grabado al revés pidiendo que nos unamos a las hordas de Slayer justo antes de entrar el hipnótico riff del tema título que da comienzo a este mítico vinilo. Aplastante. Le sigue Kill again, otro temazo de alto octanaje guitarrero a cargo de King y Hanneman sobre el que vocifera Araya al ritmo que marca Lombardo, un muro sónico de violencia con solos afilados. At dawn they sleep es sencillamente apabullante, con gran presencia del bajo de Araya, un sonido típicamente thrashy ochentero y esos duelos dialécticos a las seis cuerdas entre Kerry y Jeff que encajan en un tema con diversos cambios de ritmo que pone fin a la primera cara del vinilo. 


Praise of death da comienzo a la cara B con más de lo mismo, rapidez, letras no aptas para estómagos sensibleros, violencia sónica, riffs pesados y solos afilados. Y la cosa se mantiene con Necrophiliac, una nueva colección de guitarrazos y otro ejemplo de la energía de Lombardo golpeando los parches sin descanso ejerciendo de conductor rítmico del resto de la banda. Es el momento del tema más extenso del disco, la enorme Crypts of eternity cargada de cambios de ritmo. Debo deciros que hay momentos en los que recuerda un montón a los primeros Flotsam and Jetsam, lo que no es de extrañar al ser estos otro fichaje de Slagel con Bill Metoyer como responsable del sonido. Y finaliza el álbum con Hardening of the arteries, un tema brutal de Hanneman en solitario que finaliza con el riff inicial de Hell awaits, cerrando el círculo de este elepé infernal y maligno. 


En fin amigos, un álbum grande lo mires por donde lo mires que no puede faltar en la colección de ningún metalhead ochentero que se precie y que por fin ha llegado a casa. Original de 1985, la versión que poseo es la del trigésimo aniversario de su lanzamiento, basada a su vez en la edición de Metal Blade de 1988, muy cuidada y con un póster de la portada. 


Feliz verano y felices vacaciones para los que las inicien. 

@KingPiltrafilla

viernes, 7 de julio de 2017

Grand Funk Railroad - Survival (1971) USA

Hoy traigo el Survival de la Grand Funk Railroad uno de sus albunes más importantes, Grand Funk Railroad es un power trio americano de hard rock formado por Mark Farner (Vocalista,guitarra) uno de los mejores guitarristas de la historia, Don Brewer (vocalista,batería) y Mel Schacher (bajo), la banda fué fundada en 1968 por Farner, aunque desde 1965 ya andaban dando guerra con el blues y el soul, llegaron a ser de las bandas americanas de rock más populares de los 70s con primeros 8 albunes y posteriormente también en los 80s siguieron siéndolo con un estilo más enfocado al heavy metal y su participación en la banda sonora de la película heavy metal de 1981. Como el nombre indica la marca personal de la banda es el Funk y es que no solo fueron impulsores del estilo sino también los primeros en fusionar el funk (variante del soul) con el hard rock y el heavy psych de la época, sobretodo lo petaron con el famoso Red Album que si lo escuchais os dejara de piedra, despues del red album su album mas famoso fue este, luego en 1972 sacaron su album Phoenix donde la banda se inmersiono más que nunca en el rock progresivo y en 1973 sacaron su album más famoso que contenía el "Were an american band" que fué muy utilizado en USA como aliento patriótico tras la retirada de la guerra de Vietnam y la vuelta de los Pow-Mia (presos de campos de concentración que fueron liberados).
Vaya no se nota el humillo del incienso xDD

La historia del album es muy curiosa de hecho detrás del album viene algo muy interesante que alude a dicha historia. Resulta que en medio de un concierto  en Atlanta entre el público una mujer dió a luz, que salvajes xDD y pararon el concierto para dar a luz allí mismo y eso les dio la idea para hacer el album, un album que sigue más o menos en la misma línea musical de la banda, entre los covers destacar el Feelin' alright de Rare Earth los chicos blancos del soul y Gimme Shelter de los Rolling que es el tema más pesado del disco y el cual cierra el mismo, Mark Farner siempre tuve mucha cercanía al Soul como se puede ver en sus trabajos anteriores a Grand Funk, Grand Junction  demás, en el album contratan a coristas de sesión incluso a crios para determinadas voces, todo sea complementar la parafernalia psicodelica y contracultural de cualquier manera y respecto a la temática del album se puede decir que semi-conceptual pero obviamente varios de los temas hacen alusión directa a la peculiar historia del hombre cavernícola dando a luz en un concierto de heavy blues jajajaja además de la caratula. También hace alusión a la carretera en varios temas porque cómo no si en esa época eran un icono para las bandas de motoristas no hay ni un album suyo que no trate ese tema y luego también al materialismo y el dinero.


FULL ALBUM

Pistas 
A1 Country Road 4:20
A2 All You've Got Is Money 5:12
A3 Comfort Me 6:44
A4 Feelin' Allright
Written-By – Dave Mason
4:25
B1 I Want Freedom 4:32
B2 I Can Feel Him In The Morning
Written-By – Don Brewer
7:13
B3 Gimme Shelter
Written-By – Mick Jagger, Keith Richards*
6:19


Respecto al elepé es una reedición de 1985 por Frame, pero no hay grandes cambios con respecto a la original del '71, "fácil de encontrar en tiendas por no más de 20€" yo es que da la casualidad de que lo he visto mucho pero no se vosotros, y tampoco se si estara en reedición actual.


--> El funk de gran @320 ya sabeis. (teneis algunos abunes de la banda incluyendo las primeras demas de 1967).

Salurocks!!















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Sheilan – Sheilan (1989 – Puerta Oscura)



Tras una semana muy movida entre el Download Festival, que por cierto fue de menos a más, y una vueltecita por Lisboa, de la que un día de estos me gustaría haceros algunas recomendaciones en el blog, hoy os presento una banda de heavy ceutí ochentero, SHEILAN.

El grupo fue fundado en 1987 por el guitarrista y vocalista Carlos Lorda y el también guitarra Emilio Sánchez-Ortega, completando el cuarteto Pepe Lázaro al bajo y Chico Palenzuela a la batería.

Su primer plástico, que lleva de título el nombre de la banda, fue grabado en los estudios malagueños de La Costa, producido por Manolo Alba y editado por Puerta Oscura, corriendo el diseño de la carpeta y el dibujo de la portada con esa diosa destructora y asesina a cargo de C. Jiménez.

viernes, 30 de junio de 2017

DIO - Holy Diver (Warner, 1983 - Back to Black, 2010)



Esta semana (exactamente ayer) se han cumplido cinco años de mi primera incursión en este blog de la Comunidad #FFvinilo (135+1 discazos) con una entrada de mis adorados KISS (aquí mismo). Cuando releo ese artículo me doy cuenta de lo mucho que ha cambiado mi estilo y, de rebote, mi vida, cómo han crecido a mi alrededor las mujeres (antes niñas), cómo ha decrecido mi cabello y cómo hemos ido mutando en este espacio los compañeros habituales. Y me apetecía rendir un pequeño homenaje a todos nosotros, los que semana sí semana no (o de vez en cuando, cada uno a su aire) dejamos por aquí una muestra de uno de nuestros tesoros preciados, esos círculos plásticos que ocupan un lugar cada vez mayor de nuestras casas.

Y qué mejor que con el maestro Ronnie James Dio y su álbum antológico Holy Diver. Y en
edición picture disc nada menos. No sé ni cómo suena porque no lo he pinchado nunca pero es precioso. Lo editó en el año 2010 Back to Black. Algún día me haré un reloj hortera o un  salvaplatos de lujo.

Del álbum poco os voy a contar (porque está muy trillado y yo muy vago). Mr. Dio a la voz y componiendo todos los temas, algunos con la ayuda de sus secuaces, a saber: el nunca suficientemente valorado Vivian Campbell a la guitarra, Jimmy Bain al bajo y Vinny Appice a la batería. 

Aprovecho para desearos feliz verano a los que soléis cerrar por estas fechas vuestra participación en el blog y pediros a los que sigáis visitando este hueco que vengáis con cervezas, pues comentan que va a ser un verano jodidamente caluroso.

A todos y a todas las que nos leéis y aún no participáis de esta locura del blog vinílico deciros: ¡vamos ya! Traed vuestro cachito de colección al rincón de los locos por el black circle.

Buen finde. Stand up and shout!!


Loudness – Devil soldier (B&M-1982)


Bueno amigos, esto es todo, a partir de hoy por fin os dejaré de dar la paliza con los vinilos que compré en Japón la pasada Semana Santa, porque este viernes le pongo la guinda a esta serie de entradas con el que fue el segundo elepé de los nipones Loudness. Y de bonus, un par de vinilos más que completan el total de once que me traje en la maleta. Espero que os guste este repaso. Vamos a ello. 


En anteriores entradas ya os he hablado de esta magnífica banda por lo que me extenderé poco en los preámbulos. Loudness nacieron en Osaka a principios de los 80 de las cenizas de Lazy gracias al guitarrista Akira Takasaki, el tristemente fallecido batería Munetaka Higuchi, el bajista y amigo de Takasaki, Masayoshi Yamashita y Minoru Niihara, el hasta entonces vocalista de Earthshaker, que tuvieron que reclutar a un nuevo frontman para editar su debut, del que ya os hablé aquí


Con esa formación grabaron en Londres su estupendo Disillusion –visto aquí– que los dio a conocer en occidente y propició su fichaje por ATCO en los Estados Unidos, en donde alcanzaron el estrellato gracias a su Thunder in the east, del que también os hablé en su día. 


Sin embargo, antes de todo ello, Loudness habían editado ya tres elepés menos conocidos internacionalmente y que se engloban en lo que algunos denominan como su época japonesa, una paradoja ya que la banda nunca ha dejado de ser de esa nacionalidad. Pues bien, su segundo álbum fue este Devil soldier que hoy os presento. Producido por la propia banda con Daikoh Nagato y grabado para B&M –subsidiario de Nippon Columbia– en los estudios del sello y en el Studio Birdman, el disco –que tenía una portada de Moonshine Project– tuvo el siguiente track list

A 
Lonely player 
Angel dust 
After illusion 
Girl 

B 
Hard workin’ 
Loving maid 
Rock the nation 
Devil soldier 


Los temas ofrecen pocas sorpresas para los que somos seguidores de la banda, destacando en todos ellos la maestría de Akira Takasaki. Así, Lonely player es un fantástico inicio que ellos mismos volvieron a grabar en su On the prowl del 91 –comentado aquí– con el título Deadly player. Angel dust es un temazo lleno de energía y como contrapunto After illusion es un medio tiempo cargado de sentimiento con unos solos fantásticos. Y Girl es un hard rock típico con el que se da fin a la cara A. 


La segunda cara comienza con Hard workin’ en el que Takasaki nos regala otro estupendo trabajo de guitarra. Y lo cierto es que tampoco hace falta decir demasiado más, el resto de temas –entre los que destaca el tema título con el que cierran el álbum– son más de lo mismo, heavy rock con una calidad excepcional, del mismo corte que el que encontraríamos los años posteriores al inicio de su etapa norteamericana aún con Niihara a las voces. En resumen, hard’n heavy muy influenciado por la NWOBHM, una fantástica voz, un genio de las seis cuerdas y la base rítmica sin fisuras de Yamashita y Higuchi


Os acompaño la grabación del disco completo en su versión editada en cedé en 2004, que incluye por ejemplo una estupenda Geraldine


BONUS 


Gotta fight (Nippon Columbia-1985) 


Se trata de un single de 12” que incluía dos temas compuestos para la banda sonora de la cinta anime Odin: Photon sailer starlight. Se editaron dos versiones, una con el característico obi de los lanzamientos nipones y otra con un simple sticker y una contraportada diferente. Esta segunda es la que tengo yo, aunque por desgracia no se conserva el adhesivo. 


Producido por el grupo en el Sedic studio, el Nippon Columbia studio y el Sound Inn studio y con portada con diseño de Tyrannosaurus fotografiada por Hiro Ito, contó con la colaboración de Masaori Sasaji a los teclados en Odin

A 
Gotta fight 

B 
Odin 
Flash out 

Gotta fight es un temazo que tiene un potente inicio parecido al de Crazy nights y un estribillo pegadizo. En la cara B Odin se inicia con los teclados y sintetizadores de Sasaji que dan paso a un estupendo tema de rock melódico y Flash out es una instrumental fantástica. Sin duda, tres pedazo de temas “escondidos” de la discografía vinílica de Loudness.





Let it go (ATCO-1986) 


Se trata de otro single de 12” de promoción de la gira ’86 para presentar su Lightning strikes –que en Japón se tituló Shadows of war– y que contiene dos temas del mencionado álbum, más una instrumental. Por cierto, aunque Let it go fue un éxito comercial, a mi siempre me ha gustado muchísimo más Dark desire


Producido por Max Norman y con portada de Hiro Ito, el track list fue: 

A 
Let it go 

B 
Farewell 
Dark desire 




Y con esta más que completa entrada que espero que haya gustado a los seguidores de Loudness, despido la serie que he dedicado a los vinilos que regresaron conmigo desde Japón, que también espero que os haya parecido interesante.

¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

ZZ TOP - Lowdown (Live, Capitol Theatre, New Jersey, June 15th 1980)


Hace años, en pleno apogeo de los vinilos, no era nada difícil encontrar bootlegs en cualquier tienda de discos. La mayoría de ellos costaban un ojo de la cara y además, en muchas ocasiones, resultaban ser un bullicio apenas audible. A día de hoy que con un simple click puedes acceder a miles de grabaciones en directo del grupo que desees han perdido un poco su esencia, pero antes era una de las pocas opciones que teníamos de poder escuchar conciertos de giras anteriores o actuales de nuestros grupos preferidos. Hace un tiempo, con el resurgir del vinilo, se están editando bootlegs de nuevo y continúa siendo emocionante toparse con alguno de ellos en las tiendas de discos. Si encima se trata de un directo con buen sonido y a buen precio, como es el caso, la satisfacción es doble.

viernes, 23 de junio de 2017

Crimson Glory – Crimson Glory (PAR-1986)


Otro de los vinilos que compré en Shibuya –y ya van ocho– fue este Crimson Glory, larga duración de debut de la banda homónima de Florida. De mi gusto por este grupo da fe la entrada que hace varios años dediqué a la que creo su mejor obra. Sin embargo, sólo un poquito por debajo está la que hoy os traigo. 

Con el mismo line up que grabó su segundo álbum –compuesto por el malogrado Midnight a las voces, Jon Drenning y Ben Jackson a las guitarras, Jeff Lords al bajo y Dana Burnell a la batería– y con producción de Dan Johnson en los Morrisound studios de Tampa, con Jim Morris de ingeniero, el estupendo track list de Crimson Glory fue: 

A 
Valhalla 
Dragon lady 
Heart of steel 
Azrael 

B 
Mayday 
Queen of the masquerade 
Angels of war 
Lost reflection 


La cara A se inicia con las afiladas guitarras de Drenning y Jackson que presentan un Valhalla en el que destacan ambos intérpretes junto al vocalista y se atisban notas de unos teclados sin acreditar a cargo de John Zahner. Un pedazo de tema que sirve de inmejorable carta de presentación antes de que Dragon lady suene en los altavoces, otro estupendo power metal con un fantástico trabajo de guitarras. Entonces llega la mélódica Heart of steel, con la voz de Midnight como protagonista transmitiendo emotividad, unos guitarrazos de aúpa y más teclados en algunos pasajes del tema. Sin embargo, el nivel está por debajo de la siguiente Azrael, mucho más redonda en interpretación y arreglos, con la que se cierra la cara y de mis preferidas junto a la primera canción. 

La cara B comienza con Mayday, un tema rápido con afiladas guitarras y la voz aguda de Midnight, que en esta ocasión no me gusta demasiado y me recuerda al cargante Jim Gillette de Nitro. Además, el sonido de batería es de puta pena. Vamos, que no es una de mis favoritas. Todo lo contrario que Queen of the masquerade, con unos arreglos de guitarra que recuerdan a Vinnie Vincent en algún momento. Una estupenda canción sin duda. Angels of war es otro buen ejemplo de buen power metal con unas guitarras estupendas y la alucinante voz de Midnight llegando a niveles estratosféricos. El disco termina con Lost reflection, una extraña balada acústica cantada con una voz desgarrada y emotiva que habla sobre una persona encerrada durante años en un desván. 

Y eso es todo por hoy amigos, os acompaño la grabación completa para que disfrutéis de la primera obra de estos músicos de Florida, un trabajo que quizás no es del todo perfecto pero que les sirvió para sentar las bases de lo que dos años después sería uno de los álbumes imprescindibles del metal norteamericano de los 80. El clip incluye el bonus Dream Dancer, que no aparece en el álbum de vinilo original y que apareció en single en 1988, poco antes de editarse el estupendo Trascendence


¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla

W.A.S.P. - The Sting ( Madfish-2014)



Es curioso cómo o porqué compramos a veces los vinilos. Este, sin más, lo compré por ser doble y estar a buen precio. Ya conocía el DVD "The Sting" publicado hace diecisiete años. Me parecía un elemento prescindible en la discografía de W.A.S.P. aunque... ¿quién se resiste a un vinilo doble ¡de color verde! con carpeta gatefold y tirado de precio... Yo no puedo.

The Sting se grabó en vivo el 22 de abril del año 2000 como parte de la gira de presentación del álbum Helldorado en un garito de Los Ángeles llamado The Key Club. La banda la conformaban el eterno Blackie Lawless a la garganta y la guitarra, Chris Holmes (el hijo pródigo) como guitarrista loco, Mike Duda al bajo y Stet Howland a la batería. El contenido del álbum (poco más de 70 minutos) mezcla canciones de varias épocas. El álbum comienza con un medley "nuevo-viejo": Helldorado-Inside the electric circus-Chainsaw Charlie que funciona bien. El setlist incluye L.O.V.E. machine, Wild child, Blind in Texas o A.N.I.M.A.L. (fuck like a beast) entre otras. 


El sonido deja mucho que desear, pues más parece un buen bootleg que un disco oficial (más aún con el fantástico Double Live Assassins tan reciente): la mezcla es pobre y plana y en ocasiones los instrumentos se pierden. La banda tampoco estuvo al cien por cine, en especial Holmes, que se marca algunas partes de guitarra un poco chapuceras. Pero la entrega, la rabia y la oscuridad de Lawless en esa época la escuchas en cada surco. Suena diferente a su época de gloria, desde luego, pero no es un mal disco en directo. 

De todos modos, lo mejor es la edición vinilo con sus dos discazos verdes, la carpeta doble y el encarte. Re-edición de la germana Madfish, por cierto. Una pasada.

Cualquier momento es bueno para un concierto de W.A.S.P.

Buen fin de semana...







viernes, 16 de junio de 2017

Montrose – Montrose (Warner Bros-1973)


Hola amigos, heme aquí un nuevo viernes repasando mis adquisiciones vinílicas en Tokyo. A ver, ya han pasado por aquí los cuatro de Vow Wow, el de Steeler y el de Show-Ya. Pues bien, hoy llega el primer disco de los estadounidenses Montrose –mi copia es una reedición norteamericana de 1978– que se tituló con el nombre de la banda, a su vez el apellido de su fundador. Muy original. 


Producido por la banda y Ted Templeman entre los Warner Bros recording studios, los Sunset sound studios y los Wally Heider studios, Montrose es otro de esos discos míticos que llevaba años buscando por las ferias de vinilos y que no encontraba nunca o estaba a un precio bastante elevado. Pero ya es mío. 

Con Sammy Hagar a las voces, Ronnie Montrose a la guitarra, Bill Church al bajo –todos conocidos de Templeman por haber participado en diversas grabaciones de Van Morrison– y Denny Carmassi a la batería, Montrose sacaron al mercado este excepcional disco con portada de Norman Seeff diseñada por Dave Bhang y el siguiente track list

A 
Rock the nation 
Bad motor scooter 
Space station #5 
I don’t want it 

B 
Good rockin’ tonight 
Rock candy 
One thing on my mind 
Make it last 

Rock the nation es hard rock crudo y clásico, con un riff machacón que electriza y le hace a uno querer coger una guitarra y emular a Ronnie. La parte central ofrece un poco de descanso y despues del sencillo solo, retoma el riff para dejárnoslo impreso en el cerebro. Apenas tres minutos pero historia del hard rock USA style, un puñetazo en la cara a lo burro, simple pero efectivo. Más elaborada es la siguiente Bad motor scooter –firmada por Hagar– aunque igualmente imprescindible, con un solo más complejo. Entonces comienza EL TEMAZO que me hizo descubrir hace años este disco en un programa nocturno que el ya fallecido Jordi Tardá tenía en la radio, Space Station #5. Si uno no queda poseído al escuchar esta canción es que no ama el rock –qué digo el rock, la música– y merece ser encerrado desnudo en una celda de Guantánamo con reggaeton sonando sin descanso por los altavoces. ¡Pero si hasta los Maiden grabaron una versión! (algo irreverente, eso sí). Amigos, esto provoca más headbanging que algunos grupos de metaleros con chándal que se las dan de auténticos. Y entonces... ¡caramba!, ¿Redline de Saxon?, ¡no! una estupenda I don’t want it de la que los británicos plagiaron el riff. La verdad es que no he investigado sobre el asunto e ignoro si tuvieron que afrontar algún tipo de denuncia, pero si no lo habéis hecho, comparadlas y veréis que no se trata de un parecido razonable sino de un robo en toda regla. En fin, un temita que no llega ni a los tres minutos pero que resulta muy efectivo. 


La cara B comienza con Good rockin’ tonight, un rock clásico de Roy Brown de esos que no te dejan permanecer quieto y te hacen chasquear los dedos y mover las caderas como un poseso, con un pedazo de solo que echa para atrás. Le sigue Rock Candy, otro temazo, el único del álbum en el que participaron en la composición todos los miembros de la banda. Cadencioso, magnético e imprescindible. One thing in my mind es otro hard rock de sonido clásico con riff machacón y un solo central estupendo. Una guitarra limpia que precede la entrada de la voz de Hagar es el inicio del último tema del disco, una estupenda –¿alguna canción de este álbum no lo es?– Make it last compuesta por Hagar, con un riff repetitivo simple pero muy pegadizo. 

En fin amigos, apenas media horita de música que no debería faltar en la discoteca de ningún rockero y que por fin he traído a casa... y os adjunto aquí.


¡Feliz viernes! 
@KingPiltrafilla